곡 설명

「Solitary Venice」는 내가 베네치아에서 수행한 PUBLIC RESEARCH의 사운드적 결론이다. PUBLIC RESEARCH는 공적 공간, 특히 자본주의라는 말해지지 않은 언어를 통해 얽혀 있는 관광객과 현지인의 관계를 탐구하는 작업이었다. 「Solitary Venice」는 새벽 4시의 베네치아를 표현한다. 관광객도, 현지인도 없는 도시의 공허함, 바다의 집요한 폭력성, 고장 난 티켓 기계, 그리고 인내심 많은 갈매기들만이 남아 있는 시간이다.

"Solitary Venice" is the sonic conclusion of the PUBLIC RESEARCH I conducted in Venice. The PUBLIC RESEARCH was and is still about public space, especially the relationship between tourists and locals existing via capitalism as an untold language. "Solitary Venice" is an expression of Venice at 4 am without tourists, without locals, just the city's emptiness, the nagging brutality of the sea, a dysfunctional ticket machine, and patient seagulls.

작가 프로필

실뱅 수클라예는 프랑스 카리브 출신으로 브루클린에 거주하며 활동하는 라이브 아티스트, 사운드 메이커, 그리고 작가다. 그의 작업과 사명은 정체성의 문제를 넘어, 부서진 신체의 내면, 환경적 긴급 사안, 정치적 응징 속에 잠재된 감수성과 역사에 뿌리를 둔다.

그는 예술적 여정을 DIY 사회 정의, 즉 스스로 “반달리즘”이라 부른 방식에서 시작했다. 그것은 정의와 자기 지정(self-designation)을 위한 필연적 파괴였다. 그의 고향 리옹은 카뉘(Canut) 반란의 유산을 품고 있으며, 마르티니크의 네그 마롱(Nèg Marron, 자유와 저항 운동) 기원과 결합해 하나의 완벽한 칵테일, 즉 화염병 같은 예술적 태도를 만들어냈다. 이후 그는 행동 시(poésie-action)를 쓰기 시작했고, 그것을 변화무쌍한 정치적·시각적 사건들과 엮어냈다. 때로는 극단적이고, 종종 경계를 넘나드는 그의 메시지는 프랑스, 스위스, 벨기에 전역을 돌며 ‘내장에서 내장으로’ 전해졌다. 그러나 프랑스의 저명한 독립 라디오 방송국 RCT에서 진행한 장기 라이브 라디오 쇼 동안 그는 자신만의 독특한 서정적이면서도 뼈아픈 라이브 경험의 기반을 다져나갔다.

그의 내적 탐구는 글쓰기 — 밤의 이중성을 탐구한 『le jour du fleau』, 슬픔을 깊게 파고드는 『Solus』 — 와 소음과 그 소닉 언어학에 대한 집착으로 확장되었다. 도시의 소음, 그리고 도시 내부에서 들려오는 소음은 그의 입자 합성(granular synthesis) 접근 방식을 형성했다. 이러한 날것의 언어와 강렬한 사운드는 그의 라이브 경험과 설치작업의 조건을 만들어냈다.

수클라예의 작업의 중심은 내면성이다. 집단적 친밀감과 후생유전학적 대화(epigenetic dialogues)는 그가 탐구하고 청중을 초대하는 내적 공간이다. 그의 라이브 경험에서 모든 영혼은 그 일부이며, 관객은 능동적이거나 수동적인 구분이 없다. 오직 ‘활성화되기를 원하는 자들’만 존재한다. 그의 공연은 자기중심적이면서도 집단적인 라이브 경험으로, 그의 내면과 우리의 내면에 남아 있는 것을 드러낸다.

Sylvain Souklaye is a French Caribbean Brooklyn-based live artist, sonic maker and author. His craft and mission go beyond and deeper than the question of identity. Following the idea of the rhizome, Souklaye digs in the sensitivity and history laying in the interiority of broken bodies, environmental urgencies and political retribution.

Souklaye started his artistic journey focusing on DIY social justice, or vandalism as he called it, and defined it as the necessary destruction for justice and self-designation. Lyon, his hometown, carries the Canut revolts heritage and merges with his Neg marron origin from Martinique (freedom and rebellion movement), to obtain a perfect cocktail, a cocktail molotov.

Souklaye then began to write action poetry and interwove it with protean political and visual happenings —sometimes extreme, often borderline, his messages traveled from guts to guts across all corners of France, Switzerland and Belgium. But it is during his durational live radio show at the renowned French independent radio station RCT that he started to craft what would become his uniquely lyrical and gut-wrenching live experiences.

This inner quest took other forms with his writings — le jour du fleau which explores the duality of the night and Solus which cuts deep into grief — and his obsession with noise and its sonic linguistics. The noise from and inside the city shaped his approach to granular synthesis. Those raw words and intense sounds created the condition for his live experiences and installations.

Interiority is at the center of Souklaye's body of work; collective intimacy and epigenetic dialogues are the inner spaces where he spends time exploring and inviting the audience (in)to. Each living soul is a part of his live experiences, and there are no active or passive members of the audience, only those who want to be activated. His shows are self-centered yet collective live experiences that reveal what is left inside him and us.

곡 설명

「Electropoem No.12」는 공간적 사운드와 시적 구조의 관계를 탐구하는 연작의 일부다. 이 작품은 NASA 퍼서비어런스(Perseverance) 로버가 화성에서 채집한 필터링되지 않은 현장 녹음을 사용한다. 화성 표면과의 기계적 상호작용, 여과된 대기 질감이 담겨 있으며, 이를 통해 ‘낯선 음향학’과 대기적 특성을 음악적 표현으로 확장한다. 작품은 옥타브를 7등분하는 ED2-07 음률 체계를 바탕으로 작곡되었으며, 이를 통해 새로운 형태의 음악적 감각을 불러일으킨다.

Electropoem No. 12 is part of an ongoing series that explores the relationship between spatial sound and poetic structure. This piece uses unfiltered field recordings captured on Mars by NASA’s Perseverance rover, featuring mechanical interactions with the Martian surface and filtered atmospheric textures. Composed using the ED2-07 tuning system (dividing the octave into seven equal steps), the piece emphasizes alien acoustics and atmospheric properties to evoke new forms of musical expression.

작가 프로필

알리 발리기는 작곡가, 사운드 디자이너, 사운드 엔지니어다. 그는 이란 테헤란 출신으로, 2011년 테헤란 예술대학교에서 음악 연주 학사 학위를 취득하였다. 이후 작곡에 대한 열정으로 텍사스 공과대학교에서 석사 학위를 마쳤으며, 현재 같은 학교에서 작곡 박사(DMA) 과정을 밟고 있다.

그의 학문적 관심사는 음악 기술, 오픈소스 소프트웨어, 현대 음악 분석, 음악 이론 등과 맞닿아 있다. 발리기는 사운드 엔지니어, 음악 녹음 조교, 작곡 및 음악 이론 강사, 첼로 지도자로서 다양한 교육 경험을 쌓아왔다.

발리기는 출판과 수상 실적에서도 두각을 나타냈다. 시집으로는 『My Loneliness Is A Hippo That Loves You』, 『The Forest Was on Fire And The Snail Did Not Know Which Way to Flee』가 있으며, 전자음악 오페라 Migration inside로 핀란드 사리 레지던시와 연구비를 지원받았다. 또한 2020년 제5회 레자 코루리안상(Reza Korourian Awards) 전자음악 부문에서 3위를, 2017년 라디오 자반 작곡 콩쿠르에서 하프와 오케스트라를 위한 Daramad로 2위를 수상하였다.

그의 작품은 소닉 매터(Sonic Matter), 뉴욕시 전자음악 페스티벌, 테헤란 현대음악 페스티벌, 국제 Csound 컨퍼런스(ICSC 2022), 클라리넷페스트(ClarinetFest) 등 세계 여러 페스티벌과 학술대회에서 연주되었다. 또한 Daramad for Three Sopranos and Fixed Media, Khane Haftom for Santur, Too Loud A Solitude for Cello and Live Electronics 등의 작품이 소개되었다.

발리기는 현대음악 앨범 『Whispers of Papers』, 『Noise vs. Silence vol.1』, 『Intolerance』 등을 발표했으며, 전 세계 다양한 연주자 및 앙상블과 협업해왔다. 그는 미국 Millennium Composers Initiative와 이란 음악가 협회(Iran Music House)의 회원으로 활동하며, 국제적 음악 교류와 협업에 꾸준히 참여하고 있다.

Ali Balighi, a composer, sound designer, and sound engineer, was born in Tehran, Iran. He graduated from The University of Art in 2011 with a Bachelor’s degree in Music Performance. A passion for composition led him to pursue a Master’s degree in Composition at Texas Tech University, where he is currently a student for a Doctor of Musical Arts (DMA) in Composition.

A number of research and teaching interests align with Balighi’s academic pursuits, which include music technology, open-source software, contemporary music analysis, and music theory. His teaching experience includes positions as a sound engineer, music recording assistant, composition and music theory teacher, and positions as a cello instructor in various Iranian music institutions.

