[5'28", 2026]

곡 설명

같은 행성에 공존하는 인간과 동물은 그리스 전역에서 진행한 필드 레코딩을 통해 이 작품 안에서 하나가 된다. 이들은 옹알거리고, 꽥꽥대고, 말하고, 소리치고, 노래하고, 성가를 부르고, 기도한다. 칠면조, 올빼미, 닭의 소리를 비롯해 아기와 십 대 청소년, 야외 시장의 농부, 떠돌이 노점상, 그리고 노래와 성스러운 성가 소리를 통해 시골에서 도시인 아테네로 이어지는 짧은 여정이 펼쳐진다. 이 곡에는 어떠한 오디오 이펙트도 사용하지 않았다. 모든 소리는 줌 H5 녹음기를 사용하여 아테네와 나의 고향인 그리스 펠로폰네소스의 라헤스 마을에서 녹음했다.

Humans and animals, co-inhabitants of the same planet, come together in this composition through field recordings made across Greece. They gurgle, cackle, speak, cry out, sing, chant, and pray. A short journey from the countryside to the city (Athens) unfolds through the sounds of turkeys, owls, and chickens, alongside babies and teenagers, farmers at open-air markets, and itinerant street vendors, as well as songs and sacred chants. No audio effects were used in this composition. All sounds were recorded in Athens and at my village Raches, Peloponnese in Greece using a Zoom H5 recorder.

작가 프로필

Magda Lampropoulou(1977)는 그리스 아테네를 기반으로 활동하는 조각가이자 사운드 아티스트다. 오디오, 퍼포먼스, 조각, 설치, 영상 등 다양한 표현 매체를 아우르며, 아테네 미술학교에서 조각을 전공했다. 여러 전시·페스티벌 참여를 통해 자신의 작업 방법론을 정립해 왔으며, 〈When in kitchen〉이 《The Wire》 매거진 차트 페이지(493호, 2025년 3월)에 소개되고 'Ars Electronica Forum Wallis 2026'에서 특별 언급을 받았다.

Magda Lampropoulou (1977) is a sculptress and sound artist based in Athens, Greece. Her artwork engages with diverse, expressive media including audio, performance, sculpture, installations, and video. She holds a degree in Sculpture from the Athens School of Fine Arts. Her participation in exhibitions and festivals has resulted in her identifying her work methodology (On Air-On Site / Sonorities Festival / Radiophrenia / Subset Festival / The Lake Radio / Tectonics Athens). "When in kitchen" composition included in The Wire's magazine charts page (issue 493 - March 2025) and was given a special mention at the "Ars Electronica Forum Wallis 2026".

[10'30"]

곡 설명

〈Heaven in Spiritual Darkness〉는 영적 성찰, 제의적 반복, 그리고 인간 신앙의 감정적 양면성을 탐구하는 전자음향 작곡 작품이다. 실험적인 신호 처리와 음향 포착에 바탕을 둔 이 작품은 '함께 듣기'라는 축제의 주제에 맞춰 '어둠 속에서 기도할 때 무슨 일이 일어나는가'라는 핵심적인 질문을 파고든다. 작품의 개념적 토대는 축복을 전하고 빛을 널리 비추기 위해 낭송하는 불교의 전통적인 발원문에서 가져왔다. 불교 수행에서 이 구절들은 7번이나 49번씩 엄격한 주기로 반복되는데, 이 숫자들은 깊은 구조적 변화와 통과, 갱신을 상징한다. 전통적인 기도가 따뜻함과 빛을 뿜어낸다면, 〈Heaven in Spiritual Darkness〉는 그 축을 어둠으로 이동시킨다. 미세한 음향적 상호작용과 섬세한 청각적 질감을 갑작스럽고 강렬한 전자음의 역동성과 대비시킴으로써 희망과 절망, 추구와 상실, 부서짐과 치유, 믿음과 배신, 존재와 부재라는 상반된 감정 상태 사이의 마찰을 환기한다. 이 작품은 정적인 기도 녹음본을 그대로 제시하는 대신, 질감의 미묘한 마찰과 숨소리, 물리적인 공간의 잔향을 포착한 어느 대만인의 기도 필드 레코딩 단 하나를 전자음향 처리 및 피치 트래킹 과정에 직접 통합한다. 작품에 등장하는 모든 드론 사운드, 스펙트럼의 흐름, 신시사이저 같은 질감은 이 단 한 문장에서 추출해 다시 가공한 것이다. 이러한 방법론을 통해 밝은 음성의 진동을 어둡고 긴장감 넘치는 스펙트럼의 전자음 영역으로 변화시키는 과정은 어둠 속에서 기도하는 행위를 직접적으로 비춘다. 이 작품은 완전히 어두워진 방 안에서 감상하도록 구상되었으며, 공간 한가운데에 놓여 수직으로 빛을 쏘아 올리는 단 하나의 백색 손전등이 시각적 중심을 잡아준다. 청자들은 바닥에 앉거나 누워 작품을 깊이 있게 경험하도록 안내받는다.

〈Heaven in Spiritual Darkness〉is an electroacoustic composition that explores spiritual reflection, ritualistic repetition, and the emotional dualities of human faith. Grounded in experimental signal processing and acoustic capture, the piece investigates a central question aligned with the festival's theme "listen with": What happens when we pray in the dark? The conceptual foundation of the work draws from traditional Buddhist Dedicatory Verses—chants traditionally recited to transmit blessings and radiate light. In Buddhist practice, these verses are repeated in strict cycles of 7 or 49 times, numbers that symbolise deep structural transformation, passage, and renewal. While traditional prayers radiate warmth and light, Heaven in Spiritual Darkness shifts the axis into shadow. It opposes subtle sonic interactions and delicate acoustic textures against sudden, intense electronic dynamics, evoking the friction between opposing emotional states: hope and despair, pursuit and loss, breaking and healing, belief and betrayal, presence and absence. Rather than presenting static recorded chants, the piece integrates a single field recording of a Taiwanese's pray—capturing subtle textural friction, breath, and physical spatial decay—directly into electronic processing pipelines and pitch-tracking workflows. every drone, spectral wash, and synth-like texture in the piece is re-processed directly from this single sentence. Through this methodology, shifting bright vocal vibrations into dark, spectral, and tense electronic territories directly mirrors the process of praying in the dark. The work is conceived for an ideal presentation inside a completely darkened room, anchored by a single visual element: a single white torch light positioned at the centre of the space, pointing directly upward. Listeners are invited to sit or lie down on the floor to experience the piece deeply.

작가 프로필

Katherine Lee는 영국을 기반으로 활동하는 홍콩 출신 작곡가-연주자로, 전자·실험 음악과 고쟁(古箏, guzheng) 연주를 전문으로 한다. 아시아의 음향 전통과 서구의 실천을 통합하며, 악기·사물·공간 안의 미묘한 음향적 가능성을 탐구하며, 섬세한 질감을 강렬한 순간과 대비시켜 문화적 정체성, 정치, 인권 문제를 다룬다. 듀오 컬렉티브 INTONARU의 공동 창립자이며, 그의 작업은 장소특정적·공간화·학제 간 프로젝트를 아우른다. 최근 MA/IN Festival Rome, Sonorities Festival Belfast, Brighter Sound 등에서 발표했다.

Katherine Lee is a Hong Kong composer-performer based in the UK, specializing in electronic, experimental music, and guzheng performance. Integrating Asian sonic traditions with Western practices, her work explores subtle sonic possibilities within instruments, objects, and space—contrasting delicate textures with moments of intensity to examine cultural identity, political, and human rights issues. Co-founder of the duo collective INTONARU, her portfolio spans site-specific, spatialized, and interdisciplinary projects. Recent works include presentation with MA/IN Festival Rome, Sonorities Festival Belfast, Brighter Sound. Collaborations with Royal Northern College of Music's Choir, Clod Ensemble, Explore Ensemble, and Manchester Contemporary Youth Opera.

