곡 설명

<하이퍼필드> 는 현실의 소리와 상상의 소리가 겹쳐지는 청각적 실험이다. 작가는 2021년 여름 서울과 양평을 오가며 수집한 필드 레코딩을 기반으로, 그 안에 잠재된 리듬과 구조를 분석하고, 이를 바탕으로 *스페큘러티브 사운드 합성(speculative sound synthesis)을 수행한다. 이로써 현실의 소리는 새로운 가능성의 형태로 재구성되고, 청자는 존재하지 않는 세계의 감각을 사운드를 통해 경험하게 된다.

듣는다는 것은 지각되지 않는 것을 향해 귀를 여는 행위이며, <하이퍼필드>는 바로 그 지각의 경계를 탐색하는 시도다. 작품 속에서 필드 레코딩과 합성 사운드는 명확히 구분되지 않는다. 두 층위는 서로를 반사하고 교란하며, 실재와 가상, 자연과 인공, 감각과 상상의 경계를 흐린다. 결과적으로 이 작업은 단일한 장소의 재현이 아닌, 다차원적인 청각적 지형을 구성한다.

*스페큘러티브 사운드 합성 = “실제 소리의 물리적 원인이나 재현을 넘어서, 상상된 환경·미래·비현실적 가능성을 탐구하는 합성 접근”

이 작업은 내가 경험한 장소와 공간의 소리, 그리고 그 소리를 통해 떠오른 존재하지 않는 감각의 가능성에서 출발했다. 필드 레코딩은 언제나 내가 외부 세계와 연결되는 가장 직접적인 방식이었지만, 그것만으로는 충분하지 않았다. 기록된 소리는 언제나 무언가를 놓치고 있었고, 나는 그 비가청(inaudible)의 영역을 재구성하고 확장해 보는 방식에 관심을 가지게 되었다.

<하이퍼필드>는 그런 맥락에서, 실제 환경에서 포착된 사운드를 기반으로 하되, 그것을 스페큘러티브 사운드 합성의 방식으로 재구성한 작업이다. 이 과정에서 나는 현실의 소리를 재현하기보다는, 그 내부에 숨겨진 패턴과 시간성, 구조적 리듬을 분석하고 상상했다. 그로부터 만들어진 합성 사운드는 실제와 허구의 경계에 놓이며, 하나의 복합적인 청각 지형을 구성한다.

나는 ‘듣다는 것’이 단순한 감각이 아니라 지각되지 않은 세계를 열어내는 행위라고 생각한다. 이 작업을 통해 청각이 공간을 재구성하는 방식에 대해 실험하고 싶었다. 우리가 듣는 것, 듣지 못하는 것, 듣기를 통해 상상하게 되는 것들 사이의 긴장을 사운드로 탐색한다.

<하이퍼필드>는 어떠한 장소를 다루지만, 그것은 더 이상 고정된 현실이 아니다. 이곳은 필드 레코딩과 합성 사운드가 겹쳐지고 교차하며, 감각적 경계와 인식의 조건이 유동적으로 흔들리는 공간이다. 나는 이 사운드의 지형 속에서, 청자가 스스로 새로운 청취자의 위치를 찾아가길 바란다.

Hyperfield is an auditory experiment where the sounds of reality overlap with those of imagination. Based on field recordings collected between Seoul and Yangpyeong in the summer of 2021, the artist analyzes the latent rhythms and structures within them and performs speculative sound synthesis. In this process, the recorded sounds are reconstructed into new forms of possibility, inviting the listener to experience a sensorial world that does not exist.

Listening is understood here as an act of opening the ears toward the inaudible. Hyperfield is an attempt to explore the very threshold of such perception. Within the work, field recordings and synthesized sounds are not clearly distinguishable; the two layers reflect and disturb one another, blurring the boundaries between the real and the virtual, the natural and the artificial, the sensory and the imaginary. Ultimately, the piece does not reproduce a single place but instead creates a multidimensional auditory topography.

* Speculative sound synthesis = “an approach to synthesis that moves beyond the physical causes or representational reproduction of sound, toward exploring imagined environments, futures, and unreal possibilities.”

This work began with the sounds of the places I experienced, and with the sense of unreal possibilities that emerged through those sounds. Field recording has always been my most direct way of connecting with the external world, yet it never felt sufficient. Recorded sound always seemed to miss something, and I became drawn to the idea of reconstructing and expanding the inaudible realm.

In this sense, Hyperfield takes its starting point from sounds captured in real environments, which are then re-imagined through speculative sound synthesis. Rather than reproducing reality, I sought to analyze and imagine the patterns, temporalities, and structural rhythms embedded within it. The resulting synthesized sounds occupy the threshold between actuality and fiction, forming a composite auditory landscape.

I regard listening not as a passive sense but as an act of opening onto an unperceived world. Through this work, I wanted to experiment with the ways in which listening can reconfigure space, and to explore the tensions between what we hear, what we cannot hear, and what we imagine through listening.

Hyperfield addresses a certain place, but it is no longer a fixed reality. Here, field recordings and synthesized sounds overlap and intersect, shifting perceptual boundaries and conditions of awareness. Within this sonic terrain, I hope that each listener will find their own new position of listening.

작가 프로필

한이삭은 베를린과 서울을 기반으로 활동하는 사운드 아티스트이자 실험적인 음악가이며, 디지털 악기 발명가로서 사운드 실험의 한계를 지속적으로 확장해 나가고 있다. 그는 예측 불가능한 결과를 만들어내는 알고리즘을 기반한 작곡 시스템을 개발하며, 종교적이고 역사주의적 감성 표현을 넘어 추상적이고 개인적인 사운드의 영역을 탐구한다.

한이삭의 작품은 사운드를 통해 신체적 방향 감각의 상실과 강렬한 음향 현상의 증폭이라는 주제를 집중적으로 다룬다. 이를 통해 청취자들은 자신과 주변 환경의 경계가 흐려지는 고양된 인식 상태로 초대되며, 새로운 감각 경험을 체험하게 된다. 최근 그의 작업은 필드 레코딩과 디지털 합성을 융합하여, 현실과 허구의 경계를 허무는 다층적 청각 공간을 구축한다. 이를 통해 한이삭은 청각적 지각을 확장하고, 소리라는 매체를 통해 존재와 인식에 관한 근본적 질문을 제기한다.

Isak Han is a sound artist, experimental musician, and digital instrument inventor based between Berlin and Seoul. His practice continuously pushes the boundaries of sonic experimentation. He develops algorithmic composition systems that generate unpredictable outcomes, and explores an abstract and personal sonic realm beyond religious or historicist expressions. Han’s works often focus on themes such as the loss of bodily orientation and the amplification of intense sonic phenomena. Through this, his practice invites listeners into heightened states of perception, where the boundaries between self and environment begin to blur. More recently, his works have merged field recordings with digital synthesis, constructing multi-layered auditory spaces that dissolve the line between reality and fiction. In doing so, he expands auditory perception and poses fundamental questions of existence and awareness through the medium of sound.

곡 설명

「Weaving」은 파편, 기억, 소음, 잊혀진 전통, 잠시의 안식, 그리고 (거의) 피할 수 없는 도시의 윙윙거림을 탐색한다.

Weaving navigates fragments, memories, noise, lost traditions, brief moments of respite, and the (almost) inescapable hum of the city.

작가 프로필

에이단 디어리는 벨파스트를 기반으로 활동하는 작곡가이자 사운드 아티스트다. 그는 사운드스케이프와 청취의 실천을 탐구하며, 소리 환경이 지닌 소통적 잠재력에 주목한다.

Aidan Deery is a Belfast-based composer and sound artist who explores soundscapes, the practice of listening, and is motivated by the communicative potential of the sonic environment.

곡 설명

「IT SPEAKS」는 칼리바타 풀로와 이스탄불에서의 하이드로폰 및 현장 녹음을 바탕으로 한 스테레오 오디오 작품이다. 물을 독자적 존재와 행위 주체로 다루며, 그 흐름 속에서 발생하는 맥동과 글리치를 추적한다. 인간에 의해 생성된 소리는 희미한 층위로 나타나 유기적·기계적·생명적 경계들을 흐린다.