His publications and awards have made a notable contribution to the field in addition to his academic engagements. Among his poetry collections are My Loneliness Is A Hippo That Loves You and The Forest Was on Fire And The Snail Did Not Know Which Way to Flee. He received a residency and a grant at The Saari Residence in Finland for his electroacoustic ensemble opera, Migration inside. In addition, he won third place in the 5th Reza Korourian Awards 2020 competition for electroacoustic composition. He won second place in the composition competition of Radio Javan (Islamic Republic of Iran Broadcasting) 2017 with his composition titled Daramad for Harp and Orchestra.

Balighi’s compositions have been showcased internationally at festivals and conferences, including Sonic Matter, New York City Electroacoustic Music Festival, Hot Air Music Festival, Tehran Contemporary Music Festival, NoiseFloor UK Contemporary Music, Research On Contemporary Composition Conference, ClarinetFest, Cortona Sessions For New Music, Audiovisual Frontiers Festival, ICSC 2022 6th International Csound Conference, and Tehran International Electronic Music Festival. His works, such as Daramad for Three Sopranos and Fixed Media, Khane Haftom for Santur, and Too Loud A Solitude for Cello and Live Electronics, have been featured in these platforms.

As a composer, Balighi has released contemporary music albums, including Whispers of Papers, Noise vs. Silence vol. 1, and Intolerance. His compositions have been performed by musicians and ensembles such as Sputter Box ensemble, Front Porch ensemble, Zenith Saxophone Quartet, Twenty Fingers Duo, SynthBeats, The ____ Experiment, Michael Bridge, Parker Fritz, Anoush Moazzeni, Kathryn Vetter, Hamed Shaded, Golnaz Khalili, Puneh Zare’i Sefid Dashti, Neda Asadinejad, Shaghayegh Bagheri, Behnoush Sabetghadam, Negin Goodarzi, Zeinab Hajihasani, and Ulrike Brand.

Balighi actively engages with the music community, holding memberships with the Millennium Composers Initiative in the USA and the Iran Music House. His involvement extends to conferences and collaborations, reflecting his commitment to the global exchange of musical ideas.

곡 설명

「Soma」라는 제목은 고대 인도 신화에서 유래한다. 소마는 베다 의식에서 사용된 신성하고 취하게 하는 음료이자, 이 음료의 신격화이기도 하며, 이후에는 달의 신격으로 확장되었다. 또한 이는 신체를 뜻하는 영어 단어 ‘somatic’ 등의 형태론적 어근이기도 하다.

이 작품의 주요 특징은 인지 가능한 소리와 그 변형이다. 사용된 소리는 악기 소리(활로 문 심벌즈, 베이스 드럼, 오케스트라 현악 글리산도, 피아노 반복음, 활로 문 비브라폰, 풍경), 환경 소리(비행기, 잡음, 군중, 비명), 그리고 몇 개의 음성 단어(“this is me”) 등이다. 작품은 이러한 소리를 특정 맥락에서 반복하고, Sound Hack과 Logic Audio Gold의 플러그인/필터를 사용하여 변형하는 과정을 통해 발전한다. 악기 소리에 대해서는 컴퓨터 소프트웨어를 일종의 ‘확장주법’으로 활용하여 점진적인 전개와 여전히 인지 가능한 소리의 변형 효과를 의도하였다. 군중의 소음은 음악적 질감으로 다루어지며, 단어들이 분해되어 특정 음소와 모음을 강조하면서 연속적으로 움직이는 음향 덩어리를 형성한다.

이 작품의 핵심 개념은 처음의 인지 가능한 소리에서 출발하여 그것의 변형 과정을 거쳐 외부와 내부 세계의 다양한 층위와 그 공존으로 나아가는 여정을 구현하는 데 있다.

The title of the piece is taken from ancient Indian mythology, where soma is a sacred, intoxicating drink used in Vedic rituals, as well as the divinity of this drink and later on of the Moon. In addition, this is a morphological root of the word somatic, etc.

The main feature of the piece is the use of recognisable sounds and their transformation. These sounds consist of instrumental sounds (bowed cymbal, bass drum, orchestra string glissando, piano repetitions, bowed vibraphone, and wind chimes), sounds of environment (aeroplane, noise, crowd, scream), and a few spoken words (‘this is me’).

In the process of development of the piece, these sounds are repeated in certain contexts and transformed (using computer programs Sound Hack and plug-ins/filters of Logic Audio Gold). With instrumental sounds, my aim was to use the computer software as a sort of ‘extended techniques’ to achieve an effect of gradual unfolding and transformation of still recognisable sound. The noise of a crowd is treated as musical texture as the words are ‘smashed’ to emphasise certain phonemes and vowels in a continuous moving sound mass.

The main idea of the composition was to make a journey from initial recognisable sounds through their transformations to different levels of external and internal worlds and their co-existence.

작가 프로필

베라 이바노바는 모스크바 음악원, 런던의 길드홀 음악연극학교, 이스트먼 음악학교를 졸업하였다. 그녀의 작품은 러시아, 유럽, 미국 등에서 연주되었다.

그녀는 시러큐스 대학교 세트너 음악학교에서 이론 및 작곡 조교수로 재직한 뒤, 2007년 채프먼 대학교 공연예술대학 음악과 조교수로 임명되었으며, 현재 부교수로 재직 중이다. 또한 콜번 음악원에서도 교수진으로 활동하고 있다.

이바노바는 이스트먼 음악원의 스프로울 펠로십, 길드홀 음악연극학교의 그윈 엘리스 장학금을 비롯하여, 제28회 부르주 전자음악 콩쿠르에서의 우수상, 제8회 모차르트 국제콩쿠르 3위, 메타모르포제 국제 아쿠스마틱 작곡 콩쿠르(A 부문) 1위(2004, 벨기에), ASCAP 모턴 굴드 청년 작곡가상, 제8회 오를레앙 국제 피아노 콩쿠르 앙드레 셰빌리옹-이본 보노 작곡상, 2013년 도널드 에어드 작곡 콩쿠르 수상 등 다수의 국제적 상을 받았다. 그녀의 음악은 Universal Edition을 통해 출판되었으며, Navona Records, Ablaze Records, Quartz Music Ltd., Centaur Records, Musiques & Recherches 등의 음반사에서 CD로 발매되었다. 자세한 정보는 그녀의 웹사이트(www.veraivanova.com)에서 확인할 수 있다.

Vera Ivanova graduated from the Moscow Conservatory, Guildhall School of Music and Drama in London, and Eastman School of Music. Her works have been performed in Russia, Europe and the U.S.A.

After teaching as Assistant Professor of Theory and Composition at the Setnor School of Music of Syracuse University, she was appointed as Assistant Professor of Music in the College of Performing Arts at Chapman University in 2007 where she currently serves at the rank of Associate Professor of Music. Ms. Ivanova is also on the faculty of the Colburn School. Ms. Ivanova is a recipient of the Sproull Fellowship at Eastman, the Gwyn Ellis Bequest Scholarship at Guildhall School, Honourable mention at the 28th Bourges Electro-Acoustic Competition, 3rd Prize at the 8th International Mozart Competition, 1st Prize in Category “A” at International Contest of Acousmatic Compositions Métamorphoses 2004 (Belgium), the ASCAP Morton Gould Young Composers Award, the André Chevillion-Yvonne Bonnaud Composition Prize at the 8th International Piano Competition at Orleans (France) and the winner of 2013 Donald Aird Composition Competition.

Her music is available in print from Universal Edition, on CDs from Navona Records, Ablaze Records, Quartz Music Ltd., Centaur Records, Musiques & Recherches, and on her web-site: www.veraivanova.com.

곡 설명

몇 달 동안 남자카르타의 주거 지역인 칼리바타 풀로(Kalibata Pulo)를 경험하면서 내가 목격한 새로운 장면 중 하나는 하수도였다. 강 근처에 위치한 이 지역의 생활 폐기물 배출은 매우 개방적이어서 온갖 종류의 폐기물이 강으로 흘러들어가는 것을 볼 수 있었다. 하수가 강으로 직접 배출되는 과정은 지역 공동체에 의해 완전히 통제되지 않았다. 이러한 구조적 문제는 어쩔 수 없는 것으로 여겨지며, 강은 결국 쓰레기 저장소처럼 사용되는 상황에 놓여 있다. 인도네시아 역사학자 JJ 리잘이 어느 공개 토론에서 말했듯, 자카르타의 강은 이제 거대한 쓰레기통이 되었다. 이는 지역 사회가 이미 익숙하게 받아들인 현실이다.

이러한 관찰에서 출발해, 나는 파이프에서 흘러나오는 물소리를 녹음하기 시작했다. 약 6개월간 이 소리를 기록하면서, 파이프 뒤에서 어떤 활동이 일어나고 있을까라는 질문이 떠올랐다. 그것이 작품의 출발점이 되었다. 일상적인 가사 활동에서 폐기물이 생산되고, 그것이 파이프를 통해 강으로 흘러가 최종적으로 폐기되는 과정을 추적했다. 나는 폐기물에서 발생하는 소리를 기록하여 나의 일상적인 설거지 소리와 결합했다. 또한 도시적 맥락을 강조하기 위해 교통 소음을 녹음했고, 하이드로폰을 사용해 강 속의 소리도 담았다. 이는 강이 폐기물의 최종 집합지라는 생각을 드러내기 위한 중요한 요소였다.