[12'06", 2025]

곡 설명

〈The Pebble〉은 조약돌 하나가 잠이 들어 바다의 해류에 휩쓸려 가는 상상 속의 순간에서 출발하는 사운드스케이프 작곡 작품이다. 작곡의 중심에서 이 돌은 소리를 내는 음원으로 탐구되며, 그 단단한 재질은 여러 과정을 거쳐 유동성, 파편화, 소용돌이치는 움직임을 연상시키는 기동력, 리듬, 음향적 질감을 얻게 된다. 이렇게 만들어진 소리 재료는 때로는 독립적으로, 때로는 필드 레코딩 속에 섞여 나타나며 청자를 상상력이 풍부하고 신비로운 음향 풍경 속으로 몰입하게 한다. 작품은 인간의 몸, 자연물, 그리고 이들이 깃들어 사는 환경이 나누는 공유 과정으로서의 듣기를 탐구한다. 〈The Pebble〉은 필드 레코딩을 다큐멘터리적 관행으로 대하는 대신 장소와의 대화로 접근한다. 녹음된 소리는 풍경의 정적인 재현이 아니라 몸짓, 공명, 환경의 존재감이 끊임없이 서로를 형성하는 만남의 흔적으로 제시된다. 소리 재료의 대부분은 작곡가가 직접 개발한 자작 악기인 리토실레이터를 사용해 만들었다. 이 악기는 압전 마이크를 부착한 두 개의 돌로 이루어져 있으며, Max/MSP로 설계된 맞춤형 알고리즘 처리 과정을 통해 그 소리가 확장된다. 이 혼합형 악기는 연주, 녹음, 듣기의 수단으로 동시에 작동하며, 그렇지 않았다면 감지할 수 없었을 음향적 세부 사항들을 드러내 준다.

〈The Pebble〉is a soundscape composition that begins with the imaginative moment in which a pebble "falls asleep" and is carried along by the currents of the sea. At the heart of the composition, the stone is examined as a sound-producing source, where its rigid material, through various processes, acquires mobility, rhythm, and sonic textures suggesting fluidity, fragmentation, and swirling motion. The resulting sound material is sometimes presented independently and sometimes embedded within field recordings, inviting the listener to immerse themselves in an imaginative and mysterious soundscape. The composition explores listening as a shared process between the human body, natural materials, and the environments they inhabit. Rather than treating field recording as a documentary practice, The Pebble approaches it as a dialogue with place. The recorded sounds are not presented as static representations of a landscape but as traces of an encounter, where gesture, resonance, and environmental presence continuously shape one another. Most of the sonic material was created using LithOSCillator, a DIY instrument developed by the artist, consisting of two stones fitted with piezoelectric microphones and extended through custom algorithmic processes designed in Max/MSP. This hybrid instrument functions simultaneously as a means of performance, recording, and listening, revealing sonic details that would otherwise remain imperceptible.

작가 프로필

Kostas Frantzis는 그리스를 기반으로 활동하는 음악가이자 사운드 아티스트다. 그리스 전자음향음악작곡가협회(HELMCA)의 회원이며, 연극·무용·퍼포먼스 아트·인터랙티브 시청각 설치 등 넓은 공연예술 분야의 예술가들과의 협업과 다양한 창작 프로젝트를 통해 음악과 소리를 탐구한다. 2016년 Kentro Artistic Group을 창립했다.

Kostas Frantzis is a musician and sound artist based in Greece. He is a member of the Hellenic Electroacoustic Music Composers Association (HELMCA). He explores music and sound through various creative projects and collaborations with artists in the broader field of performing arts (theatre, dance, performance art, interactive audiovisual installations, etc.). In 2016 he founded Kentro Artistic Group.

[7'07"]

곡 설명

〈Morphogenesis〉는 여러 단순한 개체들의 협력적인 노력을 통해 복잡한 생명체가 형태를 갖추어 가는 동명의 생물학적 과정에서 이름을 따온 아쿠스마틱 작곡 작품이다. 이 작품은 거시적 구조와 이를 조형하는 작고 기본적인 음향 개체들을 동시에 조명한다. 곡의 작곡은 원본 필드 레코딩 라이브러리에 바탕을 두었으며, 포함된 소리들이 제공하는 음향적 특성이 사운드 디자인과 작곡 과정의 발전을 이끌고 결과적으로 작품 자체의 진화를 주도했다. 물질과 함께 듣기: 이 작품은 작곡가가 창작 과정에 내재시킨 엄격한 자기 제한에 의존한다. 이러한 제약은 작곡 과정에서 소리 물질에 깊이 동화되도록 강제하여, 피상적인 훑어보기가 아닌 심층적인 탐구를 이끌어냈다. 창발성과 함께 듣기: 작곡 구조는 미리 정해지지 않았다. 대신 사운드 디자인, 소리 재료의 디지털 조작, 작곡의 전개 사이에서 펼쳐지는 반복적인 피드백 루프를 통해 떠올랐다. 복잡한 생태계와 함께 듣기: 스튜디오에서 고도로 통제된 채 조각되고 디자인된 음향 오브제와 날것의 필드 레코딩 소리 재료를 섞음으로써, 이 작품은 세공된 내부의 미시적 공간과 인간의 통제를 벗어난 외부의 음향 환경 사이의 간극을 이어준다. 제한된 사운드 라이브러리는 세 가지 뚜렷한 출처에서 비롯된다. 1. 기계식 도어록: 사방이 막힌 복도에서 근접 마이킹으로 녹음했다. 2. 합성 플라스틱 봉투: 방음 처리된 녹음 부스에서 근접 마이킹을 통해 포착한 부드럽고 트랜지언트가 풍부한 질감이다. 3. 배수로 환경 필드 레코딩: 야외에서 녹음한 이 음원은 주로 잔해에 막힌 물줄기의 리드미컬한 소리를 담고 있으며 거리를 두고 녹음하여 자연적, 인위적인 환경 소음의 유입을 자연스럽게 포함했다.

〈Morphogenesis〉 is an acousmatic composition named after the homonym biological process through which a complex living organism is shaped through the cooperative efforts of several simpler entities. Morphogenesis highlights simultaneously the macrostructure and the small, elementary sonic entities shaping it. The composition of the piece relied on an original library of field recordings; the sonic affordances of the sounds included guided the development of both the sound design and compositional processes and, consequently, the evolution of the piece itself. Listening with the material: the piece relies on a strict self-limitation embedded by the composer in the creative process. This constraint forced, at composition time, to an intimate assimilation of the sonic matter, fostering deep exploration rather than a superficial overview. Listening with emergence: the compositional structure was not predetermined. Rather, it emerged through an iterative feedback loop unfolding between sound design, digital manipulation of the sonic material, and development of the composition. Listening with complex ecologies: by blending highly controlled studio-sculpted and designed sonic objects with raw, field recorded sound material, the piece bridges the gap between internal, crafted micro-spaces and external sonic environments beyond human control. The restricted sound library stems from three distinct sources: 1. Door lock (mechanical): recorded via close-miking in an enclosed corridor. 2. Plastic envelope (synthetic): soft, transient-rich textures captured by close-miking in an acoustically insulated recording booth. 3. Drain canal (environmental field recording): recorded outdoor, this source primarily features a rhythmic water stream choked by debris made from a distance, naturally embedding environmental leakages, both natural and anthropogenic.

