[12'58", 2024]

곡 설명

〈Manchester Soundscape〉는 맨체스터 전역에서 수집한 필드 레코딩으로 구성한 고정 매체 사운드 작품이다. 이 작업은 세인트 피터스 스퀘어, 콘 익스체인지, 롱 밀게이트 등 도시의 여러 공공 공간을 통과하는 청취의 여정을 따른다. 발걸음, 교통, 자전거 벨, 대화, 물소리, 건축물에서 울리는 공명음이 주요 소리 재료가 된다. 작품은 도시를 걷고 듣는 과정에서 탄생했다. 맨체스터를 고정된 장소로 기록하기보다는, 듣기를 도시 공간과 관계를 맺는 방식으로 여긴다. 콘 익스체인지 같은 장소에 서서 귀를 기울이는 일은 현재의 소리뿐만 아니라 도시에 스며든 과거의 삶과 움직임, 역사의 흔적을 만나는 경험이 된다. 작품이 전개됨에 따라 환경 녹음 소리들은 점차 추상적인 음향 질감으로 녹아들었다가 다시 알아들을 수 있는 도시의 소리로 돌아온다. 이러한 흐름은 즉각적인 지각, 기억, 상상 사이를 오가는 듣기의 형태를 반영한다. 〈Manchester Soundscape〉는 듣기를 개별 청자를 넘어선 공유 행위로 제안한다. 또한 축적된 소리의 흔적을 통해 장소를 어떻게 경험할 수 있는지, 그리고 듣기가 오늘날 존재하는 도시뿐만 아니라 오랜 시간 그곳에 살고 그곳을 가꾸며 스쳐 간 사람들과 우리를 어떻게 연결해 주는지 묻는다.

Manchester Soundscape is a fixed-media sound work constructed from field recordings collected across Manchester. The work follows a listening journey through several public spaces in the city, including St. Peter's Square, the Corn Exchange, and Long Millgate. Footsteps, traffic, bicycle bells, conversations, water, and architectural resonances form the primary sonic material. The piece emerged from a process of walking and listening through the city. Rather than documenting Manchester as a fixed place, it considers listening as a way of entering into a relationship with urban space. Standing in locations such as the Corn Exchange, listening becomes an encounter not only with present sounds, but also with traces of past lives, movements, and histories embedded within the city. As the work unfolds, environmental recordings gradually dissolve into abstract sonic textures before returning to recognizable urban sounds. This movement reflects a form of listening that shifts between immediate perception, memory, and imagination. Manchester Soundscape proposes listening as a shared act that extends beyond the individual listener. It asks how places may be experienced through accumulated sonic traces, and how listening can connect us not only with a city as it exists today, but also with those who have inhabited, shaped, and passed through it over time.

작가 프로필

Dingling Ying은 전자음향 음악, 사운드스케이프 작곡, 아쿠스마틱 실천을 넘나들며 작업하는 작곡가이자 사운드 아티스트다. 그의 작업은 필드 레코딩, 변형된 음향 질감, 공간 작곡을 통해 듣기, 기억, 그리고 장소와 상상의 관계를 탐구한다. 그의 작품은 MANTIS Festival, Sonic Arts Forum(메이누스 대학교), 헝가리 페치의 Listening Room IV, 그리고 심포지엄 "How to Live Together in Sound? Towards Sonic Democracy"(헬싱키 예술대학교/시벨리우스 아카데미) 등에 선정되었다.

Dingling Ying is a composer and sound artist working across electroacoustic music, soundscape composition, and acousmatic practices. Her work explores listening, memory, and the relationship between place and imagination through field recording, transformed sonic textures, and spatial composition. Her works have been selected for MANTIS Festival, Sonic Arts Forum (Maynooth University), Listening Room IV in Pécs, Hungary, and the symposium "How to Live Together in Sound? Towards Sonic Democracy" (University of the Arts Helsinki / Sibelius Academy).