이러한 사운드 소스로 구성된 작품은 물 폐기물의 삶의 순환을 하나의 서사로 담는다. 설거지로부터 시작해, 파이프를 통해 배출되고, 강에 도달해 바닥으로 가라앉은 후, 다시 파이프를 거쳐 결국 또다시 설거지로 돌아오는 순환이다. 나는 관객들에게 폐기물이 생성되고 순환하는 과정을 청각적으로 체험하게 하고 싶었다. 그리고 클라이맥스에서는, 우리가 스스로 만들어낸 폐기물에 잠기는 감각이 어떤 것인지 질문하고자 했다.

After several months of experiencing Kalibata Pulo (a residential area in South Jakarta), one of the new experiences I witnessed was the sewerage in this area. Located near the river, the domestic waste disposal was very open, and I could see all kinds of waste being discharged into the river. The sewage that is discharged directly into the river is not fully controlled by the local community. The unavoidable structural problems regarding the disposal system seem to be the nature of the river to be used as a waste reservoir. In the words of JJ Rizal, an Indonesian historian at a public discussion, the river in Jakarta is now a big garbage can. This is something that has become familiar to the local community. From this initial observation, I began recording the sounds of water coming out of the pipes. Over the course of about 6 months of recording the sounds of these pipes, a thought came to my mind: what activities are being carried out behind these pipes? This became the starting point of my work. Starting from domestic activities, the production of waste, its journey, until it ends up in the river as the final disposal site of the waste. The sounds from the wastes that I recorded, I arranged and integrated with the sounds of my daily dishwashing activities. I recorded the sound of traffic to emphasise the urban location. I also used a hydrophone to capture the sounds in the river. This is important for my work to bring out the idea of the river as the final place where these wastes gather.

From these sound sources that I composed, the narrative of the composition is a full circle of the life of water waste: From the waste production washing the dish, dump the water through the pipes, arrive at the river, submerged to the bottom, back to the pipe, and end up again at the dish washing activity. I wanted to give the audience a sound experience of how the flow of waste is produced and circulates. Until the climax, what does it feel like when we are submerged by our own waste?

작가 프로필

아난타 위자야라나(1997)는 예술가이자 작가다. 2024년, 그의 글 두 편이 세계 영화사를 다룬 에세이 모음집 『S ... Untuk Sinema』에 수록되었다. 라흐마니아 너르바와 함께 협업 영화 Alur-Alir을 제작해 ARKIPEL: 자카르타 국제 다큐멘터리 및 실험 영화제(2024)에서 초연했다. 이듬해 그는 도시와 정치 문제를 소리 연구를 통해 다루는 이니셔티브 SIGISORA에 합류했다. 이 활동을 통해 그는 특정 환경의 사회적 특성을 이해하고 식별하기 위해 현장음을 기록하는 여러 사운드 저널을 제작했다. 2025년 3월에는 SIGISORA의 청취 세션 프로그램의 일환으로 장 클로드 리세(Jean-Claude Risset) 청취 세션을 기획했다. 현재 그는 포룸 렌텡(Forum Lenteng)에서 데이터베이스 코디네이터로도 활동하고 있다.

Ananta Wijayarana (1997) is an artist and writer. In 2024, two of his writings were published in S ... Untuk Sinema, a collection of essays that discuss history of world cinema. Along with Rahmania Nerva, he released a collaboration film called Alur-Alir and premiered at ARKIPEL: Jakarta International Documentary and Experimental Film Festival (2024). In the following year he joined SIGISORA, an initiative that frames urban and political issues through studying sound. Through this initiative, he created several sound journals, recording sounds in an environment to understand and identify the social characteristics of that environment. In March 2025, he curated the Jean-claude Risset listening session. The event was part of the listening sessions organised by SIGISORA that featured works by important composers of the world. He is now also active as a database coordinator at Forum Lenteng.

곡 설명

“모노노아와레(Mono No Aware)”는 존재의 덧없음을 인식하며 느끼는 감상의 정서를 담은 깊은 일본의 개념이다. 이 아쿠스마틱 작품은 일본 기차 여행자의 기억 속을 거니는 정신적 여정을 그리며, 회상이 서로 뒤섞이고 비틀리며 매혹적인 사운드스케이프의 직조를 만들어낸다. 작품은 아쿠스마틱 음악의 영역 안에서 음색 탐구의 경계를 밀어붙이는 동시에, 시간에 대한 비선형적인 인식을 제시하고자 한다. 이러한 소리의 여정은 작곡가가 도쿄, 오사카, 교토에서 직접 채집한 현장 녹음을 통해 세밀하게 담겼다.

"Mono No Aware" is a profound Japanese concept that delves into the sentiment of nostalgia, grasping the ephemeral nature of existence. In this acousmatic composition, we embark on a mental odyssey through the memories of a train traveler in Japan, where recollections blend and twist, forming a captivating tapestry of soundscapes. The piece endeavors to push the boundaries of timbral exploration within the realm of acousmatic music, all while presenting a non-linear perception of time. These sonic journeys were meticulously captured through field recordings in Tokyo, Osaka, and Kyoto by the composer.

작가 프로필

후안 카를로스 바스케스는 수상 경력이 있는 작곡가이자 비디오게임 연구자, 학자다. 그의 음악은 아메리카, 유럽, 아시아, 오세아니아 등 30개국 이상에서 초연되었다.

Juan Carlos Vasquez is an award-winning composer, video game researcher, and academic. His music has premiered in over 30 countries spanning the Americas, Europe, Asia, and Australia.

곡 설명

「Rikers’ Requiem」은 뉴욕 리커스 아일랜드 교정 단지 주변에서 녹음한 현장 사운드와 교도관들의 무선 교신을 결합하여, 폐쇄가 예정된 감옥의 미래를 상상한다. 작품은 섬이 주변의 물로 정화되고 탈주한 비인간적 생명들이 다시금 터전을 차지하는 소리를 재구성한다.

Combining field recordings around New York City’s Rikers Island jail complex with intercepted radio communication of the jail staff, Rikers’ Requiem anticipates the jail’s scheduled closing. It sonically reimagines a future where the island is cleansed by the surrounding waters and overtaken by fugitive, more-than-human life.

작가 프로필

한스 쿠즈미치는 벨라루스 출신으로 로스앤젤레스를 기반으로 활동하는 예술가다. 그의 작업은 젠더를 주체와 국가 사이의 인터페이스로 탐구하며, 제도적 규범을 뒤흔드는 것을 목표로 한다. 전송 예술, 미디어 설치, 퍼포먼스를 활용하며, 장소 특정적 청취와 사운드 픽션 방법론을 기반으로 실천한다. 현재 캘리포니아 대학교 산타크루즈 캠퍼스에서 영화 및 디지털 미디어 분야의 하이브리드 박사 논문을 마무리 중이다. 그의 최근 전시와 레지던시는 리투아니아 빌니우스 예술아카데미 니다 아트 콜로니, 뉴욕 애크라의 웨이브 팜, 버몬트 스튜디오 센터, 매사추세츠 노스애덤스의 MASS MoCA, 뉴욕의 The 8th Floor, 멕시코시티의 소마 등이 있다. 그는 UCLA에서 MFA를, 쿠퍼 유니언에서 BFA를 취득했으며, 휘트니 인디펜던트 스터디 프로그램에도 참여했다.

Hans Kuzmich is a Belarus-born artist based in Los Angeles whose work examines gender as an interface between subjects and the state, seeking to unsettle their regulatory logics. Using transmission arts, media installation, and performance, his practice is grounded in site-specific listening and sonic fiction methodologies. Kuzmich is currently completing a hybrid doctoral dissertation in Film and Digital Media at the University of California, Santa Cruz. His recent exhibitions and residencies include Nida Art Colony of Vilnius Academy of Arts, Lithuania; Wave Farm, Acra, NY; Vermont Studio Center, Johnson, VT; The Studios at MASS MoCA, North Adams, MA; The 8th Floor, New York, NY; and SOMA, Mexico City. He holds an MFA from the University of California, Los Angeles, a BFA from the Cooper Union, and was a participant in the Whitney Independent Study Program.

목요일, 10월 16일, 13:30 – 18:00 | 참여자 수: 15명

메이크랩 워크숍은 직접 청취 장치를 제작하는 과정입니다. 하이드로폰은 공기 중의 소리를 포착하는 일반 마이크와 달리 물속의 소리를 들려주며, 강이나 연못, 심지어 물컵 속의 작은 진동까지도 귀 기울이게 합니다. 하이드로폰을 직접 제작하는 것은 단순한 기술적 훈련을 넘어, 소리의 물질성과 몸으로 듣기의 감각을 탐구하는 행위입니다.

약 4시간 30분 동안 진행되는 이 워크숍에서 참가자들은 압전 트랜스듀서의 기본 원리, 납땜, 간단한 회로 제작을 배우고, 자신만의 하이드로폰을 완성하게 됩니다. 완성된 DIY 장치는 이후 진행될 사운드워크와 필드레코딩에서 활용될 수 있으며, 개울, 분수대, 배수구, 혹은 일상의 그릇까지 새로운 청취와 기록의 대상이 될 것입니다.