작가 프로필

Enrico Dorigatti는 다양한 형식을 넘나드는 사운드·디지털 아티스트이자 작곡가, 크리에이티브 테크놀로지스트다. 비결정성, 시청각 상호작용, 생성 시스템, 그리고 창작 과정에서 작가와 외부 행위자 사이에 공유되는 행위성을 탐구하며, 그의 작업은 기술과 코드의 활용에 뿌리를 두고 있다. 음악원에서 전자음향 작곡으로 학사·석사 학위를 받았고 IT 분야의 폭넓은 경력을 지녔으며, 영국 포츠머스 대학교 창의문화산업학부에서 크리에이티브 테크놀로지 박사 학위를 받았다. 그의 예술 작업과 연구는 국제적으로 소개되어 왔다.

Enrico Dorigatti is a sound/digital artist, composer, and creative technologist working across a diverse range of formats. His practice explores non-determinism, audio-visual interaction, generative systems, and shared agency between the artist and external agents within the creative process. His artistic production is rooted in the use of technologies and code. A conservatory graduate (BA and MA degrees in electroacoustic music composition) with an extensive IT background, he holds a PhD in creative technologies from the University of Portsmouth (UK), faculty of Creative and Cultural Industries. His artistic and scholarly work has been presented internationally.

[10'12", 2024/25]

곡 설명

〈Archetextures〉는 건축 현상과 건축 실천 양쪽 모두의 기저에 깔린 원형을 탐구하는 일련의 전자음향 작곡 작품으로 디시파티오 레코즈를 통해 발매될 예정이다. 이는 공간적 경험, 나아가 더 깊은 실존적 경험의 상징이나 형태에 실체와 음향적 질감을 부여하려는 개인적인 시도를 담고 있다. 〈Archetexture #2 - Wall〉은 단순히 경계가 아니라 장벽, 장애물, 그리고 분열과 분리의 상징으로서의 벽이라는 개념을 중심으로 회전한다. 이 작품의 주요 심상은 벽돌을 한 장씩 쌓아 올리듯 스스로 구축되며 솟아올라 공간을 채우고 틈을 만들어 내는 '소리의 벽'이다. 이것은 공간에 불연속성을 만들어 '내부'와 '외부'를 갈라놓는다. 벽은 보호를 제공할 수도 있지만, 방어적이고 심지어 편집증적인 의미를 띠며 이를 수행한다. 실제로 벽은 통과를 막는 극복할 수 없는 한계이며, 그렇기에 고립과 소외, 소통 단절을 담는 그릇이 된다. 나아가 벽은 저항, 견고함, 겉으로 보이는 부동성의 상징으로 서 있지만, 결국 그것조차 허물어질 수 있다.

〈Archetextures〉 is a series of electroacoustic compositions (forthcoming on Dissipatio Records) exploring the archetypes underlying both the phenomenon and the practice of architecture. It represents a personal attempt to give substance and sonic texture to symbols or configurations of spatial - and, more profoundly, existential - experiences. 〈Archetexture #2 - Wall〉 revolves around the concept of the wall - not merely as a boundary, but as a barrier, an obstacle, and a symbol of division and separation. The piece's primary imagery is that of a 'wall of sound' that constructs itself brick by brick, rising to fill the space and forging a rift: it divides, creating a discontinuity in space that severs the 'inside' from the 'outside'. While it may offer protection, it does so with a defensive, almost paranoid connotation. Indeed, the wall is an insurmountable limit that thwarts passage; as such, it becomes a vessel for isolation, alienation, and the breakdown of communication. Furthermore, it stands as a symbol of resistance, solidity, and apparent immobility - yet, ultimately, it too can crumble.

작가 프로필

David Rossato (1967)는 건축가,비주얼 디자이너, 상담사, 작곡가, 전자음악가다. 미술 설치와 비디오 아트, 연극, 시 낭독을 위한 음악, 단편·장편 영화 사운드트랙을 작곡해 왔다. 그의 작품은 여러 작곡 경연에서 연주·수상되고 현대음악 페스티벌에 선정되었다. 게슈탈트 상담 석사를 마친 뒤, 돕는 관계에서의 소리 사용과 여러 전통·신비 문화의 치유 실천에 매료되어 트랜스퍼스널 심리학, 음악치료 기법, 샤머니즘(그가 직접 수행하고 안내하는 길)에 심취하게 되었다.

I trained as an architect and am a visual designer, counsellor, composer, and electronic musician. I've written music for art installations and video art, for theatre, for poetry readings, and soundtracks for short and feature films. My pieces have been performed and awarded in various composition competitions and selected for contemporary music festivals. After completing a Master's in Gestalt Counselling, fascinated by the use of sound in helping relationships and, above all, by healing practices used in many traditional and mystical cultures, I became passionate about transpersonal psychology, music therapy techniques, and shamanism (a path I practise and guide others on).

[26'05", 2026]

곡 설명

〈Entramadas Anfibias〉는 볼리비아의 카라스코 국립공원과 타리키아 국립공원에서 진행한 일련의 소리 탐사 작업 이후 창작된 우리의 첫 공동 라디오 사운드 작품이다. 이 작품의 초기 버전은 17개국 24개 자유 라디오 방송국 연합인 라디아 네트워크의 위촉으로 라디오 패닉을 위해 제작되었다. 이 곡은 라디아 네트워크를 통해 방송되었으며 2023년 6월 볼리비아 코차밤바의 수르 아우랄 페스티벌, 2023년 8월 글래스고 라디오프레니아 페스티벌, 2023년 11월 칠레 초나미 페스티벌에서 소개되었다. 그곳에서 우리는 자연을 낭만화하는 시선과는 철저히 거리를 둔 채 환경 보존의 역설 속에 깊이 빠져들었다. 카라스코 국립공원은 생태 통로 역할을 하며, 볼리비아 안데스산맥의 고유종인 세우엔카스 수생 개구리의 마지막 서식지다. 오늘날 이 종은 대규모 수력 발전 댐 건설로 인해 멸종 위기에 처해 있다. 타리키아 국립보존지역은 탄화수소 추출이라는 또 다른 시급한 위협을 마주하고 있다. 2026년 무렵 상황은 임계점에 도달했다. 타리키아에서는 이 지역의 유일한 거대 수자원인 국립공원을 지키려 애쓰는 지역 사회 지도자들이 박해를 받고 범죄자로 내몰리고 있다. 이러한 이유로 2026년에 이 작품을 다시 들여다보고 하나의 고발 행위로 탈바꿈시켰다. 검열 탓에 말로 표현할 수 없게 된 사실을 사운드 아트를 통해 폭로하는 시적이면서도 정치적인 제안인 셈이다. 작품은 세 악장으로 펼쳐진다. 첫 번째 악장은 지역 공동체와 인간 너머의 세계를 잇는 관계를 드러내고, 두 번째 악장은 타리키아 위로 밝아오는 새벽을 환기하며, 세 번째 악장은 자원 추출주의가 영토에 미치는 영향을 폭로하는 동시에 지구상에 존재하는 생명의 놀라운 회복력에 목소리를 부여한다.