A stereo audio composition based on hydrophone and field recordings in Kalibata Pulo and Istanbul. Addressing water as an entity with its own existence and agency, the work traces the pulses and glitches that emerge from its flow. Anthroponic sounds appear as faint layers, blurring the boundaries between the organic, mechanical and living.

작가 프로필

헬미 유스론(2001년생)은 자카르타 샤리프 히다야툴라 주립 이슬람대학교에서 이슬람 역사와 문명을 전공했다. 2023년에는 포룸 렌텡(Forum Lenteng)에서 운영하는 프로그램 중 하나인 밀리시필렘 콜렉티브(Milisifilem Collective)에서 수학했으며, 현재는 사운드 매체를 통한 예술 작업 플랫폼 시지소라(Sigisora)에 집중하고 있다.

2022년부터 단편영화를 제작했으며, 고등학교와 대학 친구들과 함께 드라마 영화 「Ketoprak Jepang」(2003), 다큐멘터리 「KUDA」(2023)를 만들었다. 2023년 밀리시필렘에서 오디오비주얼 작업의 이론과 실기를 심화 연구했고, 같은 해 단편영화 「Kulihat Kau Lihat Dia」(I Watch You Watch Them)를 발표하여 자카르타 국제 다큐멘터리 및 실험영화제(Arkipel Noli Me Tangere)에서 초연된 후 반둥 RWD 페스티벌(2024)에서도 상영되었다. 2024년에는 시기소라(Sigisora) 소속으로 롬복 북부의 방살 멩가웨 페스티벌(Festival Bangsal Menggawe)과 술라웨시 중부 팔루에서 열린 신타스 로카 페스티벌(Festival Sintas Loka)에 레지던시 작가로 참여했다.

현재는 브리티시 아카데미가 지원하는 프로젝트 「미래의 청취: 두 도시의 물 지식(Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities, 자카르타와 이스탄불)」의 공동 연구자이자 아티스트로 활동 중이다. 2025년에는 신작 단편영화 「A Saucerful of Secrets」를 발표하여 팔루시에서 열린 텡가 페스티벌 영화제에서 상영했다.

Helmi Yusron (born 2001) is a graduated student of Islamic History and Civilization at Syarif Hidayatullah State Islamic University Jakarta. In 2023 he studied at Milisifilem Collective, one of the programs run by Forum Lenteng, and is currently focusing on the Sigisora platform, a platform about artwork through sound medium initiated by Forum Lenteng.

Since 2022, Helmi Yusron has made short films with his high school and college friends, the drama film “Ketoprak Jepang” (2003) and the documentary film “KUDA” (2023). In 2023 he studied in depth at Milisifilem about audio-visual work in theory and practice. In October 2023 he released a short film with Milisifilem entitled “Kulihat Kau Lihat Dia”(I Watch You Watch Them), premiered at the Arkipel Noli Me Tangere - Jakarta International Documentary & Experimental Film Festival in Jakarta, Indonesia (2023), then screened in RWD Festival Bandung (2024). In 2024, he also did an artist Residency as Sigisora in Festival Bangsal Menggawe, North Lombok, and residency as Sigisora in Festival Sintas Loka, Palu, Central Sulawesi. Now, he is a co-researcher and artist in Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities (Jakarta and Istanbul), project funded by British Academy. Now, just released a new short film titled “A Saucerful of Secrets” (2025) premiered at Festival Film Tengah, Palu city, Central Sulawesi.

곡 설명

「Paestum Revolution」은 이탈리아 캄파니아 지방의 도시 파에스툼에서 녹음된 현장음을 담은 작품이다. 일부는 작곡가의 타스캄(Tascam) 녹음기로 녹음된 그대로의 소리를 사용하였으며, 일부는 전자음악적 기법을 활용하여 보다 환기적인 효과를 불러일으키도록 변형하였다. 작품은 인트로를 포함하여 총 다섯 개의 부분으로 구성되며, 해변, 바닷속, 마을 축제, 폭풍우의 소리를 차례로 담아낸다.

The work contains file recordings recorded in Paestum, a city in the Campania region of Italy. Part of the work has audio tracks as they were recorded by my Tascam, while parts have been manipulated with electroacoustic music techniques to make the piece more evocative. The piece is composed of four parts plus an intro: the beach, the seabed, the village festival, and the storm.

작가 프로필

사운아이(28)는 나폴리 출신의 작곡가이자 음악가로, 현재 나폴리 음악원에서 전자음악 작곡을 전공하고 있다. 그는 기타리스트와 베이시스트로서 나폴리와 라치오 지방의 여러 공연장에서 활동해 왔다. 또한 아쿠스마틱 음악을 중심으로 작품을 발표하고 있으며, 향후 출판될 작업들도 준비 중이다.

sounI(28) is a composer and musician from Naples, currently studying electronic music composition at the Conservatory of Naples. He has performed at various venues across the provinces of Naples and Lazio, and is active both as a guitarist and bassist. His work includes acousmatic music releases, with further publications forthcoming.

금요일, 10월 17일, 13:00 - 17:00 | 참여자 수: 15명

필드 레코딩은 소닉 노마드에게 핵심적인, 체화된 (embodied) 듣기 행위입니다. 많은 사람들이 생각하는 것과는 달리, 필드 레코딩의 궁극적인 목표는 나중에 사용할 수 있는 소리를 수집하는 것이 아니라, 현장에서 몸으로 듣는 법을 배우는 것입니다. 필드 레코딩을 할 때, 우리는 소리를 녹음하는 것이 아니라, 그 소리의 시적 의미를 녹음합니다.

약 4시간 동안 진행되는 이 워크숍에서, Transients 팀과 참가자들은 소형 휴대용 디지털 레코더와 헤드폰을 착용하고 사운드워크를 진행합니다. 소리의 흔적을 따라가면서, 우리는 종종 멈춰 서서 도시 곳곳의 소리에 귀 기울입니다. 작고 좁고 조용한 골목길과 사람, 자동차, 그리고 다른 도시적 사물들로 북적이는 거리, 그리고 물, 바람, 식물, 곤충, 새, 그리고 다른 동물들이 공존하는 환상적이고 놀라운 비현실적인 장소들 말입니다. 이 모든 사물들이 소리를 만들고, 소리를 듣습니다. 소닉 노마드가 된다는 것은 우리의 청취를 그들의 호기심 많고 열린 청취와 연결한다는 것을 의미합니다.

워크숍 준비물:

3.5mm 잭이 있는 유선 헤드폰(이어폰이나 무선 헤드폰은 불가)

작은 노트와 펜

소형 바람막이가 장착된 Zoom H1n 소형 핸드헬드 디지털 레코더는 Sonic Nomads에서 워크숍 시간동안 제공합니다.

Field Recording Workshop: Soundwalk Route 1

Fri, Oct. 17, 13:00 - 17:00 | Number of participants: 15

Field Recording Workshop: Soundwalk Route 2

Sat, Oct. 18, 13:00 - 17:00 | Number of participants: 15

Synopsis

Field recording is an act of embodied listening, which is key to sonic nomads. As opposed to what many would think, the ultimate goal of field recording is not to collect sounds that can be used later; rather, it is to learn how to listen on the field, with our body. When we are on a field recording, we are not recording sounds; we are recording the poetics of those sounds.

Each of these workshops, which will take about four hours, the Transients team and the participants will take a soundwalk with a small handheld digital recorder and a set of headphones. As we trace the crumbs of sounds, we will often stop and listen to those that dwell in many corners of the urban contexts - small, narrow, silent alleys on the one hand, and streets bustling with people,cars and other urban objects on the other hand, and also some fantastic and surprising unreal places where water, wind, plants, insects, birds and other animals co-exist. All these objects make, and listen to, sounds. Being a sonic nomad means to connect our listening to theirs inquisitive and openly.

What to prepare for the workshop:

A set of wired headphones with a 3.5 mm jack (not earphones or wireless headphones)

A small notebook and a pen

You will be provided with a Zoom H1n small handheld digital recorder with a small windjammer.