워크숍 준비물:

손으로 만지고 배우는 즐거운 마음

메모용 작은 노트와 펜

전자부품, 납땜 도구 및 제작 재료는 모두 제공됩니다

Makelab Workshop: Hydrophone Building

Thu, Oct. 16, 13:30 – 18:00 | Number of participants: 15

Synopsis

The Makelab Workshop is about making your own listening device — a hydrophone — as a tool for embodied exploration of sound. Unlike conventional microphones that capture air vibrations, hydrophones extend our ears underwater, revealing the resonances of rivers, ponds, or even the vibrations within a simple glass of water. Building a hydrophone yourself is not only a technical practice but also a way of tuning into the materiality of sound.

In this four-and-a-half-hour workshop, participants will learn the basics of piezoelectric transducers, soldering, and simple circuit construction to create their own hydrophone. Once completed, this DIY device will expand the possibilities of listening and recording in future soundwalks and field recording sessions. With it, streams, fountains, drains, or even everyday containers can all become unexpected sources of sonic discovery.

What to prepare for the workshop:

A curious attitude and willingness to use your hands

Notebook and pen for sketching notes

All necessary electronic parts, soldering tools, and assembly materials will be provided

곡 설명

포크마르 하인(Folkmar Hein)에게

이 작품에서 들리는 대부분의 소리는 작품을 위촉한 포크마르 하인이 직접 제공한 것이다. 그가 직접 녹음한 이 소리들은 특정한 의미를 지니지 않는다고 할 수 있다. 그렇다면 이 소리들을, 하인이 베를린 주변에서 정기적으로 즐겨 하는 긴 숲속 산책을 환기하는 더 큰 프로젝트 안에 통합할 수 있을까? 그는 몇 시간 동안 산책을 하고 나면 시간에 대한 지각이 점차 달라진다고 한 번 말한 적이 있다. 저는 그 정신적 상태에 이르는 길이 마치 돌껍질 아래 숨겨진 몽상을 불러일으킬 수 있다고 상상하기 시작했다.

To Folkmar Hein

Most of the sounds heard here were given to me by Folkmar Hein, who commissioned this work. These sounds, which he recorded himself, can be construed as having no specific meaning. Would it be possible to integrate them into a larger project aimed at evoking the very long forest walks Hein is regularly taking around Berlin? He once told me that, after a few hours of strolling, your perception of time gradually becomes altered. I started imagining that the path to that mental state could trigger a reverie hidden under the bark of stones.

작가 프로필

질 고베일의 작품은 흔히 “귀를 위한 시네마(cinema for the ear)”라고 불리며, 많은 작품들이 문학적 작품에서 영감을 받아 그것들을 소리라는 매체를 통해 ‘시각화’하려는 시도를 담고 있다.

Gilles Gobeil compositions approach what is known as “cinema for the ear”; many of them are inspired by literary works and seek to “visualize” them through the medium of sound.

곡 설명

이 작품은 흑새(Blackbird)와 함께 음향적으로 여행하고 동행하는 데서 비롯된 호기심과 관심으로부터 탄생했다. 2024년 오스트리아 그라츠에서 2주 동안 머무르며, 매일 새벽 4시에 일어나 흑새의 아침 노래를 듣고, 목격하고, 녹음한 일련의 새벽 필드 레코딩을 바탕으로 만들어졌다. 작품 제목은 다큐멘터리 영화감독이자 페미니즘 이론가인 트린 민하(Trinh Minh-ha)의 개념인 “근처에서 말하기(speaking nearby)”에서 영감을 얻었다. 이 개념은 ‘타자에 대해 말하는(about)’ 방식이 아니라, ‘타자와 함께(with)’ 소리 내며 근접성 속에서 관계를 맺고 응답하는 방식의 관계성을 포용한다.

이 작품은 청자들을 성찰적 공간으로 초대하며, 다른 목소리(인간과 비인간) 곁에서 소리 낼 때 발생하는 복잡한 (불)가능성과 (오)해들을 탐구한다.

This work grew out of a curiosity and interest in going visiting and travelling sonically alongside blackbirds. It was created with a series of early morning field recordings made during a two-week stay in Graz, Austria in 2024, where I rose at 4 a.m. each day to listen, witness, and record their morning songs. The title draws inspiration from the documentary filmmaker and feminist theorist, Trinh Minh-ha’s concept of “speaking nearby,” which embraces a mode of relationality that listens and responds, not by speaking "about" the other, but by sounding "with" them in sonic proximity.

This work invites listeners into a reflective space, as it explores the complex (im)possibilities and (mis)understandings that emerge when sounding nearby another voice; human and not.

작가 프로필

풀랴 우자녹은 이스탄불을 기반으로 활동하는 전자음향 음악가이자 피아니스트다. 그녀의 작업은 작곡, 악보 기반 혹은 즉흥 연주, 그리고 예술적 연구의 형태를 취한다. 어쿠스틱 피아노에 다양한 오브제를 결합한 ‘피아노 내부 연주 기법(inside-piano technique)’, 일상 사물을 악기로 사용한 연주, 전자음향, 필드 레코딩 등을 다룬다. 최근 관심사는 인간, 비인간, 물질과 함께하는 ‘응답-가능(response-able)’한 소리적 실천, 물질적 행위자로서의 악기(인간-악기 협업)를 통한 실천, 그리고 전자음향 작곡과 공연 속 다층적이고 내재적인 공간에서의 ‘공동생산(sympoietic)’적 실천을 포함한다.

Fulya Uçanok is an electroacoustic musician, and pianist based in Istanbul. Her work takes forms of composition, score-based or improvised performance, and artistic research. She works with acoustic pianos coupled with a variety of objects (inside-piano technique), everyday objects as instruments, electroacoustics, and field recordings. Her current interests include response-able sonic practices with humans, more-than-humans, and materials; practices with musical instruments as material agents (human-instrument collaborations) and sympoietic practices in multivalent, immanent spaces within electroacoustic composition and performance.

곡 설명

〈Daylesford Naturalix〉는 오스트레일리아 빅토리아 주 중부의 Dja Dja Wurrung 전통 땅, 데일스퍼드(Daylesford)에서 채집된 환경 필드 레코딩만을 사용해 만든 고정 매체(fixed media) 작품이다. 이 소리들은 2021년 코로나19 봉쇄 기간 동안 수집되었으며, 모바일 음악 기술과 생태적 청취(ecological listening)를 탐구하는 실천 기반 연구 프로젝트의 일환이었다. 작품은 2025년에 그래뉼라 합성(granular synthesis)과 디지털 사운드 조작을 통해 완성되었다.

작품은 오직 원래의 녹음들—새소리, 시냇물, 바람, 주변 환경의 질감—만을 기반으로 하여, 정교한 조작을 거쳐 재구성된 사운드스케이프로 변주된다. 이를 통해 특정 장소성이 유지되면서도 디지털 기술을 통한 새로운 표현 가능성이 확장된다. 환경을 피사체이자 공동 작곡가로 설정하며, 이 작품은 시간적·공간적 현존에 대해, 즉 멈추어 서서 듣고, 더-인간적 세계(more-than-human world)의 미묘한 리듬에 조율하는 행위에 대해 성찰한다. 나아가 예술적 실천, 생태적 인식, 기술적 매체 사이의 경계를 허물며 동시대 생태비평적 사운드 아트에 기여한다.

Daylesford Naturalix is a fixed media composition created entirely from environmental field recordings made in Daylesford, on Dja Dja Wurrung Country in central Victoria, Australia. Captured in 2021 during a COVID-19 lockdown, these recordings formed part of a broader practice-led research project into mobile music technologies and ecological listening. The work was completed in 2025 using granular synthesis and digital sound manipulation. Drawing solely on the original recordings—birdsong, creeks, wind, ambient textures—Daylesford Naturalix transforms these sounds through intricate manipulation. The result is a reimagined soundscape that retains the specificity of place while extending its expressive possibilities through digital techniques. Framing the environment as both subject and co-composer, the work reflects on temporal and spatial presence—on pausing, listening, and attuning to the subtle rhythms of the more-than-human world. It contributes to contemporary ecocritical sonic art by dissolving boundaries between artistic practice, ecological awareness, and technological media