〈Entramadas Anfibias〉 is our first collaborative radio sound piece, created following a series of sound expeditions carried out in the Carrasco and Tariquía National Parks in Bolivia. The first version of the piece was originally commissioned by Radio Panik for the Radia network (an international collective of 24 free radio stations across 17 countries). It was broadcast through the Radia network and presented at the Sur Aural Festival (Cochabamba, Bolivia, June 2023), Radiophrenia Festival (Glasgow, August 2023), and the Tsonami Festival (Chile, November 2023). There, we found ourselves immersed in the paradoxes of conservation, far removed from any romanticized vision of nature. Carrasco National Park serves as an ecological corridor and is home to the last remaining Sehuencas water frogs, an aquatic species endemic to the Bolivian Andes. Today, this species is threatened with extinction by the construction of a major hydroelectric dam. Tariquía National Reserve faces a different but equally pressing threat: hydrocarbon extraction. By 2026, the situation has reached a critical point. In Tariquía, community leaders defending the reserve are being persecuted and criminalized for attempting to protect this national park, the region's only major water reservoir. For this reason, the piece was revisited in 2026 and transformed into an act of denunciation—a poetic and political proposal that uses sound art to reveal what censorship prevents from being expressed through words. It unfolds in three movements: the first reveals the relationships connecting local communities with the more-than-human world; the second evokes dawn breaking over Tariquía; and the third exposes the impact of extractivism on the territory while simultaneously giving voice to the extraordinary resilience of life on Earth.

작가 프로필

Léa Roger는 라디오 다큐멘터리 제작자, 필드 레코디스트, 하프 연주자, 전자음향 작곡가다. 인류학·민족음악학(EHESS 파리 – 브뤼셀 자유대학교)을 공부한 뒤 몽스 왕립음악원에서 아쿠스마틱 작곡 석사를 마쳤다. 2022년부터 벨기에(특히 브뤼셀 주변의 탈산업 부지)와 볼리비아에서 멸종 위기 양서류 보전을 연구하는 파충양서류학자, 지역 공동체와 협력해 사운드 생태 프로젝트에 참여해 왔다. 볼리비아 사운드 아티스트·연구자 크리스티나 카네도와 긴밀히 협업한다.

Léa Roger is a radio documentary maker, field recordist, harpist, and electroacoustic composer. She studied anthropology and ethnomusicology (EHESS Paris – Université libre de Bruxelles) before to achieve a master degree in Acousmatic Composition at the Royal Conservatory of Mons. Since 2022, Léa Roger has been involved in sound ecology projects, primarily in Belgium (particularly in post-industrial sites around Brussels) and Bolivia, in collaboration with herpetologists specializing in the conservation of endangered amphibians and with local communities. She works in close collaboration with Bolivian sound artist and researcher Cristina Canedo.

Cristina Canedo Bass Werner는 볼리비아의 사운드 탐구자, 연구자, 문화 기획자다. 생물학·인류학·사운드/라디오 예술을 훈련받았으며, 그의 실천은 필드 레코딩, 음향 생태, 사변적 우화(speculative fabulation)의 영역을 넘나든다. 생물음향, 생물학적 매개변수의 소니피케이션, 음향 신호 작업을 통해 살아 있고 보이지 않는 세계의 음향 패턴을 드러내고자 한다. 사운드 아트 컬렉티브 Radio Qapisqa의 창립자이자 멤버다.

Cristina Canedo Bass Werner is a Bolivian sound explorer, researcher, and cultural manager. Trained in biology, anthropology, and sound and radio arts, her practice moves across the territories of field recording, acoustic ecology, and speculative fabulation, drawing on border thinking and decolonial epistemologies. Through bioacoustics, audio naturalism, the sonification of biological parameters, and work with acoustic signals, she seeks to reveal the sonic patterns underlying occurrences, metrics, and abstractions within the living and invisible worlds. she is the founder and a member of the sound art collective Radio Qapisqa.

[27'00", 2026]

곡 설명

〈The Game〉은 망명 신청자들이 보스니아와 크로아티아 사이의 육로 국경을 넘어 유럽 연합으로 들어가려 시도하는 행위에서 그 이름을 따왔다. 이른바 서발칸 이주 경로에 위치하며 국경에서 불과 10km 떨어진 비하치는 지난 15년 동안 '게임'을 시도하는 출발점으로 이용되어 왔다. 인근 가라비체 언덕의 기념비에서 내려다보이는 지역 묘지에는 국경을 넘는 데 실패한 수많은 이들의 묘역이 작고 초라하게 방치되어 있다. 이들은 강을 따라 구불구불 이어지는 철로에서 뛰어내린 뒤 우나강에 빠져 익사하거나, 곰을 마주치거나, 90년대 전쟁 당시 터지지 않고 남은 지뢰를 밟거나, 크로아티아 국경 경찰의 잔혹한 강제 추방으로 입은 부상 때문에 목숨을 잃었다. 덧붙여 이 제목은 이주민 위기가 최고조에 달했을 때 망명 신청자들의 임시 피난처로 쓰였던 지역 축구 경기장을 가리키기도 한다. 현재 유럽에 권위주의가 부상하는 현상과 대조적으로, 비하치는 제2차 세계 대전 당시 나치 동맹군으로부터 가장 먼저 해방된 지역이었다. 유고슬라비아가 남반구 국가들과 맺은 반식민주의 연대를 포함하여 그 건국 이념이 처음 구체화된 곳도 바로 이곳이다. 이 작품은 가라비체와 관련된 장소들의 성좌적 연결망 중 한 부분씩을 각각 조명하는 9개의 주제별 장으로 전개되며 한 무리의 망명 신청자들이 야간에 은밀히 국경을 넘을 준비를 하는 시점에서 끝을 맺는다. 이 작업은 2022년부터 2024년까지 보스니아 북서부 지역을 수차례 오가며 수집한 필드 레코딩으로 구성되었다. 앰비소닉 마이크, 컨택트 마이크, 코일 마이크, 샷건 마이크, 하이드로폰, 스마트폰, 블랙박스 등을 사용해 소리를 포착했다.

The Game takes its name from the attempts made by asylum-seekers to reach the EU via the overland border between Bosnia and Croatia. Located on the so-called Western Balkan migrant route—and only 10 kilometres from the border—Bihać has for the last 15 years been used as a point from which to attempt 'the game'. Visible from the nearby monument on Garavice Hill is the local cemetery which contains a small, unkempt plot of graves of many who did not succeed—either drowning in the Una river after jumping off the trainline which snakes along beside it, encountering bears or unexploded land mines from the 90's wars, or as a result of injuries sustained by the brutal push-backs administered by the Croatian border police. Additionally, the title references the local football stadium which at the height of the migrant crisis was used as a makeshift refuge for asylum-seekers. In contrast to the rising authoritarianism in Europe at present, Bihać was the first region liberated from Nazi-allied forces in WWII. It was here that the founding principles of Yugoslavia, including its anti-colonial engagement with the global south were first fleshed out . The composition unfolds over nine thematic chapters each focusing on one part of the constellational matrix of sites related to Garavice. Concluding at the point at which a group of asylum-seekers prepare to make a covert, nighttime border crossing. The work is comprised of field recordings created over multiple trips to the region of North-West Bosnia between 2022 and 2024. Captured using ambisonic, contact, coil and shotgun microphones, hydrophones, smartphone and a dashcam.

작가 프로필

D A Calf는 나름/멜버른 을 기반으로 활동하는 사운드·설치 예술가이자 연구자로, 주로 소리·텍스트·사진을 다루며 실패한 모더니즘의 잔재와 잠재된 가능성을 탐구한다. 현장 작업과 아카이브 연구를 통해 그의 실천은 소리와 장소의 아카이브 — 불가능하고, 숨겨지고, 논쟁적인 — 와 씨름한다. Liquid Architecture(호주), Dark Mofo(호주), Cité Internationale des Arts(프랑스), Footnote Centre for Image and Text(세르비아), BLADR Bureau for Listening(덴마크) 등에서 작품을 발표했다. 그의 연구는 Journal of Sound Studies, Book 2.0, Australian and New Zealand Journal of Art에 게재되었다.