금요일,10월 17일, 19:00

우리의 페스티벌 Sonic Nomads는 제안합니다. 페스티벌의 참가자인 우리 모두가 현재 '소닉 노마드(sonic nomads, 소리의 유목민)'가 되어가는 과정 속에 있다고 말이죠. 그렇다면 소닉 노마드란 누구일까요? 무엇이 그들을 소닉 노마드로 만드는 걸까요? 우리는 어떻게 우리가 소닉 노마드라는 것을 알 수 있을까요?

소닉 노마드의 다양한 특징들 가운데, 이번 강연에서는 특별한 청취의 방식을 살펴봅니다. 우리는 이를 '유목적 청취(nomadic listening)'라고 부를 수 있습니다. 즉, 소닉 노마드가 어떻게 듣는지, 그들의 청취가 어떻게 나타나고 작동되는지, 그리고 그것이 여기 지금 우리의 삶과 존재에 어떤 의미를 가지는지에 대해 탐구합니다.

이번 강연은 Transients의 멤버이자 스코틀랜드 애버딘 대학교에서 전자음향음악과 사운드 아트를 가르치는 김석준 교수가 진행합니다. 김 교수는 현재 영국 학술원(British Academy)의 지원을 받아 수행되는 학제 간 연구 프로젝트 〈Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities (Jakarta and Istanbul)〉의 수석 연구책임자로서 이끌고 있습니다.

Sonic Nomads Lecture 1: On Nomadic Listening

Fri, Oct. 17, 19:00

Our festival Sonic Nomads proposes that we — participants in the festival — all are in the process of becoming sonic nomads. Who are sonic nomads, then? What makes them sonic nomads? How do we know we are sonic nomads? Among various traits of sonic nomads, in this lecture we examine the peculiar mode of listening that we can call nomadic listening, that is to say, how sonic nomads do listen, and how their listening emerges and is activated, and what does it do for our living and existing here and now. The lecture is delivered by Suk-Jun Kim, a member of Transients and professor of electroacoustic music and sound art at the University of Aberdeen, Scotland, UK. Professor Kim is currently leading as Principal Investigator a British Academy-funded interdisciplinary research project titled Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities (Jakarta and Istanbul).

곡 설명

〈Camp 17〉은 영국 최대의 포로수용소가 있었던 셰필드(Sheffield) 레드마이어스 플랜테이션(Redmires Plantation)에서 황혼 무렵 채집한 가공되지 않은 필드 레코딩을 콜라주한 작품이다. 현재 이 지역은 축구장과 어린 숲이 자리 잡고 있으며, 곳곳에 폐허가 흩어져 있다. 작품 속 음향적 요소 가운데, 특유의 울림은 축구 골대의 구멍 위로 바람이 불며 형성된 것이고, ‘딸깍’거리는 소리는 폐허가 된 물탱크 내부의 정체불명의 원천에서 발생한 것이다.

Camp 17 is a collage of unmanipulated field recordings taken at dusk from Redmires Plantation in Sheffield, England - the site of the largest prisoner of war camp in the United Kingdom. The area is now home to a football pitch and a young woodland dotted with ruins. The tonal sounds in this piece come from wind blowing over a hole in a goal post, the clicking sounds are from an unidentified source within a ruined water tank.

작가 프로필

아이작 배글리(Isaac Baggaley)는 영국 셰필드 출신의 연구자이자 영화 및 콘서트 음악 작곡가이다. 그의 연구는 사진학적 개념인 흔적(trace)과 지표성(indexicality)을 전자음향 작곡에 적용하는 것에 초점을 두고 있다. 그의 작품은 이러한 연구를 반영하며, 종종 불안감을 불러일으키는 실제 세계의 중요한 소리들 속에서 음악성을 드러내고자 한다.

Isaac Baggaley is a researcher and composer of film and concert music from Sheffield, UK. His research focuses on the application of photographic concepts of trace and indexicality to electroacoustic composition. His works reflect this study and aims to reveal musicality from significant and often disquieting real world sources.

곡 설명

〈Quiet City〉는 sonADA(Sonic Arts Days in Aberdeen)의 Under the Skin 프로젝트 위촉으로 작곡된 작품이다.

나는 소셜 미디어를 통해 애버딘(Aberdeen)에서 2020년 COVID-19 확산을 늦추기 위해 시행된 제한 조치 이전과 이후에 소리가 어떻게 달라졌는지에 대한 제보를 모집했다. 이를 통해 다양한 흥미로운 장소의 제안뿐 아니라, 그 변화가 개인적으로 어떤 의미를 지니는지에 대한 통찰력 있는 성찰도 수집할 수 있었다. 어떤 경우 변화는 긍정적이었지만, 동시에 새로운 어려움을 가져오기도 했다. 예를 들어, 유니언 스트리트(Union Street)의 일부가 보행자 전용 구역이 되면서 많은 이들에게는 머무르며 비교적 고요한 공간을 즐길 수 있는 환영받는 장소가 되었지만, 버스 접근이 차단되자 이동성이 제한된 사람들에게는 상점까지 가는 길이 더 멀고 불편해졌다. 또한 빠르게 움직이는 음식 배달 자전거로 인해 새로운 위험이 생기기도 했다.

〈Quiet City〉는 이러한 장소들에서 채집한 녹음을 기반으로 한 몰입적 콘서트 작품이다. 작품은 인지 가능한(또는 인지 불가능한) 사운드스케이프에서 출발해, 점차 현실 세계를 벗어난 변형된 사운드스케이프로 이동하며 변화한 도시와 우리가 그 도시와 맺는 관계를 성찰하게 한다.

(특별히 소리를 제공해 준 이들에게 감사드립니다: Heitor Alves, Ian Booth, Christine Cameron, Bea Dawkins, Sheila Gordon, Fraser Lovie, Kathleen McBride, Robert McColl Millar, Lorna Philip, Bruce Scharlau, Anne Shipley, Jenny Shirreffs.)

Quiet City was written in response to a commission from sonADA (Sonic Arts Days in Aberdeen) to create a piece for the Under the Skin project.

I crowdsourced, via social media, a number of locations in Aberdeen where the sound had changed since before the restrictions put in place in 2020 to slow the spread of COVID-19. I received a varied and interesting selection of suggestions, but also some quite perceptive reflections on what those changes meant to people on a personal level and how, sometimes, these presented challenges for others. A good example of this is the pedestrianisation of part of Union Street which, for many, brought a welcome place to dwell and enjoy the calm of a relatively quiet place; however, the lack of access to this part of Union Street by buses meant a longer and more inconvenient journey to the shops for those with mobility issues, as well as providing an environment for the new danger of fast-moving food delivery cycles.

Quiet City is an immersive concert piece, using recordings from these locations, which moves from recognisable (and some unrecognisable) soundscapes through non-real world transformed soundscapes reflecting on a sonically changed city and how we relate to it.

With grateful thanks to the following, for the use of their sounds: Heitor Alves, Ian Booth, Christine Cameron, Bea Dawkins, Sheila Gordon, Fraser Lovie, Kathleen McBride, Robert McColl Millar, Lorna Philip, Bruce Scharlau, Anne Shipley, Jenny Shirreffs.

작가 프로필

피트 스톨러리(Pete Stollery)는 버밍엄 대학교에서 존티 해리슨(Jonty Harrison)에게 사사하며 작곡을 공부했으며, 1980년대 초 BEAST (Birmingham ElectroAcoustic Sound Theatre)의 초기 멤버로 활동을 시작했다. 그는 주로 아쿠스마틱 음악을 비롯해 콘서트 홀 공연을 위한 작품을 다수 발표했으며, 최근에는 사운드 설치와 인터넷 기반 프로젝트 등 콘서트 홀을 넘어선 영역으로 작업을 확장하고 있다. 또한 무용, 조각 등 다양한 장르의 예술가들과 협업했으며, 에든버러의 Dynamic Earth, 로더럼의 Magna, 북아일랜드 다운패트릭의 St Patrick’s World 등 영국 전역의 전시 및 체험 공간을 위한 음악과 사운드 디자인 또한 작업했다.