작가 프로필

이우바르(iubar)는 호주를 기반으로 활동하는 협업 프로젝트로, 폴란드 출신의 마틴 K. 코솔코(Martin K. Koszolko)가 이끌고 있다. 그는 전자음악 및 인디 팝 프로젝트 KOshowKO와 Philosophy of Sound에서 활동한 음악 프로듀서로, 원격 음악 협업 기술에 관한 박사 학위를 보유한 사운드 연구자이기도 하다. 이우바르 프로젝트의 시그니처 사운드는 아날로그와 디지털 악기를 결합하고, 필드 레코딩과 모바일 기술을 활용해 만든 ‘스토리 기반 앰비언트’이다. 이우바르의 기원은 2009년으로 거슬러 올라간다. 당시 마틴의 폴란드 고등학교 친구 야렉 빈코프스키(Jarek Binkowski)가 다수의 일렉트릭 기타 드론과 리프를 녹음했는데, 이것이 첫 번째 작품들의 기반이 되었다. 이후 이우바르는 여러 음악가들과 협업을 이어왔다. 그중 모두스 옵(Modus Op)과의 협업으로 탄생한 곡 〈Untold〉는 가족 간의 사적인 대화와 2차 세계대전 당시 겪었던 고난을 담고 있다. 2019년에는 영국, 호주, 크로아티아 출신 뮤지션들이 대면 없이 온라인으로 협업한 싱글 〈Nowy〉를 발표했다. 이우바르 프로젝트의 라이브 공연은 모바일 음악 제작 기술과 장소 특정적 오디언스 샘플링 기법을 결합하는데, 이는 마틴이 폴란드와 호주에서의 공연을 통해 발전시킨 방법론이다. 이 프로젝트는 국제적인 인정을 받아, 2021년 단편 영화 〈Earth〉에 삽입된 음악으로 두 개의 최우수 음악상을 수상했으며, 2022년에는 Green Philosophy Film Festival에서 최우수 음악상을 받았다. 수상작들은 다른 작품들과 함께 2023년 3월 Vivarium Recordings에서 발매된 데뷔 앨범 《Survival Tactics》에 수록되었다.

iubar is an award-winning collaborative project hailing from Australia, led by Polish-born Martin K. Koszolko, a music producer known for his work with electronic and indie pop music acts KOshowKO and Philosophy of Sound. Martin holds a PhD in Remote Music Collaboration technologies and is an accomplished sound researcher. Iubar project’s signature sound is story-driven ambient, created using a blend of analogue and digital instrumentation and featuring field recordings and mobile technologies.

iubar’s origins can be traced back to 2009 when Martin’s high school friend from Poland, Jarek Binkowski, recorded multiple electric guitar drones and riffs, which became the foundation for the first compositions. Over the years, iubar has collaborated with other talented musicians, including Modus Op, resulting in the piece ‘Untold,’ which features private family conversations and describes the hardship experienced during World War II. In 2019, iubar released their collaborative single ‘Nowy,’ produced by musicians from England, Australia and Croatia who had never met face-to-face. iubar project’s live performances incorporate mobile music-making technologies, as well as site-specific audience sampling techniques that Martin developed through live performances in Poland and Australia. The project has received international recognition, earning two Best Music Awards in 2021 for iubar’s music featured in the short film ‘Earth’ as well as receiving the award for Best Music in the Green Philosophy Film Festival in 2022. The awarded compositions are featured alongside other material on iubar project’s debut album “Survival Tactics“, released in March 2023 on Vivarium Recordings.

곡 설명

<세 개의 귀환>은 Pete Stollery, Ross Whyte, 그리고 김석준, 세 작곡가가 진행한 <세 개의 도시 프로젝트>의 일환으로, 이들이 애버딘 (Aberdeen), 베르겐 (Bergen), 그리고 상트페테르부르크 (St. Petersburg) 세 도시를 여행하며 수집한 사운드들을 사용하여 만든 곡입니다..

<세 개의 귀환>은 작곡가가 직접 수집한 사운드들과 다른 사람들이 수집한 사운드들을 다시 들어보는 작업입니다. 작곡가는 이러한 재방문 (returns)을 통해 자신이 경험하고, 기억하고, 잊고, 상상했던 것에 더욱 민감해지고자 했습니다. 작곡가에게 <세 개의 귀환>은 우리 기억의 연약함과 그럼에도 불구하고 그곳들에 대한 매혹, 즉 장소가 우리를 사로잡는 이유에 관한 연구입니다.

Three Returns is a part of the Three Cities Project by three composers–Pete Stollery, Ross Whyte and Suk-Jun Kim–and uses the sound recordings collected by the team while they were making journeys to three cities, Aberdeen, Bergen, and St. Petersburg.

Three Returns is the composer’s revisit to the sound materials, some of which he himself collected and some of which others did. Through the revisit, the composer wanted to become sensitive to what he has experienced, remembered, forgotten, and imagined. To the composer, Three Returns is evidence of both the fragility of our memory and fascination of place–the very reason for which place haunts us.

작가 프로필

김석준은 한국의 작곡가이자 사운드 아티스트이며, 'Humming: The Study of Sound' (Bloomsbury)와 'Hasla' (Kehrer Verlag Heidelberg)의 저자입니다.

여러 국제 작곡상을 수상하고 위촉을 받은 김석준의 음악은 전 세계에서 연주되었으며, ICMC, IMEB, SEAMUS 레이블, Vox Regis, M&R에서 들을 수 있습니다. 그의 연구는 음향적 추론, 상상적 청취, 전자음향 음악의 미학에 대한 현상학적 접근, 몰입형 및 3D 사운드, 공간과 장소, 장소 기억과 소리, 허밍, 다공성 (porosity)과 청취 자아 (listening selves), 그리고 청취의 미래 (Futures of Listening)에 중점을 두고 있습니다.

김석준은 연세대학교에서 신학을 전공하고, 노스웨스턴 대학교에서 음악공학 석사 학위를, 미국 플로리다 대학교에서 작곡 박사 학위를 취득했습니다. 2009년, 김 교수는 DAAD의 1년제 베를린 예술가 프로그램(Artists-in-Berlin programme)에 초청받았습니다. 현재 그는 영국 스코틀랜드 애버딘 대학교에서 전자음악 및 사운드 아트 교수로 재직 중이며, 2013년부터 강의와 연구를 진행하고 있습니다. 2023년에는 한국의 국립아시아문화전당(ACC)과 협력하여 대규모 사운드 연구 및 사운드 아트 프로젝트인 'Futures of Listening'을 시작했으며, 2023년 5월부터 12월까지 ACC의 사운드 랩팀 수석 연구원으로 활동했습니다. 2024년부터 2026년까지는 영국 아카데미의 지원을 받는 ISPF ODA- 챌린지 지향 연구 프로젝트인 'Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities'의 책임 연구원으로 활동합니다. 웹사이트: www.reddoorsound.com

Suk-Jun Kim is a South Korean composer, sound artist, and the author of 'Humming: the Study of Sound' (Bloomsbury) and 'Hasla' (Kehrer Verlag Heidelberg). Having won several international composition awards and attracted commissions, Kim’s music has been performed worldwide and can be heard on ICMC, IMEB, and SEAMUS labels, Vox Regis, and M&R. His research focuses on acousmatic reasoning, imaginal listening, phenomenological approaches to the aesthetics of electroacoustic music, immersive and 3D sound, space and place, place memory and sound, humming, porosity and listening selves, and futures of listening.

Kim studied theology at Yonsei University, South Korea, earned a master’s degree in Music Technology at Northwestern University and a Ph.D. in composition at the University of Florida in the US. In 2009, Kim was invited to Berlin by DAAD for its one-year Artists-in-Berlin programme. He is a professor of electronic music and sound art at the University of Aberdeen, Scotland, UK, where he has been teaching and researching since 2013. In 2023, he initiated a large-scale sound studies and sound art project Futures of Listening by collaborating with the National Asian Culture Center (ACC) in South Korea and has led its Sound Lab Team as senior researcher between May and December 2023. Between 2024-26, Kim is the Principal Investigator for Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities, an ISPF ODA challenge-oriented research project funded by the British Academy.

Website: www.reddoorsound.com

곡 설명

이 작품은 내가 일상 속에서 거의 매일 접했던 소리들을 다룬다. 이 모든 요소들은 하루의 특정 시간을 나타낸다. 아침의 아잔(Aazan) 소리부터 저녁의 아이들까지, 각각의 소리는 나에게 개인적인 기억을 불러일으킨다. 그러나 이 녹음들은 약 3~5년 전의 것이다. 그 사이 사운드스케이프는 변했다. 한때 있던 초록 들판은 이제 건물을 짓기 위해 파괴되었고, 아이들의 목소리도 사라졌다. 이 작품은 내가 한때 ‘사치’처럼 여겼던, 아무 일 없이 창가에 앉아 녹음하고 들으며 시간을 보낼 수 있었던 순간을 담고 있다.

This work deals with the sounds that I have encountered in my life almost every day. All of these elements represent a time of day. Every element has its own story, from the Aazan in the morning to the kids in the evening, everything has a personal memory associated with it. However, these recordings are around 3-5 years old. The soundscape has changed; the green field that was there is now being massacred for a building to rise. The children are thus absent. This work represents a time when I also had the ‘luxury’ to sit idle and record and listen to what was happening from my window.

작가 프로필

프라부드하 무코파드야이는 현재 인도 콜카타의 사티야지트 레이 영화·텔레비전 연구소(Satyajit Ray Film and Television Institute)에서 사운드 녹음 및 디자인(Sound Recording and Design) 프로그램을 공부하고 있다. 영화 사운드 외에도, 사운드 아트와 필드 레코딩, 그리고 그것들을 뉴미디어의 맥락 속에서 어떻게 형성할 수 있을지에 관심을 가지고 있다. 또한 공간 음향, 바이노럴 녹음, 비전통적 마이크를 통한 확장된 청취, 앰비소닉스(Ambisonics) 등이 저의 주요 연구 영역이다. 일부 사운드 작업과 녹음은 Radiophrenia Glasgow, 옥스퍼드의 Cities and Memories, ResonanceFM 등 다양한 사운드 스트리밍 플랫폼에서 소개된 바 있다.