[6'00", 2026]

곡 설명

〈FRAGMENTOS SONORO-URBANOS I (F.S.U. I)〉는 도시의 필드 레코딩으로 만든 실험적인 전자음향 및 아쿠스마틱 작곡 작품이다. 특정 장소를 기록하기보다는, 녹음된 소리를 청취를 통해 끊임없이 변형될 수 있는 살아있는 재료로 대한다. 필드 레코딩은 일상적인 도시 환경에서 비롯되었으며, 멀리서 들리는 목소리, 동물, 기계 작동 소리, 끊임없이 변하는 공공 공간의 질감 같은 평범한 음향 사건들을 포착한다. 반복, 시간 지연, 역재생, 필터링, 스펙트럼 변형을 거치면서 이 익숙한 소리들은 점차 기록으로서의 기능을 잃고 진화하는 음향 풍경의 일부로 자리 잡는다. 이 작품은 듣기를 수동적인 인식 행위가 아니라 장소와 맺는 능동적인 관계로 탐구한다. 도시를 고정된 환경으로 제시하는 대신, 기억과 지각, 상상력이 들리는 것의 의미를 쉼 없이 재구성하는 경험을 제안한다. '함께 듣기'라는 주제와 맞물려, 이 작업은 듣기를 장소, 기억, 그리고 소리 자체의 물질적 존재와 함께 펼쳐지는 공유 과정으로 성찰한다. 도시의 사운드스케이프는 배경이 아니라 작곡 과정의 협력자로 작용한다.

FRAGMENTOS SONORO-URBANOS I (F.S.U. I) is an experimental electroacoustic/acousmatic composition built from urban field recordings. Rather than documenting a specific location, the work approaches recorded sounds as living material that can be continuously transformed through listening. The field recordings originate from everyday urban environments, capturing ordinary sonic events such as distant voices, animals, mechanical activity, and the constantly shifting textures of public space. Through repetition, temporal displacement, inversion, filtering, and spectral transformation, these familiar sounds gradually lose their documentary function and become part of an evolving acoustic landscape. The piece explores listening as an active relationship with place rather than a passive act of recognition. Instead of presenting the city as a fixed environment, it proposes an experience in which memory, perception, and imagination continuously reshape the meaning of what is heard. In dialogue with the theme "listen with," the work reflects on listening as a shared process that unfolds with places, memories, and the material presence of sound itself. The urban soundscape is not treated as background but as a collaborator in the compositional process.

작가 프로필

Gerson Rios Leme는 브라질의 작곡가, 실험 기타리스트, '비올라 카이피라(viola caipira)' 연주자로, 전자음향 음악, 아쿠스마틱 작곡, 사운드 아트를 탐구한다. 그의 실천은 필드 레코딩, 악기 소리, 전자적 과정을 진화하는 청취 경험으로 변형하는 것을 탐구한다. 지각, 기억, 그리고 소리와 장소의 관계에 초점을 맞추며, 녹음된 환경을 예술적 탐구를 위한 역동적 재료로 다루면서 듣기를 기록 너머로 확장하고자 한다.

Gerson Rios Leme is a Brazilian composer, experimental guitarist, and "viola caipira" player whose work explores electroacoustic music, acousmatic composition, and sound art. His artistic practice investigates the transformation of field recordings, instrumental sounds, and electronic processes into evolving listening experiences. Focusing on perception, memory, and the relationship between sound and place, his works seek to expand listening beyond documentation, treating recorded environments as dynamic material for artistic exploration.

[7'52", 2026]

곡 설명

을지로 공업지대. 수백 년의 시간이 쌓인 길 위에서 약 4만 명의 사람들이 기계와 엉켜 호흡했다. 좁고 낮은 골목의 풍경 속에서 작업장이 된 이곳은 쉴새없이 작동하는 커다란 기계이자 음악으로 느껴진다. 그러나 이 공간은 현재 재개발을 주창하는 이들에게 걷어내야 할 잡음이다. 자본의 논리로 무장한 도시 계획은 강제 철거를 요구한다. 기계들은 작동을 멈추고 장인들은 집을 잃는다. 뒤돌아볼 줄 모르는 인간의 전진 욕구가 기계와 다름없는 것 같다는 생각에 이른다. 1980년대부터 끝없이 이어진 재개발과 을지로 지역 주민 간 논쟁은 2025년 이후 더욱 가속화되고 있다. '2040 서울도시기본계획'은 을지로를 고소득층을 위한 고층 주거지로 완전히 재편할 계획이다. 씁쓸한 것은, 이 터전을 부수고 뜯어내는 과정이 이곳 장인들이 평생 벼려온 기술과 장비를 활용해 이루어지고 있다는 사실이다. 이를 접하고 며칠간 을지로 인쇄·금속 및 기계 제조업지구를 돌아다니며 사라져가는 소리를 녹음했다.