그는 2022년까지 스코틀랜드 애버딘 대학교에서 작곡 및 전자음향 음악 교수로 재직하며, 학생, 청소년, 일반 대중을 대상으로 음악과 음악 교육에서 기술의 창의적 활용을 가르쳤다.

1996년에는 앨리스테어 맥도널드(Alistair MacDonald), 로버트 다우(Robert Dow), 사이먼 앳킨슨(Simon Atkinson)과 함께 invisiblEARts 그룹을 창립하여, 스코틀랜드 전역에서 아쿠스마틱 음악을 공연하고 이를 국내외 청중에게 널리 알리는 데 기여했다. 그는 또한 스코틀랜드의 연례 현대음악 축제인 sound festival의 위원장으로 활동하고 있다.

그의 음악은 캐나다 레이블 empreintes DIGITALes에서 발매되고 있다.

Pete Stollery studied composition with Jonty Harrison at the University of Birmingham, where he was one of the first members of BEAST in the early ’80s. He composes music for concert hall performance, particularly acousmatic music and more recently has created work for outside the concert hall, including sound installations and internet projects. He has collaborated with practitioners from other artistic disciplines, particularly dance and sculpture and has produced music and sound design for a number of UK visitor attractions including Dynamic Earth in Edinburgh, UK, Magna in Rotherham, UK and St Patrick’s World in Downpatrick, Northern Ireland.

Until 2022, he was Professor of Composition and Electroacoustic Music at the University of Aberdeen, Scotland, delivering courses on the creative applications of technology in music and music education to students, schoolchildren and the general public.

In 1996, along with Alistair MacDonald, Robert Dow and Simon Atkinson, he established the group invisiblEARts whose aim is to perform acousmatic music throughout Scotland and to promote Scottish acousmatic music to a wider audience, both within Scotland and abroad. He is also Chair of the sound festival, Scotland’s annual new music festival.

His music is published by the Canadian label empreintes DIGITALes.

곡 설명

R. 머레이 셰이퍼(R. Murray Schafer)는 1977년에 우리의 사운드스케이프가 점점 더 로우파이(lo-fi)가 되고 있다고 지적했다. 그 소리란 대개 교통 소음이다. 이 작품이 작곡된 애틀랜틱 센터 포 더 아츠(Atlantic Center for the Arts)에서는 비행기의 소리였다. 고요함을 찾기는 점점 더 어려워지고 있지만, 새로운 흥미로운 소리들도 생겨났다. 예컨대 그것은 스프레이 페인트 캔을 클릭하는 듯한 하드 디스크 고장 소리나 벨트 샌더의 전원이 켜질 때의 소리 같은 것들이다.

그러나 우리는 점점 더 자연적 사운드스케이프로의 회귀, 나아가 자연 자체로의 회귀를 동경하게 된다. 하지만 일단 우리가 자연을 ‘다른 것(돌아가야 할 대상)’으로 규정하는 순간, 현실은 자기 자신의 외양으로 변해버리며, 건축·제약·소프트웨어 공학 속의 자연주의를 투명성이라는 외피 아래 감춰진다. 그렇다면 우리가 그토록 돌아가고 싶어하는 자연이란 사실은 우리 자신이 아닌가?

이 작품의 ‘깨진 듯한’ 사운드스케이프 속에서 우리는 아마도 자연 세계와의 관계 속에서 우리 자신을 들을 수 있을 것이다. 그것은, 윌리엄 카를로스 윌리엄스(William Carlos Williams)의 말을 빌리자면, “닿되 붙잡히지 않고, 접촉으로 인해 더 자주 부서지는” 그런 존재로서이다.

R. Murray Schafer pointed out in 1977 that our soundscape is increasingly lo-fi, often the sound of traffic or, especially at the Atlantic Center for the Arts where this piece was composed, planes. While quiet is harder to come by, there are wonderful new sounds too, like the spray-paint can clicking of a hard-disk failure or powering on a belt sander. And yet, we increasingly fetishize a return to not just natural soundscapes, but the natural. Once we frame nature as being different (as a thing to return to), reality becomes an appearance of itself— obfuscating the naturalism of architecture, pharmaceutics, and software engineering under a guise of transparency. Are we ourselves not the nature to which we desire to return? In the “broken” appearance of this composition’s soundscape, perhaps we can hear ourselves in relation to the natural world as, echoing William Carlos Williams, “touched but not held, more often broken by the contact.”

작가 프로필

션 푸케는 작곡가, 설치 예술가, 오디오 프로그래머, 기획자, 학자, 교육자이다. 그는 국제컴퓨터음악협회(ICMC, 리머릭·대구·상하이·위트레흐트·류블랴나·벨파스트), 사운드 앤드 뮤직 컴퓨팅 컨퍼런스(키프로스), 뉴욕시 전자음악 페스티벌, 토론토 전자음향 음악 심포지엄, 한국 전자음악협회(서울), Sines and Squares(영국 맨체스터), 미국 전자음악협회(SEAMUS), 작곡가협회(SCI), Electronic Music Midwest, VU Symposium 등 국내외 현대음악·사운드아트 무대에서 꾸준히 작품을 발표해왔다.

2022년 그의 작품 〈Plane of Slight Elevation〉(2021)은 국제컴퓨터음악협회(ICMA)로부터 Best Music: Americas 상을 수상했다. 또한 그는 수많은 콘서트 음악, 설치, 예술가 워크숍을 위한 위촉을 받아왔으며, 그 장소들에는 콜로라도의 Communikey(CMKY), Ellie Caulkins 오페라 하우스, 덴버 현대미술관(MCA) 등이 포함된다. 2020년에는 Meow Wolf으로부터 덴버 전시 공간 Convergence Station을 위한 몰입형·생성적 사운드 설치를 위촉받아, 2021년 일반에 공개되었다.

그는 플로리다 뉴 스머나의 애틀랜틱 센터 포 더 아츠에서 로베르 노르망도(Robert Normandeau)와 함께, 또한 콜로라도 포트 콜린스의 ART 352에서 레지던스로 활동했다. 현재 그는 덴버 록키 마운틴 예술·디자인 대학(Rocky Mountain College of Art + Design)에서 음악 프로덕션 학과 학과장 및 부교수로 재직 중이다.

2015~2020년에는 볼더(Boulder)를 기반으로 한 Madelife Creative Accelerator 프로그램에서 음악 프로그램 디렉터이자 수석 강사로 활동했으며, 2012~2014년에는 플로리다 스텟슨 대학교(Stetson University)에서 디지털 아트 객원 교수로 재직하면서 플로리다 대학교(University of Florida)에서 음악 작곡 박사 학위(2013)를 마쳤다. 또한 그는 다트머스 대학(Dartmouth College)에서 전자음향 음악 석사(2007), 버지니아 대학교(University of Virginia)에서 음악·심리학·천문학 학사(2005)를 취득했다.

Sean is a composer, installation artist, audio programmer, curator, scholar, and educator. He presents his work regularly at national and international venues for contemporary art and music such as the International Computer Music Conference (Limerick, Daegu, Shanghai, Utrecht, Ljubljana, Belfast), Sound and Music Computing Conference (Cyprus), New York City Electronic Music Festival, Toronto Electroacoustic Music Symposium, Korean Electro-Acoustic Music Society (Seoul), Sines and Squares (Manchester, UK), Society for Electro-Acoustic Music in the United States, Society of Composers, Inc., Electronic Music Midwest, VU Symposium, and more. In 2022, Sean’s piece “Plane of Slight Elevation” (2021) was awarded Best Music: Americas by the International Computer Music Association. He has received numerous commissions for concert music, installations, and artist workshops at venues including Communikey (CMKY), The Ellie Caulkins Opera House, and Museum of Contemporary Art (MCA) Denver. In 2020, Meow Wolf commissioned Sean to compose an immersive and generative music and sound installation as part of their permanent Denver exhibition space, Convergence Station, which opened to the public in 2021. Sean has been artist-in-residence at the Atlantic Center for the Arts in New Smyrna, FL (working with Robert Normandeau), and ART 352 in Fort Collins, CO. Sean is Associate Professor and Chair of the Music Production Department at Rocky Mountain College of Art + Design in Denver, CO. Between 2015 to 2020, Sean served as Program Director and Lead Music Instructor for the Madelife Creative Accelerator program, based in Boulder, CO. From 2012 to 2014, he served as Visiting Professor of Digital Arts at Stetson University while completing his PhD in Music Composition at the University of Florida (‘13). He received his MA in Electro-Acoustic Music from Dartmouth College (‘07) and holds a BA in Music, Psychology, and Astronomy from the University of Virginia (‘05).