I am currently a student in the Sound Recording and Design program at the Satyajit Ray Film and Television Institute in Kolkata, India. Apart from film sound, my interest also lies in sound art and field recording, as well as how to shape them in the context of new media. Spatial audio, Binaural recordings, extended listening through unconventional microphones, Ambisonics, all these are my other areas of sound interests. Some of my sound-works and recordings have also been part of different sound-streamings like Radiophernia Glasgow, Oxford's Cities and Memories, ResonanceFM, etc.

곡 설명

〈Makuta〉는 아프로-쿠바와 콩고의 리듬을 현대적 합성과 칠레와 영국에서 채집한 도시 필드 레코딩과 결합한 작품이다. 이 곡은 전통과 혁신이 만나는 소리의 여정으로 청자를 초대하며, 복잡한 리듬 패턴과 진화하는 사운드스케이프를 융합해 시간의 유동성에 대해 성찰한다. 퍼커션의 층위, 전자적 질감, 환경음이 연속적이고 유기적인 대화 속에서 상호작용한다. 〈Makuta〉는 리듬, 장소, 기억을 역동적이고 몰입적인 방식으로 탐구하며, 과거와 현재가 매혹적인 사운드 형태 속에서 교차하는 장을 만들어낸다.

Makuta is a composition that blends Afro-Cuban and Congolese rhythms with modern synthesis and urban field recordings from Chile and England. It invites listeners on a sonic journey where tradition meets innovation, merging intricate rhythmic patterns with evolving soundscapes to reflect on the fluidity of time. Layers of percussion, electronic textures, and environmental sounds interact in a continuous, organic dialogue. Makuta is a dynamic and immersive exploration of rhythm, place and memory, where past and present converge in compelling sonic form.

작가 프로필

펠리페 오톤도(1972)는 칠레에서 음향학과 작곡을 공부하며 실험극을 위한 다양한 작곡 프로젝트를 진행했다. 2005년에는 영국 요크 대학교에서 앰브로즈 필드(Ambrose Field)와 로저 마시(Roger Marsh)와 함께 전자음향 작곡과 음악극을 집중적으로 연구했다. 그의 음악은 아시아, 유럽, 남·북미의 다양한 페스티벌에서 연주되었으며, 연구 성과는 Computer Music Journal, Organised Sound, Leonardo Music Journal과 같은 주요 학술지에 게재되었다. 현재 그는 칠레 아우스트랄 대학교(Universidad Austral) 음향학 연구소의 선임 강사로 재직 중이다.

Felipe Otondo(1972) studied acoustics and composition in Chile where he developed various composition projects for experimental theatre. In 2005 he pursued his composition studies at the University of York in England with Ambrose Field and Roger Marsh focusing in electroacoustic composition and music theatre. His music has been played in festivals iacross Asia, Europe, North and South America. His research output has been published by important journals such as Computer Music Journal, Organised Sound and Leonardo Music Journal. Felipe is currently a Senior Lecturer at the Institute of Acoustics at Universidad Austral in Chile.

곡 설명

엘로이사 마테우는 방대한 자연 음향 아카이브를 보유하고 있으며, 그중 특히 가치 있는 것은 조류 음원 컬렉션이다. 현재 그녀는 바르셀로나 자연사 박물관의 조류학 부서에서 활동하고 있다. 전자음악 전문가들이 필드 레코딩을 활용하는 것은 꽤 복잡한 과제가 되는데, 배경음이 많아 특별한 방식으로 사용되기도 하고 그렇지 않을 수도 있기 때문이다. 그러나 나는 오히려 매우 강력한 클리닝 시스템을 사용해, 작곡에 활용할 수 있는 매우 선명한 샘플들을 얻는 방식을 택했다. 기본적으로 이 작품은 공간적으로 조직된 아주 짧은 소리들을 중심으로 구조화되어 있으며, 몇몇 긴 시퀀스와 더불어 작품 전체에 걸쳐 4개의 짧은 새 합창을 배치하였다. 우리 스튜디오에서는 이 작품을 14개의 스피커로 분산 재생한다. 그러나 침묵이 중요한 요소로 작용하기 때문에, 스테레오 버전으로도 충분히 감상할 수 있다고 생각한다.

Eloisa Matheu has a vast collection of recordings of nature, and particularly valuable is the bird collection, she is at present in the ornithology department of the Natural History Museum of Barcelona. The use of field recordings for experts in electroacoustic music create a rather complex task, there is a lot of background sound, which may or may not be used in exceptional ways, but I rather decided to use extremely strong cleaning systems in order to get to a very clear set of samples to be used in a composition. So basically the piece is structured in a lot of very short sounds spatially organized, some longer sequences and a set of 4 short birds chorus distributed along the piece. In our studio the piece is distributed in 14 loudspeakers. In this case I think a stereo version is also enjoyable, due to the silences.

작가 프로필

안드레스 르윈-리히터(스페인, 1937)는 뉴욕 컬럼비아 대학교에서 블라디미르 우사체프스키(Vladimir Ussachevsky), 마리오 다비도프스키(Mario Davidovsky), 에드가 바레즈(Edgar Varèse)에게 음악을 사사했다. 그는 1974년 바르셀로나의 포노스(Phonos) 전자음악 스튜디오의 창립 멤버이며, 포노스 재단 설립 이후 사무총장 및 부회장을 맡아왔다. 2003~2006년에는 바르셀로나 카탈루냐 고등음악원(Escola Superior de Música de Catalunya)에서 전자음향 음악사의 교수를 역임했으며, 2005년 ICMC, 2010년 SMC의 디렉터를 맡았다. 그의 작품들은 뉴욕 컬럼비아 대학교, 바르셀로나 포노스, 마드리드 알레아(Alea), 마드리드 CDMC, 스페인 쿠엥카, 스웨덴 스톡홀름 EMS, 스위스 바젤 등 여러 전자음악 스튜디오에서 작곡되었다.

(Spain,1937).Musical studies with Vladimir Ussachevsky, Mario Davidovsky and Edgar Varese at Columbia University, New York, USA. Founding member of the Phonos Electronic Music Studio in Barcelona 1974 and its secretary/vice president since the establishment of Phonos Foundation. Professor for History of Electroacoustic Music at Escola Superior de Música de Catalunya, Barcelona.(2003-6), director of ICMC 2005 and SMC 2010.Composed works in the electronic music studios at Columbia University/New York, Phonos/Barcelona, Alea/Madrid, CDMC/Madrid, Cuenca/Spain, EMS Stockholm/Sweden and Basel/Switzerland

곡 설명

이 사운드스케이프 작품은 Cities and Memory와 Exodus Adventure Travels가 공동 기획한 위촉 프로젝트 〈The Sound of Adventure〉에서 시작되었다. 이 프로젝트는 여행사 Exodus Adventure Travels의 50주년을 기념하여, 현장 녹음가들에게 어떤 장소를 처음 마주할 때 경험하는 “모험의 감각”을 포착하도록 요청했다. 나는 극적이거나 이국적인 소리 사건으로 모험을 정의하기보다는, 침묵 자체를 하나의 모험으로 탐구하기로 했다.

이 결정은 R. 머레이 셰이퍼(R. Murray Schafer)의 하이파이(hi-fi)와 로우파이(lo-fi) 사운드스케이프 개념에서 영감을 받았다. 나는 로우파이 도시 사운드스케이프 속에서, 소음의 층을 뚫고 드러나는 섬세하고 의미 있는 하이파이적 순간들을 찾아내고자 했으며, 나는 이 여정을 “침묵의 투쟁(the struggle of silence)”이라 명명했다. 일본에서의 녹음 과정에서는 특정 장소를 미리 계획하지 않고, 호기심 많은 방랑자의 귀로 그 나라를 경험하려 했다. 목표는 즉흥적인 소리의 만남을 발견하고 기록하는 것이었으며, 특히 번화한 거리, 붐비는 관광지, 활기찬 식당처럼 보통은 소리에 지배당하는 공간에서 ‘침묵’이 스스로 존재감을 드러내는 순간들을 포착하는 것이었다. 여행 중 채집된 필드 레코딩은 이후 사운드스케이프 작품으로 변형되었고, 이는 앰비언트 음악과 장소 특유의 음향 재료를 혼합해 구성되었다. 이 덧없고 섬세한 소리들은 주목을 요구하지 않지만, 주변의 무게 속에서도 고요히 공간을 차지하는 고유한 모험 정신을 지닌다. 〈Exploring Silence – Japan〉은 청자들에게 일상의 청각 경험 속에서 간과되기 쉬운 층위들을 탐구하도록 초대한다. 이는 소란스러운 세계 속에서 드러나는 침묵의 연약함, 현존, 그리고 조용한 회복력을 성찰하는 소리 명상이다.