D A Calf is a Naarm/Melbourne-based sound and installation artist and researcher, working predominantly with sound, text and photography to explore the remnants and dormant possibilities of failed modernisms. Through field work and archival research his practice contends with archives—impossible, hidden, contested, and otherwise—of sound and place. He has previously presented works at Liquid Architecture (Australia), Dark Mofo (Australia), Cité Internationale des Arts (France), Footnote Centre for Image and Text (Serbia), and BLADR Bureau for Listening (Denmark). His research has been published in the Journal of Sound Studies, Book 2.0, the Australian and New Zealand Journal of Art and has presented at conferences in Croatia, the UK, Brazil, Serbia, Russia, and Australia.

[6'02"]

곡 설명

〈Chrysalis〉는 그래뉼러 합성, 잔향 처리, 공간화, 그리고 특정 주파수 영역의 선택적 조작을 통한 소리 변형에 대한 광범위한 탐구를 바탕으로 한 스테레오 아쿠스마틱 작곡 작품이다. 이 곡의 소리 재료는 한국의 소프라노 이실비아의 성악 녹음을 전자음향으로 변형한 것들을 포함한다. 작품 전반에 걸쳐 목소리, 환경음, 합성된 재료들은 점진적으로 해체되고, 파편화되며, 다시 맥락화된다. 이를 통해 알아볼 수 있는 소리의 흔적과 추상적인 전자음향 질감 사이의 끊임없는 대화가 생성된다. 형식적 구조는 에너지의 연속적인 축적을 통해 전개되며, 음색의 밀도와 스펙트럼의 긴장감, 그리고 공간적 움직임이 지각적 강렬함이 최고조에 달하는 지점을 향해 모여든다. 〈Chrysalis〉는 테이프와 목소리를 위한 이전 작업인 〈CRI-NAB〉과 유전적 소재를 공유하지만, 번데기가 나비로 변태하는 과정을 은유적으로 환기하며 뚜렷하게 다른 형식적 궤적을 발전시킨다. 더 넓게 보면 이 작품은 자연과 인간 실존 모두의 근본 원리인 변화에 바치는 헌사로 구상되었다. 이 곡에는 번데기가 발견될 법한 서식지와 관련된 자연 환경에서 작곡가가 직접 수집한 필드 레코딩이 섞여 있다. 움직이는 돌이 만들어 내는 충격음, 마른 나뭇잎이 바스락거리는 소리, 나뭇가지와 덤불의 미세한 소음 등이 여기에 포함된다. 이 녹음들은 다큐멘터리 형태로 제시되는 대신 그래뉼러 변형, 스펙트럼 필터링, 잔향 처리, 타임 스트레칭, 공간화를 거쳐 폭넓게 가공되었으며 작품의 전자음향적 뼈대 속에 완전히 스며든다.

〈Chrysalis〉is a stereophonic acousmatic composition based on an extensive exploration of sound transformation through granular synthesis, reverberation, spatialization, and the selective manipulation of specific frequency regions. Its sonic materials include electroacoustic transformations of vocal recordings by the Korean soprano Silvia Lee. Throughout the piece, vocal, environmental, and synthetic materials are progressively deconstructed, fragmented, and recontextualized, generating a continuous dialogue between recognizable sonic traces and abstract electroacoustic textures. The formal structure unfolds through successive accumulations of energy in which timbral density, spectral tension, and spatial movement converge toward climaxes of heightened perceptual intensity. 〈Chrysalis〉shares its genetic material with the tape-and-voice work 〈CRI-NAB〉, yet develops a distinct formal trajectory metaphorically evoking the transformation of a chrysalis into a butterfly. More broadly, the work is conceived as a tribute to transformation as a fundamental principle of both nature and human existence. The composition incorporates original field recordings collected by the composer in natural environments associated with the habitat in which a chrysalis might be found. These recordings include impulsive sonic events produced by moving stones, the crackling of dry leaves, and the subtle noises of branches and undergrowth. Rather than being presented in documentary form, the recordings have been extensively processed through granular transformation, spectral filtering, reverberation, temporal stretching, and spatialization, becoming fully integrated into the electroacoustic fabric of the work.

작가 프로필

Paolo Gatti (1982)는 기타, 피아노, 일렉트릭 베이스를 공부했고 환경공학, 음향공학, 전자음악 학위를 보유하고 있다. 그의 작품은 유럽, 아시아, 미국 전역에서 연주되었고 Folderol Records, Senhalte, Neuma Records에서 발매되며 국제적 인정을 받았다. PBS Radio Malta의 작곡가로 일했고, 로마 토르 베르가타 대학교의 영어 소닉 아츠 석사 과정과 협력하며, MatDot Art Center(태국)의 상주 작가였다. 토르 베르가타, Pantheon Institute, LUISS에서 가르쳤고 Royal Birmingham Conservatoire를 비롯해 국제적으로 세미나를 진행했다.

Paolo Gatti (Rome, 1982) studied guitar, piano, and electric bass, and holds degrees in Environmental Engineering, Sound Engineering, and Electronic Music. His works have been performed across Europe, Asia, and the United States, receiving international recognitions and releases on Folderol Records, Senhalte, and Neuma Records. He has worked as a composer for PBS Radio Malta, collaborates with the English-language Master's programme in Sonic Arts at the University of Rome Tor Vergata, and was artist-in-residence at MatDot Art Center (Thailand). He has taught at Tor Vergata, Pantheon Institute, and LUISS, and presented seminars internationally, including at Royal Birmingham Conservatoire.

[52'00", 2026]

곡 설명

〈Through an Opened Window〉는 인도네시아 자카르타에서 서수마트라로 매년 떠나는 귀향 여정 동안 채집한 필드 레코딩과 대화를 바탕으로 구성한 사운드 필름이다. 집으로 돌아가는 개인적인 경험에 뿌리를 두고 있지만, 이 작품은 여정의 기록이나 향수를 담은 이야기를 지향하지 않는다. 대신 이동과 변화하는 음향 환경, 그리고 길 위에서 마주치는 사람들과의 만남을 통해 듣기의 행위가 어떻게 펼쳐지는지 탐구한다.

녹음은 고속도로, 메락 항구, 순다 해협을 가로지르는 페리, 길가의 휴게소, 마을, 서수마트라의 강과 동굴 등 여러 장소에서 이루어졌다. 작품은 환경음과 함께 길가에서 작은 음식점을 운영하는 여성과의 대화, 고향의 금광 채굴 방식에 대해 나눈 사촌과의 대화 등 여정 중 자연스럽게 이루어진 대화들을 담아낸다. 이 대화들은 인터뷰라기보다 사운드스케이프를 구성하는 요소로 다루어진다.

작곡은 전형적인 서사 구조 대신 이동의 리듬과 각 장소가 지닌 음향적 속성의 변화를 따른다. 이 작품은 공동의 청취 세션 형태로 제시된다. 대화에는 영어 자막이 제공되며, 작곡이 끝난 후 제작된 일러스트 청취 악보는 작품 전체에 걸친 장소, 만남, 대화, 그리고 소리의 전환을 추적하여 청취 경험을 시각적으로 반추하게 한다. 청자는 이 작품을 통해 시각이 아닌 청각을 중심으로 여정을 경험하게 된다.

Through an Opened Window is a sound film constructed from field recordings and conversations collected during my annual homecoming journey from Jakarta to West Sumatra, Indonesia. While rooted in a personal experience of returning home, the work is not intended as a travel diary or a nostalgic account. Instead, it explores how listening unfolds through movement, changing acoustic environments, and encounters with people along the way.