곡 설명

이 작품은 싱가포르 머라이언(Merlion) 지역에서의 다국적 방문객들의 대화 조각과, 부기스(Bugis) 지역에서의 이슬람 사원의 설교와 아잔(기도 호출)을 교차시켜 구성한 사운드스케이프 작품이다. 머라이언은 세계가 만나는 장소로, 웃음소리, 다양한 언어의 대화, 발걸음, 도시 공간의 울림이 뒤섞여 국경을 넘어선 삶의 모자이크를 형성한다. 반면, 부기스에서는 장엄한 사원의 소리가 울려 퍼지며 도시의 맥박 속에 내재된 영적 차원을 불러낸다.

이 두 사운드스케이프를 함께 엮음으로써, 작품은 세계시민적 공적 영역과 성찰적 성스러운 공간의 만남을 드러낸다. 그 상호작용은 다층적 청취 경험을 형성하며, 싱가포르를 단순한 지리적 장소가 아닌 의미의 교차점으로 드러난다—상업과 기도, 관광과 전통, 소란과 고요 사이에서. 이 작품은 청자에게 단순히 “듣는 것”을 넘어 “진정으로 경청하는 것”을 요청한다. 즉, 이러한 소리들이 어떻게 상호작용하고, 교차하며, 때로는 충돌하는지를 인식하게 함으로써, 현대 도시의 심장부에서 정체성, 다양성, 공존에 대한 성찰의 공간을 열어줄 것이다.

This work is a soundscape composition that captures fragments of conversations from visitors of various nationalities in the Merlion area of Singapore, interwoven with recordings of mosque sermons and the call to prayer from the Bugis district. Merlion becomes a meeting point of the world: laughter, conversations in multiple languages, footsteps, and the resonance of urban space merge into a mosaic of life that transcends borders. Meanwhile, in Bugis, the solemn sounds of the mosque call forth a spiritual dimension embedded in the city's pulse. By bringing together these two soundscapes, the work seeks to present an encounter between the cosmopolitan public sphere and the contemplative sacred space. Their interplay forms layers of listening experiences that reveal Singapore not merely as a geographical location, but as a crossroads of meaning—between commerce and prayer, tourism and tradition, bustle and stillness. This piece invites the audience not only to “hear” but to truly “listen”: to become aware of how these sounds interact, intersect, or even conflict—opening a space for reflection on identity, diversity, and coexistence in the heart of a modern city.

작가 프로필

찬드라 방운 세티아완은 아쿠스마틱 작곡가이자 사운드 연구자이며, 창작 실천과 음향 생태학을 통합하는 융합적 접근(interdisciplinary approach)을 중점적으로 연구한다. 그의 작품은 도시 사운드스케이프 속에서 인간-자연 결합 시스템(CHANS, Coupled Human and Natural Systems)을 탐구하며, 사운드 자료를 기반으로 한 청각 훈련을 발전시킬 잠재력을 지닌 에코-아쿠스마틱 리스닝을 개발하는 데 초점을 맞추고 있다. 또한 그는 사운드 스터디스 영역에서 특히 사운드스케이프 연구, 공적·사적 공간에서의 소음의 역동성, 그리고 스피커가 동부 자바(인도네시아)의 일상적 삶 속 사회·문화 구조를 어떻게 형성하는가에 깊은 관심을 두고 있다.

Candra Bangun Setyawan is an acousmatic composer and researcher in the field of sound studies, focusing on an interdisciplinary approach that integrates creative practice with acoustic ecology. His works explore Coupled Human and Natural Systems (CHANS) within the context of the urban soundscape, aiming to develop eco-acousmatic listening that has the potential to advance aural training based on sound materials. Within the field of sound studies, he is particularly concerned with soundscape studies, the dynamics of noise in both public and private spaces, and how loudspeakers shape the social and cultural structures of everyday life in East Java, Indonesia.

곡 설명

신성한 우주적 비밀의 나무, 생명의 나무는 하나의 신전이다. 우리는 이제 나무가 환경과 정보를 교환한다는 것을 알고 있다. 광합성의 결과로 수액의 연금술이 내부에서 이루어지고, 이는 뿌리로 흘러 내려가 나무의 성장, 보호, 진동에 필요한 정보를 전달한다. 체관(phloem)은 살아있는 조직으로, 수액의 전달을 담당한다. 나는 우리가 그 안에 몰입해 그 풍요로움을 맛보기를 제안한다.

The sacred cosmic arcane tree and tree of life is a temple. We now know that trees exchange information with their environment. It is inside that the alchemy of sap is developed, resulting from photosynthesis. It circulates to the roots and transports the information necessary for the tree's growth, protection, and vibration. The phloem is a living tissue. It plays a role in conducting sap. I suggest that we immerse ourselves in it in order to taste its richness.

작가 프로필

줄리 몽도르는 작곡가이며 교육자다. 첼로를 전공했으며, 루크 페라리(Luc Ferrari), 장-루크 에르베(Jean-Luc Hervé), 티에리 블롱도(Thierry Blondeau), 피에르 알랭 자프르누(Pierre Alain Jaffrenou), 제임스 지로동(James Giraudon), 코랄리 파욜레스(Coralie Fayolles) 등의 작품 초연에 참여하며 현대 창작에 깊은 관심을 가져왔다.

그녀는 2016년 크리스틴 그루, 마르코 마리니, 조너선 프라제르의 지도를 받아 팡탱 CRD에서 전자음향 작곡 디플롬을 취득했으며, 현재도 필리프 미옹(Philippe Mion)과 함께 연수를 이어가고 있다.

2014년에는 전 세계 작곡가들을 초청하는 OMI 아트 센터(미국 뉴욕) 레지던시에 선발되었고, 그녀의 아쿠스마틱 작품들은 프랑스 및 해외의 여러 페스티벌(푸투라, Résonnances Électriques, Ljudbio, ICMC, 그리니치 대학교, Syntax, Supersonique, Apnée 등)에서 연주되었다. 그녀의 작품 〈Oracle suspendu〉는 Prix Russolo 2016-2017 CD에 수록되었으며, 2016년에는 〈Astre de la gorge〉가 En Chair et en Son 페스티벌에 선정되어 부토(Buto)와 아쿠스마틱 음악의 만남을 선보였다.

2022–23년에는 프랑스 문화부/일드프랑스 DRAC의 지원을 받아 전자음향과 타악기를 위한 작품을 작곡했으며, 뤼엘-말메종 CRR과 이브 파이외르(Eve Payeur) 클래스와 협력해 교육적 성격의 작품을 선보였다. 2023–24년에는 Pour Que l’Esprit Vive 협회와 함께 9개월간 장기 레지던시로 작곡 활동을 이어갔다.

Julie Mondor is a composer, musician and teacher. She studied cello. She took a keen interest in contemporary creation, premiering works by Luc Ferrari, Jean-Luc Hervé, Thierry Blondeau, Pierre Alain Jaffrenou, James Giraudon and Coralie Fayolles.

She obtained her diploma in electro-acoustic composition at the CRD de Pantin in 2016 under the direction of Christine Groult, Marco Marini and Jonathan Prager. She continues her training with Philippe Mion.

In 2014, she was selected for a residency at the OMI Art Center (New York. USA), which brings composers from around the world. Her acousmatic compositions are programmed in several Festivals in France and abroad: Futura, Résonnances Électriques; Ljudbio; ICMC, University of Greenwich, Syntax, Supersonique, Apnée. She appears on the Prix Russolo 2016-2017 CD with her composition Oracle suspendu. She is selected in October 2016 with her composition Astre de la gorge for the En Chair et en Son festival, Butô and acousmatic music. In 2022-23, she received a grant from the Drac Ile de France/Ministère de la Culture for a creation for electroacoustics and percussion. Educational composition, with the Rueil-Malmaison CRR and percussion Eve Payeur's class.