This soundscape composition originated from The Sound of Adventure, a commissioned project curated by Cities and Memory in collaboration with Exodus Adventure Travels in celebration of the latter’s 50th anniversary. The project invited field recordists to capture the “sense of adventure” experienced when encountering a place for the first time. Rather than approaching adventure through dramatic or exotic sonic events, I chose to explore silence as an adventure. This decision was inspired by R. Murray Schafer’s concept of hi-fi and lo-fi soundscapes. I sought to uncover, within lo-fi urban soundscapes, those rare sonic moments that R. Murray Schafer would recognise as hi-fi—delicate, meaningful sounds that manage to surface through layers of noise. I defined this journey as “the struggle of silence.” In Japan, I deliberately avoided planning specific recording sites beforehand, allowing myself to experience the country with the ears of a curious wanderer. My goal was to discover and document spontaneous sonic encounters, especially those where “silence” asserts itself in environments typically dominated by sound: bustling streets, crowded tourist sites, and vibrant restaurants. The field recordings captured during my trip were later transformed into a soundscape composition, blending ambient music with location-specific sound materials. These fleeting, delicate sounds embody an adventurous spirit of their own: they do not demand attention but quietly hold space against the weight of their surroundings. Exploring Silence – Japan invites listeners to engage with the overlooked layers of everyday acoustic experience. It is a sonic meditation on fragility, presence, and the quiet resilience of silence in a noisy world.

작가 프로필

바이 보이는 사운드스케이프 작곡, 필드 레코딩, VR 몰입형 오디오의 교차 지점을 탐구하는 작곡가이자 사운드 아티스트다. 그의 작품은 오하이오 Click Fest Festival (2025), 뉴캐슬 Sound + Environment Symposium (2025), 로마 MA/IN Festival (2025), BBC Radio 6, 글래스고 Radiophrenia (2025), 칠레 Radio Suyai TV (2025), 메이누스 Sonic Arts Forum (2025), 셰필드 Sound Junction (2024), 노팅엄 Sonic Sculptures 3 (2024), 샌프란시스코 테이프 뮤직 페스티벌 (2024), 런던 왕립학회 극장(The Royal Institution’s Theatre, 2024) 등 국제적인 페스티벌과 무대에서 소개되었다.

그는 환경음과 전자음향적 기법을 융합해 몰입적인 청취 경험을 창조하며, 공간, 기억, 청각적 스토리텔링에 대한 인식을 확장하고 도전하는 작업을 이어가고 있다.

Boyi Bai is a composer and sound artist whose works explore the intersections of soundscape composition, field recording, and VR immersive audio. His pieces have been showcased at various international festivals and events, including Click Fest Festival (Ohio, 2025), Sound + Environment Symposium (Newcastle, 2025), MA/IN Festival (Rome, 2025), BBC Radio 6, Radiophrenia (Glasgow, 2025), Radio Suyai TV (Chile, 2025), Sonic Arts Forum (Maynooth, 2025), Sound Junction (Sheffield, 2024), Sonic Sculptures 3 (Nottingham, 2024), San Francisco Tape Music Festival (2024), and The Royal Institution's Theatre (London, 2024). Through a blend of environmental sound and electroacoustic techniques, Boyi’s work aims to create immersive listening experiences that challenge perceptions of space, memory, and auditory storytelling.

곡 설명

이 작품은 하나의 완전한 필드 레코딩 세션으로, 마치 사운드 필름처럼 론강(Rhône, 프랑스)의 갑문을 통과하는 과정을 담고 있다. 물은 하나의 생명 전체를 지탱할 수 있으며, 육상인들에게는 낯설게 들릴 강렬한 인간 활동의 소리들로 가득 차 있다. 강 위를 항해하면 소리 환경은 온전히 유동적이며, 물이 끊임없이 움직이고 있기 때문에 크고 작은 충돌과 충격들이 발생하기도 한다. 이 작품은 거대한 론강 갑문을 보트로 지나며 들려오는 물의 소리를 담은 것으로, 모든 것이 증폭되어 장엄한 충만함을 드러낸다.

볼라르(bollard)는 보트가 갑문 안에서 묶이는 수직 슬라이딩 장치로, 물이 갑문 안으로 떨어지는 동안 내내 불연속적이고 무작위적인 소리를 낸다. 이 거대한 소리의 대성당 속에는 이런 방식으로 ‘노래하는’ 볼라르가 대략 열두 개 정도 존재한다.

It’s a complete field recording session, kind of sound film of a passage through a lock on the River Rhône (France). The water can sustain an entire life and intense human activity full of strange sounds for “terrestrials”; navigating in rivers where the sound environment is all fluidity can also create shocks, more or less violent, since the water is in movement. This, therefore, is water heard from a boat passing through one of the immense locks on the Rhône, where everything is amplified and takes on a grandiose fullness.

A bollard is a vertical sliding system to which boats tie up in locks; it emits discontinuous random sounds during the whole time the water is falling in the lock, and there are about a dozen that “sing” in this way in this gigantic sonorous cathedral.

작가 프로필

크리스티앙 엘루아는 1945년 프랑스 아미앵에서 태어나 국립 지역 음악원에서 플루트와 작곡을 공부한 후, 파리 고등 음악원(Conservatoire Supérieur de Paris)으로 진학했다. 더블린에서 민족음악학을 접했다. 프랑스 파리에서는 GRM과 IRCAM에서 이보 말렉(Ivo Malec), 기 레이벨(Guy Reibel), 프랑수아 바이유(François Bayle)와 함께 전자음향 음악을 연구했다.

그는 보르도 음악원에서 24년간 전자음향 작곡과 교수로 재직했으며, 파리 GRM(Groupe de Recherches musicales) 워크숍에서도 17년간 교육 활동을 이어갔다. 또한 보르도 대학의 창작 및 연구 스튜디오 SCRIME의 공동 창립자이자 12년간 예술 감독을 맡았으며, 2014년에는 국제 전자음향 음악 경연대회 Concours de composition acousmatique petites formes를 공동 설립했다.

그는 50여 곡 이상의 기악곡, 성악곡, 전자음향 음악, 교육용 작품, 전자음향 동화, 아동 오페라 등을 작곡했으며, 이 중 다수는 프랑스 국립 기관, GRM, 라디오 프랑스의 위촉으로 제작되었다.

Born in 1945 in Amiens (France) where he studied flute and composition at Conservatoire National of Region, then he goes to Conservatoire Superior of Paris.

He met ethnomusicology in Dublin and electroacoustic music in Paris with Ivo Malec, Guy Reibel, François Bayle at GRM and IRCAM. Teacher for 24 years of the electroacoustic composition department at Conservatory in Bordeaux. Teacher for 17 years at the GRM (Groupe de Recherches musicales) workshops in Paris. Co-founder and artistic director of SCRIME for 12 years (creation studio and research lab) at Bordeaux University. Co-founder of International Competition Concours de composition acousmatique petites formes in 2014.

Composer of over fifty pieces of instrumental music, vocal, electroacoustic music, teaching pieces, electroacoustic tales, operas for children among which were commissioned by state, GRM and Radio France.

곡 설명

CityScape III(2024)는 2010년대 말에 시작된 도시 풍경 연작에 속한다. 이 작품은 포스트-콘크리트 접근 방식을 따르며, 주로 가전제품, 조명 장치, 그리고 산업 기계에서 나온 소리들을 가공하거나 원음 그대로 사용하여 상상의 풍경, 새로운 도시적 음향 공간을 구성한다.

CityScape III (2024) belongs to a cycle of urban-scape works commencing at the end of the 2010s. Following a post-concrete approach, sources derived mostly from domestic appliances, light equipment as well as industrial machinery -either processed or on their own-, compose imaginary landscapes, emerging urban sound spaces.

작가 프로필

Taxiarchis Diamantopoulos는 그리스 전자음악 작곡가 협회의 회원이다. 그는 아테네 미술학교에서 사운드 작곡을 가르치고 있다.

Taxiarchis Diamantopoulos is a member of the Hellenic Electroacoustic Music Composers Association. He holds a teaching position in Sound Composition at the Athens School of Fine Arts.

곡 설명

이 작품은 친밀하고 폐쇄적인 청각적 장소와 광활한 공간을 대비시키며, 그 상호작용을 통해 전개된다. 제목은 르네 마그리트(René Magritte)의 그림에서 차용한 것으로, 산악 풍경 속에 두 개의 관이 나란히 놓여 있는 장면을 묘사하고 있다. 작품의 원천 재료는 구형 배열의 18채널 마이크로 녹음되었으며, 고차 앰비소닉스(Higher Order Ambisonics)로 인코딩되었다. 본 작품은 2024년 여름, Musiques & Recherches의 지원을 받아 Métamorphose d’Orphée 스튜디오에서 완성되었다.

The work is contrasting aural places of intimacy and enclosure with expansive spaces and propagates through their interaction. The title is borrowed from a painting by René Magritte, depicting two coffins seated in a mountainous landscape. The source materials for the work have been recorded with an 18 channel microphones arrange in a globe shape, encoded in Higher Order Ambisonics. The work was completed with the support of Musiques & Recherches at the Métamorhose d'Orphée studio during in the summer of 2024.