《Machinery Landscapes》는 을지로 필드 레코딩만을 질료로 삼는다. 인쇄 업체의 기계음에서 금속 장인들의 작업음까지. 그 사이 흘러나오는 트로트 음악에서 골목 어귀 백반집 취사 소리까지. 우선 작곡을 위해 수집한 소리들을 분류했다. 녹음된 소리들은 대부분 커다란 기계 소리였고, 일정한 리듬으로 작동하는 소리들은 마치 자기 자신의 소멸로 나아가는 것처럼 느껴졌다. 이 선형적인 시간성을 변조하는 것이 작곡의 가장 주된 방법론이 되어야 함을 직감했다. 시간 축 조작을 통해 기계의 규칙적 리듬을 교란했다. 자본의 논리가 추동하는 타임라인에 균열을 내고자 했다. 이후 소리들은 그대로 사용되거나, 자기 자신을 매개변수 삼는 주파수 변조 및 웨이브 쉐이핑 등의 비선형적 소리 합성을 통해 새로운 소리로 변모했다. 이후 과정은 극단적인 분절과 직관적인 재조합의 연속이었다. 파편화된 소리 재료들을 음역대와 소리 합성 방법론에 따라 분류한 뒤 재차 엮어내며 새로운 선율을 형성하고자 했다. 시공간적으로 연속성을 지니는 이 음향 선율들은 최대 3개의 레이어를 형성하며 공간 음향 시스템 속에서 다중적인 서사를 구축한다.

공간 음향 설정 기반에서 바이노럴로 모니터링하며 작곡했다. 따라서 향후 어떠한 다채널 포맷에서도 공간적 함수를 적용할 수 있도록 열려 있다. 이 곡의 음향 풍경은 좌우를 넘어 3차원의 공간을 가로지른다. 사라져가는 골목들과 천막 아래 풍경은 이렇게 번역되어야 할 수밖에 없었다. 제목이 복수형(landscapes)을 취하게 된 이유다. 이 '풍경들'은 공간의 소리를 기록하는 것 그 너머를 지향한다. 우리가 살아가는 현실에서 이탈하는, 다른 차원에서의 함께 듣기를 제안한다. 이는 '기계 지향 존재론'을 주창한 철학자 레비 R. 브라이언트에게서 받은 깊은 영향과 맞닿아 있다. 『존재의 지도』에서 그는 현존하는 모든 존재자를 '기계'로 파악하는 사상을 전개하며, '물질적 기계'와 '비물질적 기계'를 구분하고 '존재'란 곧 다양한 기계들의 '회집체'라고 설명한다. 그간 비인간 기계들은 을지로 주민들의 삶을 지탱했고, 이제 그들은 함께 강제 철거를 선고받았다. 《Machinery Landscapes》 안에서 그들의 소리는 '소리'라는 비물질적 기계로 다시 태어나 새롭게 연결된다. 사라져가는 공간으로부터 파생된 이 새로운 소리 회집체는, 역설적으로 그 공간이 완전히 사라지지 않고 계속해서 '존재'할 것임을 노래한다.

The Euljiro industrial district. On streets built upon centuries of history, roughly forty thousand people lived and breathed in tandem with machinery. Situated in a landscape of narrow, low alleyways, this workshop-turned-district feels like a massive, endlessly operating machine and a piece of music. Today, however, to those advocating redevelopment, this space is merely noise to be cleared away. Urban planning driven by the logic of capital demands forced demolition. Machines grind to a halt, and artisans lose their homes. I came to feel that humanity's unyielding drive for progress, never looking back, is little different from a machine itself. The dispute over redevelopment between Euljiro residents and developers, ongoing since the 1980s, has accelerated rapidly since 2025. The "2040 Seoul Master Plan" intends to completely reshape Euljiro into a high-rise residential area for high-income earners. The bittersweet reality is that the process of tearing down and dismantling this refuge relies on the very skills and equipment honed over a lifetime by the artisans here. Confronted with this reality, I spent several days traversing the Euljiro printing, metalworking, and machinery manufacturing districts, recording these fading sounds.