The recordings were made across highways, Merak Port, the ferry crossing the Sunda Strait, roadside rest stops, villages, rivers, and caves in West Sumatra. Alongside environmental sounds, the work incorporates conversations that emerged naturally during the trip, including a conversation with a woman running a small roadside food stall and another with my cousin reflecting on gold mining practices in our hometown. Rather than functioning as interviews, these conversations are presented as integral parts of the sonic landscape.

The composition follows the rhythm of movement and the changing qualities of each place rather than a conventional narrative structure. The work is presented as a collective listening session. English subtitles accompany the spoken conversations, while an illustrated listening score—created after the composition was completed—offers a visual reflection of the listening experience by tracing places, encounters, conversations, and sonic transitions throughout the work. Through this work, listeners are invited to experience a journey not primarily through what is seen, but through what is heard.

작가 프로필

Van Luber Parensen은 자카르타를 기반으로 활동하는 아티스트이자 영화감독이다. 밀리시필렘 콜렉티브(Milisifilem Collective)의 일원이며, 2024년 자카르타 기반 청취 이니셔티브 시기소라(SIGISORA)를 공동 설립했다. 사운드 작곡, 영화, 시각예술을 넘나드는 그의 작업은 주로 물, 생태, 도시화, 식민의 역사라는 영역에서 펼쳐진다.

Van Luber Parensen is a Jakarta-based artist and filmmaker. He is part of Milisifilem Collective and co-initiated SIGISORA, a Jakarta-based listening initiative, in 2024. His practice spans sound composition, film, and visual arts, largely unfolding in the realm of water, ecology, urbanism, and colonial histories.

[12'18", 2026]

곡 설명

〈Listening to Shibi Intersection #1〉은 인도네시아 남자카르타와 데폭의 경계에 있는 시비 교차로에서 녹음한 필드 레코딩을 바탕으로 발전시킨 사운드 작곡 작품이다. 이 작업은 도시의 시각적 재현 속에서는 종종 눈에 띄지 않는 사회적 관계들을 일상의 도시 소음이 어떻게 드러낼 수 있는지 탐구한다. 이 프로젝트는 교차로를 단순한 교통 체증의 현장이나 도시 기반 시설로만 접근하기보다는, 다양한 형태의 노동과 이동성, 일상적인 경제 교환이 교차하는 사회적 공간으로 여긴다. 집으로 돌아가는 정규직 노동자들은 음식 노점상과 소규모 상업 시설을 통해 비정규직 노동자들과 상호작용하며, 공공 공간 내에서 끊임없이 조율되는 상호 의존의 패턴을 만들어 낸다. 이 곡은 청자들에게 시비 교차로를 이미지가 아닌 음향 환경을 통해 경험하도록 초대한다. 필드 레코딩은 한 달간의 관찰 기간 동안 시비 교차로에서 수집했다. 녹음은 나흘에 걸쳐, 교차로 활동량이 가장 많은 오후 4시 40분부터 5시 40분 사이와 저녁 7시 40분부터 8시 40분 사이의 두 시간대에 진행되었다. 이후 사운드 아티스트 헬미 유스론이 이 녹음 재료들을 하나의 스테레오 사운드 작품으로 작곡했다. 그는 원래 장소의 음향적 특성을 유지하면서 다큐멘터리 성격의 필드 레코딩을 의도된 듣기 경험으로 탈바꿈시켰다. 12분 18초 길이로 반복되는 스테레오 작곡 형식으로 제시되는 이 작품은 도시 생활의 지속적이고 순환적인 특성을 반영하여 고정된 시작이나 끝이 없다.

Listening to Shibi Intersection #1 is a sound composition developed from field recordings made at Shibi Intersection, located on the border between South Jakarta and Depok, Indonesia. The work explores how everyday urban sound can reveal social relationships that often remain invisible within visual representations of the city. Rather than approaching the intersection as merely a site of traffic congestion or urban infrastructure, the project considers it as a social space where different forms of labor, mobility, and everyday economic exchange intersect. Formal workers returning home interact with informal workers through food vendors and small-scale commerce, creating patterns of mutual dependence that are continuously negotiated within the public space. The composition invites listeners to experience the intersection not through images, but through its sonic environment. The field recordings were collected at Shibi Intersection over a one-month observation period. Recording sessions took place across four days during two time periods: approximately 4:40–5:40 PM and 7:40–8:40 PM, when the intersection experiences its highest level of activity. The recorded material was subsequently composed into a stereo sound work by sound artist Helmi Yusron, transforming documentary field recordings into a composed listening experience while maintaining the acoustic character of the original site. Presented as a 12-minute and 18-second looping stereo composition, the work has no fixed beginning or end, reflecting the continuous and cyclical nature of urban life.

작가 프로필

Kayla Miska는 사운드 작곡, 필드 레코딩, 리서치 기반 접근에 초점을 맞추는 예술가다. 그의 작업은 소리와 공공 공간, 도시 주변부, 기억의 관계를 일상의 사회적 역학을 탐구하는 방식으로 다룬다. 예술적 방법으로서의 듣기를 통해 필드 레코딩, 드로잉, 학제 간 협업을 결합한 성찰적 청취 경험을 만든다. 그의 작업은 Listening Biennial Jakarta, V&V 갤러리의 Kartografi Dengar, Milisifilem Collective 전시 등에서 소개되었다.

Kayla Miska is an artist whose practice focuses on sound composition, field recording, and research-based approaches. Her work explores the relationship between sound, public space, urban peripheries, and memory as a way of examining the social dynamics of everyday life. Through listening as an artistic method, she develops works that combine field recordings, drawing, and interdisciplinary collaboration to create reflective listening experiences. Her work has been presented at Listening Biennial Jakarta, Kartografi Dengar at V&V Gallery, and exhibitions with Milisifilem Collective. She is currently interested in listening as an artistic practice for understanding space, mobility, and social relations.

[17'10", 2023]

곡 설명

〈Thailand’s State Railways: Surat Thani → Hat Yai〉는 태국의 철도망과 페리 항로를 따라 1,850km를 이동한 여정을 기록한 더 큰 프로젝트에서 나온 고정매체 사운드 작품이다. 작품은 여행을 하나의 청취 행위로 탐구하며, 태국 남부를 가로지르는 야간 열차 여정 속에서 움직임과 인프라, 풍경, 기억 사이의 관계를 따라간다.

수랏타니와 핫야이 사이를 달리는 3등 열차 안에서 녹음한 이 작품은, 열차의 물리적 진동을 담은 접촉 마이크 녹음과 여정 내내 채집한 환경음을 결합한다. 딱딱한 나무 좌석에 에어컨도 없는 객차의 내부 표면에 접촉 마이크를 직접 붙여, 차체와 좌석, 레일, 기계 장치를 타고 전해지는, 평소에는 들을 수 없는 진동을 드러낸다. 작품은 프라 마하 쩰디 뜨리뽑 뜨리몽꼰(Phra Maha Chedi Tripob Trimongkol) 사원 안에서의 녹음으로 끝나는데, 그곳에서 이동의 끊임없는 기계적 울림은 사원의 금속 건축물과 바람에 울리는 종소리와 서서히 합쳐진다.

필드 레코딩과 사운드스케이프 작곡, 전자음향 음악 사이에 놓인 이 작품은 긴 지속과 주의 깊은 청취 속에서 펼쳐지며, 여행의 변화하는 음향적 성격을 하나의 연속된 소리 환경으로 경험하도록 초대한다.

Thailand’s State Railways: Surat Thani → Hat Yai is a fixed-media sound work drawn from a larger project documenting a 1,850-kilometre journey through Thailand’s railway network and ferry routes. The work explores travel as a listening practice, tracing the relationships between movement, infrastructure, landscape, and memory across an overnight rail journey through southern Thailand.