In 2023-24 she was in residency long-term (9-month) composition with the Pour Que l'Esprit Vive association.

곡 설명

홍콩의 동·식물원에서, 새벽이 오기 전 어둠 속에 앉아 시아망(Siamang), 버프치크 긴팔원숭이(Buff Cheeked Gibbons), 그리고 여러 영장류의 아침 노래를 녹음했다. 눈을 감고 그 가슴 저미는 듯한 아름다운 글리산도를 들으며, 나는 도시의 소란에서 멀리 벗어나 동남아시아의 수목림 속으로 옮겨간 듯한 경험을 했다. 그러나 녹음을 다시 들어보았을 때, 내가 내면적으로 상상했던 풍경과는 전혀 다른 현실이 드러났다. 넓고 고양되는 듯한 소리가 아니라, 교통 소음과 비행기 소리, 차갑게 울리는 철창의 금속음으로 가득 찬 제한된 공간이었기 때문이다.

〈Calls for Cages〉는 인간의 즐거움을 위해 동물을 우리에 가두는 행위를 비판적으로 성찰한다. 작품은 영장류의 울음과 노래를 상상된 자연 풍경 속에 배치한 뒤, 그것을 환경적 맥락에서 떼어내어, 인간이 강제한 새로운 현실에 맞추어 잔혹하게 재구성한다. 마지막 부분에서 우리는 마침내 편집되지 않은 원음—도시가 깨어나는 소리와 점차 사라져가는 동물들의 울음—에 직면하게 된다.

At the zoological and botanical gardens in Hong Kong, sitting in the darkness before the break of dawn I recorded the morning songs of Siamang, Buff Cheeked Gibbons, and many other primates. As I closed my eyes, listening to the achingly beautiful glissandos, I was transported far from the hustle and bustle and to the arboreal forests of Southeast Asia. When I listened back to the recording I was struck by how different the reality was from my own internal imagination. Instead of the expansive, inspiring sound that I thought I’d heard, the recorded audio was constrained, full of background traffic noise, passing airplanes, and the cold metallic clank of cages. Calls for Cages critically examines the practice of displaying animals in cages for human pleasure. It places the calls and songs of primates within an imagined natural landscape, before stripping that sound of its environmental context and brutally reshaping it to fit with a new, human imposed reality. In the closing section, we are finally presented with the original, unedited audio of the city waking up, and the animal calls slowly diminishing to silence.

작가 프로필

클로비스 맥에보이(Clovis McEvoy)는 수상 경력이 있는 작곡가이자 사운드 아티스트, 작가이다. 현재 그는 그리니치 대학교 SHIFT Lab의 협력 연구원으로, XR 환경에서의 음악을 연구하고 있다.

Clovis McEvoy is an award winning composer, sonic artist, and writer. He is currently an Affiliate Researcher at the University of Greenwich’s SHIFT Lab where he researches music in XR environments.

곡 설명

뤽 페라리(Luc Ferrari)와 같은 작곡가들에게서 영감을 받았다. 이 작품은 방글라데시 다카의 부리강가(Buriganga) 강을 따라 펼쳐지는 자연과 도시 환경의 관계를 탐구하며, 사다르가트(Sadarghat)에서의 삶을 ‘소리의 사진 슬라이드’처럼 담아낸다.

과거 ‘동양의 베네치아’라 불렸던 옛 다카의 수로는 단순히 무역, 상업, 교류의 기능을 넘어 물을 기반으로 한 도시 설계적 특징과 문화를 형성해 왔다. 강의 넓은 물줄기는 좁고 구불구불한 거리와 대비되며, 지평선을 확장하고 다카와 나라의 다른 지역들을 잇는 중요한 항로가 되어왔다. 그러나 도시의 팽창은 자연적·문화적 기능에 도전을 불러왔다. 댐과 제방은 강의 자연스러운 흐름을 방해하고, 산업 폐기물·하수·기름띠는 한때 위대했던 부리강가 강을 죽음 직전의 상태로 몰아넣었다.

이 작품에서는 다양한 삶과 활동이 목격된다. 신선한 농산물을 내리는 시장 상인들, 지방 도시로 향하는 승객들로 가득 찬 배, 지나가는 엔진 소리 사이로 드러나는 조선소의 리드미컬한 맥박—근육과 힘줄이 오랫동안 원 소유자에게 잊힌 선박을 복구하고 재활용하는 풍경. 나룻배에 부딪히는 잔잔한 물결과 머리 위를 선회하는 앵무새와 솔개들의 울음소리까지 포착된다.

Taking inspiration from composers such as Luc Ferrari, this piece offers a ‘sonic photographic slide’ of life at the Sadarghat, exploring the relationship between the natural and urban environment along the Buriganga River in Dhaka, Bangladesh.

Once known as ‘the Venice of the East’ the waterways of old Dhaka function not only for trade, commerce and communication but also establish an urban design character and culture based upon water. The wide expanse of the river contrasts with the narrow, winding streets, expanding the horizon and providing a major navigation link between Dhaka and other parts of the country.

The growth of the city has introduced challenges to the natural and cultural functions, with dams and embankments interfering with normal river flows while industrial waste, sewage and oil slicks have caused the once mighty Buriganga to be on the verge of dying.

In this piece the variety of life and activity can be witnessed. From the market traders unloading fresh produce to the passenger filled launches setting out to provincial towns. Between the passing engines, the rhythmic pulse of the shipyards becomes apparent with muscle and sinew working to recommission and recycle vessels that have been long forgotten by the original purchasers. The gentle lap of the water on the ferryman's boat and the cry of parrots and kites wheeling overhead.

작가 프로필

벤 하미드(Ben Hamid)는 실험 전자 음악을 배경으로 한 사운드 아티스트이다. 그의 최근 작업은 아쿠스마틱과 제스처 중심적 경향을 포함하며, 베이스/디컨스트럭티드 클럽 음악에서 파생된 스펙트럼적·구조적 요소들을 탐구한다. 또한 그는 장소성과 소속감의 개념을, 모방적·청각적 담론을 탐구하는 과정을 통해 고찰하고 있다.

Ben Hamid is a sound artist with a background in experimental electronic music. Recent work incorporates Acousmatic and gesture-led tendencies, with spectral and structural elements derived from bass/deconstructed Club Music. Concepts of place and the sense of belonging are considered through the exploration of mimetic and aural discourse.

곡 설명

〈Pendlerdrøm〉(덴마크어로 "통근자의 꿈")은 코펜하겐 중앙역에서 집으로 향하는 통근자의 여정을 재현한 사운드스케이프 작품이다. 작품 속 통근자는 두 번의 순간—하나는 역에서, 또 다른 하나는 기차 안에서—몽상에 잠긴다. 그때 역에서 반쯤만 들었던 소리들이 다시 돌아와, 그 소리들의 음악적 특성이 드러난다. 이 꿈의 결과로 통근자는 다음 날 역의 사운드스케이프를 이전과는 다른 방식으로, 그 안의 음악성을 새롭게 인식하게 되기를 바란다. 청자들 또한 이 작품을 두 번째 들을 때, 바로 그 동일한 측면들을 발견할 수 있을 것이다.

Pendlerdrøm (or "Commuterdream") is a soundscape composition that recreates a commuter's trip home from the Central Train Station in Copenhagen. At two points, one in the station and the other on the train, the commuter lapses into a daydream in which the sounds that were only half heard in the station return to reveal their musical qualities. It is hoped that the next day the commuter will hear the musicality of the station's soundscape in a different manner as a result of the dream; the rest of us may discover the very same aspects the second time we hear the work.

작가 프로필

배리 트루액스(Barry Truax)는 사이먼 프레이저 대학교(Simon Fraser University) 커뮤니케이션 학부 명예교수이다. 그는 월드 사운드스케이프 프로젝트(World Soundscape Project)에 참여하여 Handbook for Acoustic Ecology 편집에 기여했으며, 저서 Acoustic Communication을 출간했다.