Machinery Landscapes uses field recordings from Euljiro as its sole raw material. From the mechanical whirring of printing presses to the working sounds of metal artisans. From trot music drifting in between to the sounds of cooking from small diners at alley corners. I first categorized the collected sounds for composition. Most recorded sounds were heavy machinery noises, and those operating at steady rhythms felt as though they were driving toward their own demise. I intuitively felt that modulating this linear temporality should serve as the primary methodology of composition. Through time-axis manipulation, I disrupted the regular rhythms of the machines, seeking to crack open the timeline driven by the logic of capital. The sounds were then either used as they were or transformed into new sounds through non-linear synthesis, such as frequency modulation and waveshaping, using the sounds themselves as parameters. What followed was a series of extreme fragmentation and intuitive recombination. After categorizing the fragmented sound materials according to frequency range and synthesis methodology, I wove them together once more to form new melodies. Possessing spatiotemporal continuity, these acoustic melodies form up to three layers, constructing a multi-layered narrative within a spatial audio system.

The piece was composed while monitoring in binaural based on a spatial audio setup, remaining open to applying spatial functions across any multi-channel format in the future. The acoustic landscape of this work traverses a three-dimensional space that extends far beyond left and right. The vanishing alleyways and scenes beneath tarps had to be translated in this way. This is why the title takes a plural form (landscapes). These "landscapes" aim to go beyond merely recording the sound of a space, proposing an act of collective listening on a different plane that departs from our everyday reality. This connects deeply with the influence of philosopher Levi R. Bryant, who advocated for "machine-oriented ontology." In Onto-Cartography, he develops a philosophy that views all existing entities as "machines," distinguishing between "material machines" and "immaterial machines," and explaining that "existence" is an "assemblage" of various machines. Non-human machines have long sustained the lives of Euljiro residents, and now they face forced demolition together. Within Machinery Landscapes, their sounds are reborn as immaterial machines of "sound," newly connected. Derived from a disappearing space, this new sonic assemblage paradoxically sings that the space will not disappear entirely, but will continue to "exist."

작가 프로필

시간의 형식화로서의 음악(하기)을 통해 서사 바깥의 위치에서 그 내부와 낯설게 맺는 공명의 구조를 탐구한다. donghyukchoi.com

Through music-making as the formalization of time, the artist explores structures of resonance that form an unfamiliar relationship with the interior of a narrative from a position outside of it. donghyukchoi.com

[8'45", 2025]

곡 설명

〈The Sound After Departure〉는 뉴욕시를 비롯해 발길이 닿은 여러 장소에서 진행한 필드 레코딩만으로 창작한 스테레오 고정 매체 작품이다. 기차 및 지하철 승강장, 다가오고 떠나는 열차, 정차한 열차, 안내 방송, 승객의 움직임, 환풍기, 선로의 진동, 기계적 공명, 교통 시설 건축물에 부딪혀 반사되는 소리 등이 재료로 쓰였다. 이 작업은 2026 소닉 노마드의 주제인 '함께 듣기'에 화답하며, 떠남을 사라지는 순간이 아니라 기차나 사람, 음원이 떠난 뒤에도 이어지는 상태로 사유한다. 열차가 떠난 후에도 승강장에는 진동이 남고, 역 구내에는 반사음이 맴돌며, 기억 속에는 안내 방송이 지속된다. 청자의 몸 역시 사건이 남긴 압력과 움직임을 간직할 수 있다. 제목은 이러한 잔류음과 주의력이 변화된 상태, 즉 눈에 띄는 음원이 사라진 뒤에도 여전히 들리는 것들을 뜻한다. 작품은 우리가 떠나는 것만을 듣는지, 아니면 남아 있는 건축물, 기계, 승객, 기억, 표면과도 함께 듣는지를 묻는다. 필드 레코딩은 상호적인 만남으로 여겨진다. 녹음하는 사람이 장소의 소리를 듣지만, 장소 또한 녹음하는 사람의 움직임, 몸, 마이크, 일시적인 존재감을 받아들인다. 작품은 기다림, 접근, 도착, 정차, 안내 방송, 환승, 이동, 출발, 환경적 잔상이라는 폭넓은 궤적을 따른다. 이러한 순서는 단일한 여정을 다큐멘터리 형식으로 재구성한 것이 아니다. 서로 다른 시간과 장소에서 녹음한 소리들을 결합해 복합적인 음향 공간을 만들어낸 것이다. 들리는 모든 재료는 필드 레코딩에서 가져왔으며, 외부 악기나 신시사이저는 전혀 사용하지 않았다. 또한 내가 교차 청취라 부르는 과정을 통해 녹음된 소리들은 서로에게 영향을 미친다. 이 과정에서 한 녹음의 특성이 다른 녹음이 어떻게 들릴지를 결정한다. 곡의 마무리는 극적이라기보다는 고요하다. 열차가 떠난 뒤 안내 방송과 역의 공명, 움직임의 희미한 잔재가 남는다. 〈The Sound After Departure〉는 떠나는 것, 남는 것, 그리고 그 이후에도 계속 울려 퍼지는 것들과 함께 듣는다.