Recorded aboard a third-class train travelling between Surat Thani and Hat Yai, the composition combines contact microphone recordings of the train’s material vibrations with environmental recordings captured throughout the journey. The work concludes with recordings made inside Phra Maha Chedi Tripob Trimongkol, where the continuous mechanical resonance of travel gradually merges with the metallic architecture and wind-activated bells of the temple.

Situated between field recording, soundscape composition, and electroacoustic music, the work unfolds through extended duration and attentive listening, inviting audiences to experience the changing acoustic character of travel as a continuous sonic environment.

작가 프로필

Stephen de Filippo는 오스트레일리아 남서부 와단디 출신의 작곡가이자 멀티미디어 예술가로 현재 두바이에 거주한다. 그의 작업은 필드 레코딩, 전자음향 작곡, 퍼포먼스, 멀티미디어를 통해 장소, 기억, 여행, 문화적 정체성을 탐구한다. 그의 프로젝트는 실내악, 사운드 설치, 학제 간 협업을 아우르며, 관객을 자신의 환경과 잇는 장소 응답형 작업을 만든다. 오스트레일리아, 유럽, 북아메리카에서 작품을 발표했다. 현재 캐나디안 대학교 두바이의 음악 조교수다.

Stephen de Filippo is an Australian composer and multimedia artist from Wadandi Country in southwest Australia, currently based in Dubai. His work explores place, memory, travel, and cultural identity through field recording, electroacoustic composition, performance, and multimedia. His projects span chamber music, sound installations, and interdisciplinary collaborations, creating site-responsive works that connect audiences with their environments. He has presented work across Australia, Europe, and North America. Stephen is currently Assistant Professor of Music at the Canadian University Dubai, where his creative practice continues to investigate listening, place-making, and environmental sound.

[18'24", 2024]

곡 설명

〈Medeterranea〉는 필드 레코딩 재료와 경계선상의 소리들이 빚어내는 끊임없는 상호작용을 통해 표현되는 18분 길이의 스테레오 아쿠스마틱 작품이다. 거시적인 것에서 미세한 것으로, 밖에서 일어나는 일에서 안에서 펼쳐지는 일로 나아가며, 이 작품은 '외부'와 '내부', 밀집과 희박함, 사운드스케이프의 즉각성과 미세 몽타주의 분석적 특성 사이의 움직임을 추적한다. 〈Medeterranea〉는 첫 번째 섹션에서 환기되는 전쟁의 바람에서 시작해, 두 번째 섹션의 수로를 거쳐, 마지막 섹션에 이르는 새로운 시작의 희망 찬 복잡성을 향해 나아가는 일련의 음향 심상들을 따라 전개된다. 이 작품은 주로 지중해 지역의 여러 장소에서 녹음한 소리들로 구성되었다. 이 소리들 중 다수는 그 안에 담긴 연상 잠재력과 다중적인 궤적을 암시하는 능력을 고려하여 선택되었으며, 이를 통해 비선형적인 청취 경험과 음향적 환기에 대한 열린 해석을 돕는다. 〈Medeterranea〉는 2024년 10월 마르세유 실험음악그룹에서 진행한 연구 및 창작 레지던시의 결과물이다. 작품에 쓰인 소리들은 디지털 녹음기와 A-B 배치로 설정한 두 대의 외부 단일지향성 마이크를 사용해 녹음했다. 〈Medeterranea〉의 사운드스케이프는 마르세유 시를 비롯해 지중해 전역의 다른 지역들, 주로 큰 섬들에서 수집한 필드 레코딩으로 이루어진다.

Medeterranea is an 18-minute stereophonic acousmatic work articulated through a continuous interplay between field-recording materials and liminal sounds. From the macroscopic to the minute, from what happens outside to what unfolds within, the work traces a movement between the "external" and the "internal," between density and rarefaction, between the immediacy of the soundscape and the analytical character of micromontage. Medeterranea unfolds through a sequence of sonic images, moving from the winds of war evoked in the first section, to the waterways of the second, and finally to the hopeful complexity of a new beginning in the final section. The piece is primarily composed of recordings made in different locations across the Mediterranean region. Many of these sounds were selected for their evocative potential and their ability to suggest multiple trajectories, fostering a non-linear listening experience and an open interpretation of the sonic evocations they generate. Medeterranea is the outcome of a research and creative residency at the Groupe de Musique Expérimentale de Marseille (GMEM) in October 2024. The sounds in the piece were recorded using a digital recorder and two external cardioid microphones in an A-B configuration. The soundscape of Medeterranea consists of field recordings made in the city of Marseille, as well as in other locations across the Mediterranean, mainly the larger islands.

작가 프로필

Marco Ferrazza는 이탈리아를 기반으로 활동하는 전자음향 작곡가이자 멀티미디어 퍼포머다. 그의 아쿠스마틱·시청각 작업은 유럽과 국제 페스티벌에서 발표되었다. 그의 예술적 실천은 뮈지크 콩크레트, 필드 레코딩, 자유 전자 즉흥연주, 추상미술에 뿌리를 둔다. 현재 그의 연구는 물질적 각인, 요소의 축소, 경계적 구조를 특징으로 하는 언어를 향해 나아가고 있다.

Marco Ferrazza is an electroacoustic composer and multimedia performer based in Italy. His acousmatic and audiovisual works have been presented at festivals across Europe and internationally. His artistic practice draws on musique concrète, field recording, free electronic improvisation and abstract art. His current research moves toward a language characterised by a material imprint, the reduction of elements and liminal structures.

[15'42", 2023]

곡 설명

〈At the Hour When the Waters Are Dyed〉는 2022년부터 2023년까지 세 곳의 이오니아 제도에서 녹음한 필드 레코딩만으로 구축한 15분 분량의 스테레오 고정 매체 작곡 작품이다. 이 작품을 이끄는 질문은 듣는 관계의 변화에 관한 것이다. 즉, 어떤 조건에서 녹음된 장소는 단지 증거로 들리는 것을 멈추고 공유할 수 있는 기억처럼 들리기 시작하는가? 청자는 규모가 판이하게 다른 두 가지 존재와 함께 듣게 된다. 하나는 테두리가 없고 비인간적인 바다다. 다른 하나는 여전히 교회의 종과 필하모닉 밴드 주변에 모이는 지역 공동체다. 공유하던 장소가 친숙함에서 낯섦으로 넘어가는 순간, 두 존재의 소리는 함께 들린다. 제목은 콘스탄티노스 테오토키스의 중편 소설 '엎드린 채로'에 나오는 '물이 물드는 시각에'라는 구절에서 가져왔으며, 소설 속에서 이 문구는 귀환의 시간인 해 질 녘을 뜻한다. 여기서 해 질 녘은 음향적 개체가 그 발생원과 일치하던 상태를 벗어났지만 아직 완전히 독립하지는 않은 간극, 즉 전환의 상태를 의미한다. 이러한 전환은 현실적인 것에서 추상적인 것으로, 원인을 인지하는 것에서 형태를 듣는 것으로, 그리고 한 장소에서 다른 장소로 이동하는 세 가지 축을 따라 흐른다. 이론적으로 이 작품은 대개 상반되는 것으로 취급되는 두 전통이 만나는 지점에 자리한다. 머레이 셰이퍼나 배리 트루액스 등이 주도한 어쿠스틱 생태학은 필드 레코딩을 장소의 증거로 대한다. 반면 피에르 셰페르로 대표되는 구체 음악은 녹음된 소리를 그 원인에서 분리되어 아쿠스마틱 청취에 사용할 수 있는 음향 오브제로 접근한다. 이 작품은 두 가지 입장을 모두 껴안는다. 하나의 재료 안에서 다큐멘터리적 듣기와 아쿠스마틱 듣기가 공존하는 하이브리드 사운드스케이프를 구축하는 것이다. 소리 재료는 2022년과 2023년 사이 코르푸, 레프카다, 케팔로니아의 탁 트인 해안선, 내륙 농경지, 그리고 코르푸 역사 지구 중심부 등 세 가지 형태의 장소에서 수집했다. 음향 처리는 고비율 스펙트럼 타임 스트레칭 기법인 폴스트레치, 공명 필터링, 잔향 겹치기라는 세 가지 작업에 기반을 둔다. 각각의 변형은 명확한 공동체적 또는 생태학적 기능을 가진 신호에서 출발하여 그 흔적을 들을 수 있게 유지하면서도 점차 그 기능을 상실하는 방향으로 나아간다. 이 세 가지 변형은 어두운 내용은 이미 그 장소의 소리 안에 존재하며, 음향 처리는 단지 이를 들을 수 있게 해준다는 이 작품의 주장을 전달한다.