작가 프로필

니코스 스타브로풀로스(그리스 아테네, 1975)는 주로 아쿠스마틱 및 혼합 음악을 작곡하는 작곡가다. 그는 영국 웨일스 대학교(University of Wales, Bangor)에서 음악을 전공하며 앤드류 루이스(Andrew Lewis)에게 작곡을 사사했고, 이후 영국 셰필드 대학교(University of Sheffield)에서 에이드리언 무어(Adrian Moore)의 지도를 받아 박사 학위를 취득했다. 그의 음악은 전 세계에서 정기적으로 연주되고 방송되며, 여러 차례 국제적으로 수상하기도 했다. 그의 작업은 아쿠스마틱 경험 속에서 촉각성과 몰입성의 개념, 그리고 음향 공간의 조직화에 중점을 두며, “청각적으로 있을 법한 불가능성(probable aural impossibilities)”을 추구한다. 2006년부터 그는 영국 리즈 베케트 대학교(Leeds Beckett University) 음악·사운드·퍼포먼스 그룹의 일원으로 활동하며, 현재 작곡 교수로 재직하며 전자음향 음악을 가르치고 있다. 또한 Echochroma New Music Research Group의 공동 창립자이며, 영국 전자음향 네트워크(BEAN)와 그리스 전자음악 작곡가 협회(HELMCA)의 회원이다.

Nikos Stavropoulos (Athens, Greece, 1975) is a composer of predominantly acousmatic and mixed music. He read music at the University of Wales (Bangor, Wales, UK), where he studied composition with Andrew Lewis and completed a doctorate at the University of Sheffield (England, UK) under the supervision of Adrian Moore. His music is performed and broadcast regularly around the world and has been awarded internationally on several occasions. His practice is concerned with notions of tangibility and immersivity in acousmatic experiences and the articulation of acoustic space, in the pursuit of probable aural impossibilities. Since 2006, he has been a member of the Music, Sound & Performance Group at Leeds Beckett University (Leeds, England, UK), where he is a Professor in Composition and lectures on Electroacoustic Music. He is a founding member of the Echochroma New Music Research Group, a member of the British ElectroAcoustic Network (BEAN) and the Hellenic Electroacoustic Music Composers Association (HELMCA).

곡 설명

이 작품은 도시 마을 칼리바타 풀로(Kalibata Pulo)의 밀집된 환경 속을 걷는 경험에서 출발한다. 그 속에서 드러나는 우연적이면서도 조직적인 강렬함은 고요와 움직임, 정지와 변화 가능성, 현재와 과거의 경계를 흐리게 만든다. 특히 막힌 파이프에서 흘러나오는 물소리와 빗방울이 흩뿌려지는 소리 등, 물이 지닌 음향적 질감과 음악적 측면을 탐구한다. 작품은 실제와 상상의 공간적 코드, 환경음, 인간의 활동, 그리고 물에 얽힌 기억과 성찰의 순간들을 교차적으로 삽입하며 전개된다.

Departing from a series of experiences walking in the dense environment of Kalibata Pulo as an urban village, with their random yet organized intensity, are experiences which blur the boundaries between what is calm and moving; what is still and what might change in the future; between the present and the past. The exploration of musical aspects and textures of the sound of water, in particular, in clogged pipes and sprinkle of rain, followed by spatial codes, both real and imaginary; environmental sounds, human activity, as well as inserts of reflective moments and their memory of water.

작가 프로필

반 루베르 파렌센은 자카르타를 기반으로 활동하는 아티스트이자 영화감독이다. 자카르타의 예술 단체 Forum Lenteng의 일원으로, 그의 영화는 다수의 국내외 영화제와 포럼에서 상영되었다. 음악 작곡, 사운드스케이프, 회화, 스케치, 콜라주 등 다양한 매체를 넘나들며 작업하며, 2023년부터는 자카르타 기반의 사운드 콜렉티브 SIGISORA와 함께 작곡 실천과 연구를 중심으로 한 사운드 기반 예술에 집중하고 있다.

Van Luber Parensen is an artist filmmaker based in Jakarta. He is part of Forum Lenteng, a cultural organisation in Jakarta. His films have been screened at several national and international festivals and forums. As an artist, he works in various mediums, such as musical composition, soundscapes, painting, sketching, and collage.

Since 2023, with SIGISORA, a sound collective based in Jakarta, he has been focusing on sound-based art, both in the realm of composition practice and study.

곡 설명

〈Acousma〉는 나의 사운드 워크(sound walk) 실천을 바탕으로 한 전자음향 작품이다. 이스탄불의 여러 장소에서 채집한 환경 필드 레코딩을 변형·조작하여 구성되었으며, 작품은 공간적 분위기를 드러내며 공허함과 무한함의 감각을 불러일으킨다. 동시에 즉흥적인 목소리와 멀리서 들려오는 동방적 선율은 다시금 지상으로의 귀환을 환기시킨다.

Acousma is an electroacoustic sound composition based on my sound walk practice. It is created through the manipulation of environmental field recordings taken from various locations in Istanbul. The piece constructs a spatial atmosphere evoking a sense of emptiness and infinity, while the use of improvised voice and distant Eastern tones evokes a return to the earthly.

작가 프로필

도아 위냐일라르(Doğa Ünyaylar)는 이스탄불을 기반으로 활동하는 사운드 및 현대 예술가이다.

Doğa Ünyaylar is a sound and contemporary artist based in Istanbul.

곡 설명

독일 Wiesbaden에서 직접 녹음한 도시의 사운드스케이프는 시간의 흐름에 따라 진행되지만, 녹음 당시 함께 기록된 작가의 심박수 변화에 맞춰 재생 속도가 끊임없이 변동한다. 이로 인해 재생 속도의 변화와 함께 음고 또한 변하며, 원본 재생 시간은 약 15분에 달한다. 이를 통해 청중은 작가의 상태에 따른 시간의 상대성과 그로 인한 비선형성을 체험하게 된다. 이는 마치 무언가에 몰입할 때 시간이 빠르게 흐르고, 반대로 집중하지 못할 때는 시간이 느리게 흐르는 것과 같은 감각을 불러일으킨다. 또한, 약 100년에 걸쳐 도시와 함께한 나무의 나이테 데이터를 활용해 생성된 소리를 역재생한 리듬은 정방향으로 재생되는 사운드스케이프와 동시에 재생된다. 나무의 내부·외부 요인에 의해 비선형적으로 기록된 나이테는 불규칙한 파형을 형성하며 독특한 리듬을 만들어낸다. 이 리듬은 현재의 15분보다 빠르게 진행되고 반복되면서 과거와 현재를 교차시키고, 시간의 흐름을 선형이 아닌 다층적이고 비선형적인 형태로 표현한다.

이 작품을 통해 관객은 소리를 통해 전달되는 비선형적인 시간 지각을 경험할 수 있다.

This work is a sound art piece based on the urban soundscape and tree ring data, presenting a nonlinear perception of time.

The urban soundscape, recorded live in Wiesbaden, Germany, unfolds along the flow of time. However, the playback speed continuously fluctuates according to the artist’s recorded heart rate during the recording session. These variations in playback speed are accompanied by corresponding changes in pitch. The original recording lasts approximately 15 minutes.

Through this, the audience experiences the relativity of time as influenced by the artist’s physiological state, evoking a nonlinear perception of time. It mirrors the sensation where time seems to speed up when deeply focused and slow down when doing nothing.

Additionally, rhythms created by reversing sound generated from approximately 100 years of tree ring data—collected from a tree that has coexisted with the city—are played simultaneously with the forward-moving soundscape.

The tree rings, recorded nonlinearly due to internal and external factors, form irregular waveforms that generate unique rhythms. These rhythms progress faster than the 15-minute urban soundscape, repeating and intertwining past and present, thereby expressing the flow of time as a multi-layered, nonlinear phenomenon rather than a linear sequence.

Through this work, the audience can experience a nonlinear perception of time conveyed through sound.

작가 프로필

EP [Pale] 발매 (2020)

Johannes Gutenberg University Mainz (Hochschule für Musik) / Germany Master of Music (Klangkunst), 2024~ 재학중

전시 및 공연: Atem Project, 2024 (Mainz, Germany) · Jack in the BlackBox, 2024 (Mainz, Germany) · To hear a Sound is to see a Space, 2025 (Trier, Germany) · SoundArt for Digital Metamorphosis, 2025 (Dijon, France) · To See a Space is to Imagine Sounds, 2025 (Koblenz, Germany)

그 외 사운드 아트, 미디어 아트 작업 다수

EP [Pale] (2020)

Johannes Gutenberg University Mainz (Hochschule für Musik) / Germany Master of Music (Klangkunst), 2024~

Exhibition & Performance: Atem Project, 2024 (Mainz, Germany) · Jack in the BlackBox, 2024 (Mainz, Germany) · To hear a Sound is to see a Space, 2025 (Trier, Germany) · SoundArt for Digital Metamorphosis, 2025 (Dijon, France) · To See a Space is to Imagine Sounds, 2025 (Koblenz, Germany)

Numerous other sound art and media art works.