The Sound After Departure is a stereo fixed-media work created entirely from field recordings made in New York City and other encountered locations. Its materials include railway and subway platforms, approaching and departing trains, stationary trains, public announcements, passenger movement, ventilation, rail vibration, mechanical resonance, and the reflected sound of transit architecture. The work responds to the Sonic Nomads 2026 theme, "listen with," by considering departure not as an instant of disappearance, but as a condition that continues after a train, person, or sound source has left. After a train departs, vibration remains in the platform, reflections continue inside the station, and announcements persist in memory. The listener's body may also retain the pressure and motion of the event. The title refers to these residual sounds and altered states of attention: what remains audible after the apparent source is gone. The composition asks whether we listen only to what is leaving, or also with the architecture, machines, passengers, memories, and surfaces that remain. Field recording is treated as a reciprocal encounter. The recordist listens to a place, but the place also receives the recordist's movement, body, microphone, and temporary presence. The work follows a broad trajectory: waiting, approach, arrival, stopping, announcement, transfer, movement, departure, and environmental afterimage. This sequence is not a documentary reconstruction of one journey. Recordings made at different times and locations are combined into a composite acoustic space. All audible material is derived from the field recordings. No external instrumental or synthesizer layer is used. The recordings also influence one another through a process I describe as cross-listening. In this process, the characteristics of one recording shape how another becomes audible. The ending is quiet rather than dramatic. Faint residues of announcements, station resonance, and movement remain after the train has departed. The Sound After Departure listens with what leaves, what remains, and what continues to resonate afterward.

작가 프로필

Sanjay Majumder는 음악, 컴퓨터 과학, 음향학, 몰입형 청취를 넘나들며 작업하는 실험 사운드 아티스트, 작곡가, 오디오 기술자다. 그의 실천은 알고리즘 사운드 디자인, 생성 작곡, 공간 음향, 그리고 디지털 음악 창작에 대한 연구 기반 접근을 탐구한다. 소프트웨어 기반 시스템을 사용해 구조적인 음악적 아이디어와 추상적 질감을 결합한 다차원적 음향 환경을 만든다. 그의 방법에는 실시간 신시시스, 컨볼루션, 기계학습, 바이노럴 시뮬레이션, 공간 음향 처리가 포함된다.

Sanjay Majumder is an experimental sound artist, composer, and audio technologist working across music, computer science, acoustics, and immersive listening. His practice explores algorithmic sound design, generative composition, spatial audio, and research-driven approaches to digital music creation. Using software-based systems, he develops multidimensional sonic environments that combine structured musical ideas with abstract textures. His methods include real-time synthesis, convolution, machine learning, binaural simulation, and spatial sound processing. Majumder's work has been presented in academic, experimental, and performance contexts.

[5'51", 2026]