At the Hour When the Waters Are Dyed is a fifteen-minute stereo fixed media composition built entirely from field recordings made on three Ionian islands between 2022 and 2023. The question that organises it concerns a change in the listening relation: under what conditions does a recorded place stop sounding like evidence and begin to sound like a memory that can be shared? The listener listens with two presences of very different scale. One is the sea, which has no edges and is not human. The other is a community that still gathers around its bell and its philharmonic band. The two are heard together at the moment when the place they share passes from the familiar into the unfamiliar. The title takes the phrase at the hour when the waters are dyed from the novella Pistoma (face down) by Konstantinos Theotokis (1872–1923), where it marks dusk as the hour of return. Dusk is taken here as a state of transition: the interval in which a sonic entity has ceased to coincide with its source but has not yet become independent of it. That transition runs along three axes, from the realistic to the abstract, from recognising a cause to hearing a shape, and from one place to another. Theoretically the work sits where two traditions meet that are usually treated as opposed. Acoustic ecology approaches field recording as evidence of place (Schafer 1977; Truax 2001). Musique concrète approaches the recorded sound as a sound object, detached from its cause and available to acousmatic listening (Schaeffer 1966). This work holds on to both. It builds a hybrid soundscape in which documentary and acousmatic listening coexist inside the same material. The material was gathered in Corfu, Lefkada and Kefalonia between 2022 and 2023, across three types of location: exposed coastline, agricultural inland, and the historic centre of Corfu town. Processing rests on three operations: high-ratio spectral time stretching (Paulstretch), resonant filtering, and layered reverberation. Each transformation begins from a signal with a clear communal or ecological function and carries it towards the loss of that function, while keeping its traces audible. The three transformations carry the argument of the work: the dark content is already present in the sounds of the place, and processing is what makes it audible.

작가 프로필

Thanasis Epitideios는 작곡가이자 사운드 아티스트이며, 이오니아 대학교 시청각예술학과 박사 과정생이다. 그의 실천 기반 연구는 음향 생태와 절차적 오디오(procedural audio)의 교차점에서 자연의 음향적 모방을 탐구한다. 그의 작업은 고정매체 작곡, 다채널 설치, 인터랙티브 환경 사이를 오가며 그리스에서의 필드 레코딩을 토대로 삼는다. 최근작으로는 Évora 2027 유럽문화수도 프로그램에 선정된 앰비소닉 설치 〈iNature〉, 2025년 크라쿠프 ICEM Audio Art Festival에서 선보인 〈reSonaissance〉가 있다. HELMCA 회원이다.

Thanasis Epitideios is a composer and sound artist, and a doctoral candidate in the Department of Audio and Visual Arts at the Ionian University, where his practice-based research examines the sonic mimicry of nature at the intersection of acoustic ecology and procedural audio. His work moves between fixed media composition, multichannel installation and interactive environments, with field recording in Greece as its foundation. Recent works include iNature, an ambisonic installation selected for the Évora 2027 European Capital of Culture programme, and reSonaissance, presented at the ICEM Audio Art Festival in Kraków in 2025. He is a member of HELMCA.

곡 설명

발걸음, 목소리, 웅웅거림이 파편처럼 떠올라 겹겹이 쌓였다가 다시 흩어진다. 직접 개발한 믹싱 소프트웨어 Splay는 관객의 휴대폰을 임시 스피커 시스템으로 바꾼다. 서로 다른 믹스가 몸 가까이에서 공간을 가로지르고, 휴대폰마다 생기는 작은 끊김과 우연 또한 소리를 빚는다.

Footsteps, voices and hum surface as fragments, gather into layers, then drift apart. Splay, self-built mixing software, turns audience phones into a temporary speaker system. Different mixes travel close to the body and across the room, shaped by each phone’s small interruptions and accidents.

작가 프로필

Eurico는 서울을 기반으로 활동하는 포르투갈 출신의 사운드 아티스트, DJ, 문화 기획자이다. 음악, 라디오, 퍼포먼스와 소프트웨어를 넘나들며 청취와 실험을 위한 공간을 만든다. Big Toilet Radio를 공동 설립하고 Soort를 설립했으며, Caixa Cartão Collective의 멤버로 활동하고 Visla FM에서 월간 쇼를 진행한다.

Eurico is a Portuguese sound artist, DJ and cultural organiser based in Seoul. Working across music, radio, performance and software, they create spaces for listening and experimentation. They co-founded Big Toilet Radio, founded Soort, are a member of Caixa Cartão Collective and host a monthly show on Visla FM.

곡 설명

피드백은 소리가 관계 속에서 변화하도록 만드는 조건이다. 되돌아온 신호는 이전과 다른 상태로 돌아와 또 다른 변화의 원인이 된다. 공명은 그 관계가 잠시 형태를 얻는 순간이며, 리듬은 생성과 붕괴, 되돌아옴의 과정 속에서 나타나고 사라진다. 존재는 하나의 중심에 머무르지 않고, 관계와 조건에 따라 매 순간 새롭게 형성된다.

Feedback creates the conditions through which sound changes in relation. A returning signal comes back in a different state, becoming the cause of further change. Resonance is the moment when these relations briefly take form, while rhythm emerges and disappears through processes of formation, collapse, and return. Existence does not remain anchored to a single center, but is continuously re-formed through relations and conditions.

작가 프로필

서울을 기반으로 활동하는 테크노/실험음악 아티스트 Djilogue는 언더그라운드 클럽 vurt.의 디렉터이자 레지던트 아티스트이다. 디제이와 라이브를 오가며 패턴과 랜덤, 반복과 우연 사이의 긴장을 탐구한다. 2000년대 초부터 디제이로 활동하며 서울을 비롯해 아시아와 유럽에서 공연해왔으며, 최근에는 공연예술 영역으로 활동을 확장하고 있다. Springkell Festival, 한국즉흥음악축제, SyncNext, Modular Seoul 등에 참여했고, 2026년 『오래된 순간』 LP에서 해금 연주자 강지은과 즉흥연주 작품을 발표했다.

Seoul-based techno and experimental music artist Djilogue is a director and resident artist of the underground club vurt. Moving between DJ sets and live performance, he explores the tension between pattern and randomness, repetition and chance. Active as a DJ since the early 2000s, he has performed across Seoul, Asia, and Europe, and in recent years has expanded his practice into the performing arts. His appearances include Springkell Festival, the Korea Improvised Music Festival, SyncNext, and Modular Seoul. In 2026, he released an improvised work with haegeum player Kang Jieun on the LP Ancient Moment.