Barry Truax is a Professor Emeritus in the School of Communication at Simon Fraser University. He worked with the World Soundscape Project, editing its Handbook for Acoustic Ecology, and has published a book Acoustic Communication

곡 설명

이 사운드 기반 프로젝트는 바이노럴 리스닝을 활용해, 자신이 속한 가까운 환경을 지각하는 감정적·사회적 차원을 탐구한다. 런던 웨스트햄(West Ham)에 위치한 작가의 동네를 중심으로, 반경 약 500미터라는 상징적 공간 안에서 기차가 지나가는 소리, 시장의 잡음, 새소리, 멀리서 들려오는 대화 등 주변의 일상적 소리들을 채집했다. 이 소리 조각들은 기억과 현존을 매개하는 능동적 장치로 재구성된다.

작품은 사회인류학자 시앙 비아오(Xiang Biao)가 제시한 “근처의 소멸(disappearance of the nearby)” 개념에서 영감을 받았다. 이는 도시 생활이 근접성의 감정적·사회적 실체를 어떻게 침식시켰는지를 비판하는 관점이다. 본 작업은 우리가 흔히 간과하는 소리에 주목함으로써, 화려한 장관이 아닌 섬세한 주의의 행위를 통해 장소와의 관계를 다시 상상하도록 초대한다.

This sound-based project uses binaural listening to explore the emotional and social dimensions of perceiving one’s immediate surroundings. Focusing on the artist’s neighbourhood in London’s West Ham, the work captures ambient sounds and informal voices from within a loosely defined 500-meter radius — a symbolic space of the "nearby". These everyday sonic fragments — passing trains, market chatter, birdsong, and distant conversations — are reframed as active carriers of memory and presence. The work is informed by social anthropologist Xiang Biao’s concept of the “disappearance of the nearby”, which critiques how urban life has eroded the emotional and social substance of proximity. By listening closely to the overlooked, the artist invites us to reimagine our relationship to place — not through spectacle, but through subtle acts of attention.

작가 프로필

자오 샤오야(Xiaoya Zhao)는 다학제적 사운드 아티스트로, 실험 영화, 사운드 디자인, 랜드 아트, 설치, 사진 등 다양한 영역에서 활동한다. 중국에서 태어나고 성장했으며, 영국 요크 대학교에서 음악 및 사운드 레코딩 학위를 취득한 뒤 현재 UCL에서 Design Audio Experience 석사 과정을 밟고 있다.

그녀의 작업은 기술적 엄밀성과 개념적 탐구를 결합하며, 일상의 소리와 사물에 주의를 기울이는 실천을 기반으로 전개된다. 그녀의 접근은 부과된 내러티브보다 미묘한 세부에 주목하며, 재료와 소리 요소들이 자율적으로 전개되도록 허용한다. 의미는 그 과정 속에서 유기적으로 떠오른다. 그녀가 말했듯, “자율적 상태에서 사물은 흐르게 된다”는 태도는 고정된 해석에 저항하는 작품 세계를 향한 그녀의 확고한 의지를 드러낸다.

Xiaoya Zhao is a multidisciplinary sound artist whose practice spans experimental film, sound design, land art, installation, and photography. Born and raised in China, Xiaoya holds a degree in Music and Sound Recording from the University of York and is currently completing a Master’s in Design Audio Experience at UCL, where she combines technical rigor with conceptual inquiry. Her work is rooted in attentive listening to everyday sounds and objects, privileging subtle details over imposed narratives. Embracing an approach that lets materials and sonic elements unfold autonomously, she invites meaning to emerge organically. As she reflects, “In an autonomous state, things will flow,” embodying her commitment to artworks that resist fixed interpretations.

곡 설명

〈Varech〉은 좌초의 상태를 다루는 작품이다. 이는 고립된 장소에서 비롯되며, 그곳에서는 외부가 흘러가는 모습을 지켜볼 수 있다. 텅 빈 박물관, 조류에 갇힌 섬, 얼어붙은 숲속의 집—그 지점들에는 불안과 집중의 층위가 꿰매어져 있다. 겉으로는 정지한 듯 보이지만, 그 내부에서는 더 큰 힘에 다가서는 과정들이 얽히며 전개된다. 그리하여 해안선의 기억과 내면 깊은 움직임이 소리의 형상으로 드러나고, 다가올 변화를 향해 선회하는 망루가 세워진다.

«varech» is about being stranded. It comes from places in isolation, from which the outside can be seen flowing around. An empty museum, an island locked in the tidal currents, a home in the forest frozen; points where layers of angst and focus are sewn. Inside the apparent stasis, processes unfolding and approaching larger forces immingle. Hence appear the sounding shapes of coastline memories and innermost motions, a watchtower turned towards forthcoming change.

작가 프로필

레오 마니앵(Leo Magnien, 1985)은 고정된 소리와 살아있는 소리 모두를 다루며 작업한다. 라디오 방송국에서 야간 근무를 하던 중, 그는 아쿠스마틱 사운드와 전송의 시적 본질을 발견했다. 그 이후 그의 모든 작업은 포노그래피(phonography)를 기반으로 한 청취적 실천으로 발전해왔다. 그는 소리를 우리를 세계와 엮어주는 촉각적 매개로 바라보며, 미묘한 변주와 희미한 지각에 집중하고, 그것을 청자에게 어떻게 제시할 것인가에 주목한다. 현재 그는 프랑스 북부의 자연 보호 구역에서 거주하며 작업하고 있다.

leo magnien (1985) works with sounds, fixed and living as well. During night shifts in a radio station, he discovered the poetic nature of acousmatic sound and transmission. He has since developed a practice of listening that results in the use of phonography as a basis of all his works. He considers sound as a tactile media that weaves us in the world. His focus is on the subtle variations, the tenuous perceptions, and how to present these to the listener. He currently lives in a natural zone in northern france.

곡 설명

이 작품은 〈Fluxus〉 연작에 속하며, 물리학의 여러 요소에서 영감을 받아 유체역학과 관련된 물리적 현상을 음악적 요소로 발전시키는 작업이다. 이 연작에는 〈Fluxus, Dimensionless Sound for Flute and Electronics〉(2012, 파리 Festival for the Liberation of Sound and Image 위촉), 〈Fluxus, Transitional Flow〉(2013, 포르투갈 Festival Primavera 위촉), 〈Fluxus, Lift〉(2013, Festival Monaco Électroacoustique 초연) 등이 포함된다.

이번 작품은 특히, 작곡가 본인이 “공중적(aerial) 사운드스케이프”라 명명한 개념과 관련된 아이디어에 집중한다. 형식적 전개는 버니 크라우스(Bernie Krause)의 개념인 지오포니(geophony), 바이오포니(biophony), 앤스로포포니(anthropophony) 세 축 위에 세워졌다. 각 부분은 특정한 공간적 움직임을 통해 연결되며, 음원과 사건의 인식이 드러나거나 숨겨지는 방식으로 서로 다른 청각적 명료성을 창출한다.

이 작품에서 사운드의 공간화(spatialization)는 중심적인 음악적 매개변수로 작동한다. 스피커 내 소리의 분포는 단순한 움직임이나 공간적 ‘형태’에 그치지 않고, 스펙트럼의 변화나 속도의 차이와 결합하여 어떤 경로는 뚜렷하게, 또 어떤 경로는 전혀 인식할 수 없게 만든다. 이러한 공간적 ‘형태’와 ‘경로’는 내가 명명한 “타원 회전(elliptical rotations)”, “나선(spirals)”, “회전(rotations)”, “스펙트럼 폭발(spectral explosions)”로 표현되며, 이는 다시 “소리의 흡입(sound suctions)”, “소리의 벽(walls of sound)”, “점(points)”, “기하학적 형태”, “리사주 곡선(Lissajous curves)”, “사운드 떼(sound swarms)” 등의 다양한 청각적 현상으로 확장된다. 이러한 형태와 경로들은 단순히 움직임의 나열로 들리기 위한 것이 아니라, 작품의 거시적 구조와 에너지 흐름을 구성하는 핵심적 형식 요소로 작동한다.