곡 설명

〈Listen with ATMs: Electromagnetic Infrastructures of Consumption〉은 2026년 뉴캐슬 대학교의 더 아치스에서 선보인 4채널 설치 작품을 스테레오 고정 매체 작업으로 각색한 것이다. 이 작품은 영국 뉴캐슬 대학교의 롭 매케이와 우수에 루이스 아라나, 스페인 카탈루냐 로비라 이 비르질리 대학교의 제라드 라이언이 모인 페럴 사운즈 앙상블이 창작했다. ATM은 벽에 자리 잡은 채 카드, 손길, 비밀번호, 현금 인출, 실패한 거래, 그리고 신뢰의 순간을 기다린다. 이는 거리의 평범한 일상 풍경에 속한다. 하지만 이 기계에는 보통 사람들의 지각 범위를 벗어나는 음향적 생명력이 존재한다. 전자기장 청취를 통해 그 생명력은 맥박, 끊김, 전기음, 불안정한 신호가 얽힌 끊임없는 질감으로 들리게 된다. 이 작품은 청취를 신체, 장치, 기계, 장소 사이에서 공유되는 것으로 다룸으로써 2026 소닉 노마드의 주제 '함께 듣기'에 화답한다. 작품은 기반 시설과 함께, 그리고 소비 생활의 기술적 배경과 함께 듣는 방식을 제안한다. 녹음은 뉴캐슬, 특히 도시 주요 거리의 ATM과 상업 인프라 주변에서 이루어졌다. 일반 마이크가 아닌 전자기장 청취 장치인 SOMA사의 Ether를 사용해 녹음했다. 이 장치들은 전자기 방출을 사람이 들을 수 있는 소리로 변환해 준다. 녹음물은 기계와 그 기계의 전자 환경이 만들어 내는 맥동, 웅웅거림, 끊김, 흔들리는 신호를 담고 있다. 이 소리들은 대중이 듣도록 설계된 것은 아니지만, 도시 곳곳에서 일어나는 일상적 움직임을 형성하는 시스템을 통해 만들어진다.

Listen with ATMs: Electromagnetic Infrastructures of Consumption is a stereo fixed-media work adapted from a four-channel installation originally presented at The Arches, Newcastle University in 2026. The work was created by The Feral Sounds Ensemble, bringing together Rob Mackay, Usue Ruiz Arana of Newcastle University in the UK and Gerard Ryan of the Universitat Rovira i Virgili in Catalonia, Spain. The ATM sits in the wall, waiting for a card, a hand, a code, a withdrawal, a failed transaction, a moment of trust. It belongs to the ordinary choreography of the street. Yet the machine also has a sonic life that usually remains outside ordinary perception. Through electromagnetic listening, that life becomes audible as a restless texture of pulses, interruptions, electrical tones and unstable signals. The work responds to the Sonic Nomads 2026 theme 'Listen With' by treating listening as something shared between bodies, devices, machines and places. The work proposes a way of listening with infrastructure, and with the technological background of consumer life. The recordings were made in Newcastle, especially around ATMs and the commercial infrastructure of the city's main street. The recordings were made using electromagnetic listening devices (Ether by SOMA) rather than conventional microphones. These devices translate electromagnetic emissions into audible sound. The recordings capture pulses, hums, interruptions and wavering signals generated by the machines and their electronic environment. These sounds are not designed for public listening, yet they are produced by systems that shape everyday movements through the city.

작가 프로필

Feral Sounds Ensemble은 롭 매케이 박사, 우수에 루이스 아라나 박사, 제라드 라이언 박사의 협업 프로젝트이다. 매케이는 국제적으로 인정받는 작곡가·사운드 아티스트·퍼포머이자 뉴캐슬 대학교 작곡 수석강사다. 루이스 아라나는 뉴캐슬 대학교의 조경건축가·연구자·교육자로 듣기, 비인간 중심 디자인, 조경건축 실천을 탐구한다. 라이언은 로비라 이 비르질리 대학교 마케팅 교수이자 'Le Cliché'라는 이름으로 활동하는 사운드 아티스트다. 이들은 필드 레코딩, 전자기 청취, 사운드워킹, 상황적 예술 연구를 통해 장소·인프라·기계·비인간 생명 사이의 관계를 탐구한다.

The Feral Sounds Ensemble is a collaboration between Dr Rob Mackay, Dr Usue Ruiz Arana and Dr Gerard Ryan. Mackay is an internationally recognised composer, sound artist and performer, and Senior Lecturer in Composition at Newcastle University. Ruiz Arana is a landscape architect, researcher and educator at Newcastle University whose work explores listening, more-than-human design and landscape architecture practice. Ryan is Professor of Marketing at Universitat Rovira i Virgili and works as the sound artist Le Cliché. Together, they use field recording, electromagnetic listening, soundwalking and situated artistic research to explore relations between places, infrastructures, machines and more-than-human life.