This piece belongs to the cycle Fluxus, whose pieces are inspired by elements of physics and in which musical elements that relate to certain physical phenomena related to fluid mechanics are developed. Other pieces of this cycle are Fluxus, Dimensionless sound for flute and electronics (commissioned by Festival for the Liberation of Sound and Image, Paris, 2012), Fluxus, Transitional Flow (commissioned by Festival Primavera, Portugal, 2013), Fluxus, Lift (premiered at the Festival Monaco Électroacoustique 2013), among other compositions in progress. This particular piece is centered in ideas related to what I have called "aerial" soundscapes. The formal development is based on 3 pillars that were inspired Bernie Krause's concepts geophony, biophony, and anthropophony (géophonie, biophonie, anthropophonie). The sections are interconnected through specific spatial movements that show our hide their own paths, recognition of sound sources and other events in order to create moments that are more or less clear in the perception of themselves. The sound spatialization acts as a central musical parameter, where the distribution of sound within the loudspeakers is related not only to different kinds of movements and spatial "shapes", but related and associated to spectral changes, different speeds and other parameters that make the spatial movements (paths) to be more, less and even unrecognizable. Some spatial "shapes" or "paths" relate different parameters in order to create movements that I have called "elliptical rotations", "spirals", "rotations", "spectral explosions" related to upwards or downward movements of sound or into "sound suctions", "walls of sound", "points", "geometrical shapes", "lissajous curves", "sound swarms", and others. Such "shapes" / "paths" aren't intended to be listened as a catalogue os movements, but they are relate formal aspects of the macro structure, but also from the "energy flow" that is present in each of the used sound worlds.

작가 프로필

하이메 헤이스(Jaime Reis)는 포르투갈 출신의 작곡가이다. 그는 칼하인츠 슈톡하우젠(Karlheinz Stockhausen)과 에마뉘엘 누네스(Emmanuel Nunes)에게 사사했으며, 그 이전에는 J.P. 올리베이라(J.P. Oliveira)와 함께 작곡과 전자음악을 공부했다. 2003년부터 Projecto DME의 창립자이자 예술감독으로 활동하고 있으며, 2017년부터는 Lisboa Incomum의 예술감독을 맡고 있다. 그의 작품은 기악과 전자음악을 아우르며 전 세계 20여 개국에서 연주되었고, ZKM, IRCAM, Musikfabrik, Vienna Acousmatic Project, Aleph Guitar Quartet, Musiques & Recherches 등 다양한 기관 및 앙상블과 협력해왔다. 현재 그는 리스본 국립음악원(ESML)에서 작곡 및 전자음악 교수로 재직 중이다.

Jaime Reis is a Portuguese composer who studied with Karlheinz Stockhausen and with Emmanuel Nunes, after studying Composition and Electronic Music with J.P.Oliveira. He is the founder and artistic director of Projecto DME (since 2003) and of Lisboa Incomum (since 2017). His music, both instrumental and electroacoustic, has been performed in over 20 countries. He has worked with institutions/ensembles such as ZKM, IRCAM, Musik Fabrik, The Vienna Acousmatic Project, Aleph Guitar Quartet, Musiques & Recherches. He is a Professor of composition and electronic music at the Lisbon College of Music (ESML), where he coordinates the Composition Department.

곡 설명

〈Arioso〉는 미국 오하이오주 오벌린(Oberlin)의 타판 스퀘어(Tappan Square)에서 경험한 한 습한 9월 밤의 사운드스케이프에서 출발하였다. 귀뚜라미들의 합창과 보행자 신호기의 전자음은 끊임없이 울리며 주기적으로 맞물려, 음정과 맥동하는 입자적 노이즈의 질감을 형성하였다. 인공적 맥동음의 순수함과 곤충들의 공간적으로 풍부한 울음이 어우러진 이 이질적 이중주의 필드 레코딩은 작품의 구조적 토대가 되었다.

새벽 직후, 집 근처 하늘을 선회하는 잭도우(jackdaw) 무리의 비행 소리는 자연의 또 다른 창을 열어주며, 작품의 강렬한 리듬적 형태를 지탱하였다. 작품의 형식은 전통적인 서창풍 ‘아리오조(arioso)’를 느슨하게 반영한다고 할 수도 있지만, 동시에 제목 Arioso (= ‘공기 같은’)는 2021년 오벌린의 밤에 공기가 활기차게 진동하며 자아낸 감각적이고 신비로운 분위기를 담아내고자 한 것이다. 〈Arioso〉는 2021년 영국 레스터의 드 몽포르 대학교(De Montfort University) 음악·기술·혁신 연구소에서 제작되었으며, 같은 해 6월 13일 오스트리아 빈 루프레히츠 교회에서 열린 Neue Musik in St Ruprecht – Simplicity 콘서트에서 토마스 고르바흐(Thomas Gorbach)에 의해 초연되었다. 또한 2022년 아르헨티나 마르델플라타에서 열린 제14회 Destellos 전자음향 작곡 콩쿠르에서 2등상(공동 수상)과 청중상 1위(공동 수상)을 수상하였다.

The composition of Arioso grew from a soundscape experience on a humid September night in Tappan Square in Oberlin (Ohio, USA), where a chorus of crickets and the constant electronic beep of pedestrian crossing signals formed a texture of cyclically interlocking pitch and throbbing granular noise. My field recording of this unlikely duet between the purity of an artificial pulsing tone and the spatially rich stridulation of insects underpins the structure of the piece. A flock of jackdaws circling in flight near my home just after dawn provides another window on the world of natural sound, supporting the work’s emphatic rhythmic shapes. While the form might be loosely thought of as reflecting the traditional recitative-like ‘arioso,’ the title (Arioso = ‘airy’) is also intended to be more deeply indicative of the atmosphere of sensual mystery I found with the air set in vibrant motion that night in Oberlin.

Arioso was realized in 2021 in the Music, Technology and Innovation Research Laboratory at De Montfort University (Leicester, UK), and was premiered on June 13, 2021 by Thomas Gorbach during the concert Neue Musik in St Ruprecht – Simplicity at Ruprechtskirche in Vienna (Austria). Arioso was awarded both the 2nd Prize ex æquo and the 1st Audience Prize ex æquo in the 14th Destellos Electroacoustic Composition Competition (Mar del Plata, Argentina, 2022).

작가 프로필

존 영(John Young)은 드 몽포르 대학교(De Montfort University, DMU) 작곡과 교수이다. DMU에 합류하기 전에는 뉴질랜드 웰링턴 빅토리아 대학교 전자음악 스튜디오 소장을 역임하였다. 그는 전자음향 음악을 전문으로 하며, 대규모 스피커 배열을 위한 몰입형 아쿠스마틱 음악, 기록 자료와 구술사를 활용한 다큐멘터리적 작품, 전자 자원을 결합한 기악 작품에 이르기까지 폭넓게 작업하고 있다. 지금까지 9개의 국제 작곡상을 수상했으며, 라디오 프랑스로부터 두 차례 위촉을 받았다. 또한 영국, 유럽, 오세아니아, 남·북아메리카 전역에서 솔로 공연을 가졌고, 스웨덴, 프랑스, 캐나다, 미국, 뉴질랜드 등지에서 창작 레지던시를 수행하였다. 그의 음악은 몬트리올의 Empreintes DIGITALes에서 출판되었으며, 〈La limite du bruit〉, 〈Histoires de soldats〉, 〈Espaces lointains〉, 〈Lieu-temps: Of Place and Time〉 등 네 장의 솔로 음반이 발매되었다.

John Young is Professor of Composition at DMU. Prior to joining DMU he was Director of The Electroacoustic Music Studios of the Victoria University of Wellington, New Zealand. John specialises in electroacoustic music—including immersive acousmatic music for large arrays of loudspeakers, documentary-styled works using archival and original oral histories as well as instrumental music with electronic resources. Winner of nine international awards for composition, he has been commissioned twice by Radio France and given solo performances across the UK, Europe, Australasia, North and South America and held creative residencies in Sweden, France, Canada, USA and New Zealand. His music is published by Empreintes DIGITALes, Montréal, with four solo discs: La limite du bruit, Histoires de soldats, Espaces lointains and Lieu-temps: Of Place and Time, the latter the product of an AHRC Research Leave Grant.