[5'36", 2017]

곡 설명

특수상대성이론을 소개한 아인슈타인의 논문 「움직이는 물체의 전기역학에 관하여(On the Electrodynamics of Moving Bodies)」에서 영감을 받아, 〈Sobre a eletrodinâmica dos corpos de trabalho(노동하는 물체의 전기역학에 관하여)〉는 Viseu Rural 아카이브에 담긴 데이드(Dade) 말요가 채석장의 콘크리트 공장에 대한, 시간이 왜곡된 시선을 제공한다(이 녹음이 유일한 음원이다). 이 작품은 압축된 시간, 얼어붙은 시간, 뭉개진 타임라인 속에서 그 노동이 풍경에 부딪혀 메아리치는 모습을 그린다. 인간이 만든 힘의 노력, 시간에 걸친 자연적 힘의 지속, 그리고 그 둘 사이의 인터페이스에 대한 성찰이다. 아인슈타인은 빛줄기와 나란히 달리며 거울을 들여다보면 무슨 일이 일어날지를 물었다 — 시골 콘크리트 공장의 소리는 딜레이 라인의 네트워크로 입력되고, 그 딜레이 라인들은 특수상대성의 효과가 시간을 왜곡할 만큼 빠르게 움직이는 거울처럼 이동하며 소리를 새로운 질감·제스처·모티프로 변형한다. 소스 재료와 음향 처리의 구조는 가장 긴 시간대에 걸친 인간이 자연에 미치는 영향과 자연이 인간에 미치는 영향, 그리고 각자가 어떻게 서로를 침범하고 침식해 결국 각자의 내적 성격을 드러내는 새로운 무언가로 지속되는지를 성찰한다. (키워드: 자연, 건설, 침식, 시간 왜곡.)

Inspired by Einstein's paper introducing the special theory of relativity titled "On the Electrodynamics of Moving Bodies," Sobre a eletrodinâmica dos corpos de trabalho offers a time-distorted view of the concrete plant in Quarry Maljoga in Dade from the Viseu Rural archive (the only sound source). It portrays the work as it echoes off the landscape in compressed time, frozen time, and smeared timelines. It is a reflection on the efforts of man-made forces, the persistence of natural forces over time, and the interfaces between them. Keywords: Nature, construction, erosion, time distortion. Albert Einstein famously asked what would happen if he rode alongside a beam of light and looked into a mirror: sound from the rural concrete plant are fed into a network of delay lines that shift as if they are mirrors moving so fast that the effects of special relativity distort time and transform the sounds into new textures, gestures, and motives. The source material and the structure of the sound processing reflect on the impacts of mankind upon nature and nature upon mankind over the longest spans of time, how each invades and erodes the other so that what persists is something new that illuminates the inner character of each. (This piece originally won First Prize in the Viseu Rural 2.0 competition as an audio-only, stereophonic work, accompanied by a photograph.)

작가 프로필

제프 모리스(Jeff Morris)는 텍사스 A&M 대학교 뮤직테크놀로지 프로그램의 정교수다. 관객의 마음을 그들의 주변 환경과 이어주는 음악적 경험을 만든다. 그의 퍼포먼스, 설치, 강연, 저술은 첨단 예술과 예술의 깊은 질문으로 알려진 국제적 무대에서 소개된다. 건축·도시 풍경에 맞춘 음악, 라디오를 위한 퍼포먼스 아트, 장난감 피아노·로봇·스도쿠 퍼즐·초자연적 전자 음성 현상을 위한 진지한 콘서트 음악 등 이례적인 상황에서 예술을 이끌어낸 공로로 여러 상을 받았다. 그의 음악은 Ravello Records에서 발매된다. 노스텍사스 대학교에서 DMA를, 플로리다 주립대학교에서 석사·학사를 받았다.

Jeff Morris is a full professor in the Music Technology program at Texas A&M University. He creates musical experiences that engage audiences' minds with their surroundings. His performances, installations, lectures, and writings appear in international venues known for cutting-edge arts and deep questions in the arts. He has won awards for making art emerge from unusual situations: music tailored to architecture and cityscapes, performance art for the radio, and serious concert music for toy piano, robot, Sudoku puzzles, and paranormal electronic voice phenomena. His music is on Ravello Records. DMA, Univ. of North Texas; MM & BA, Florida State Univ.

[8'06"]

곡 설명

〈If Only It Could Speak…〉는 덴마크 스트루어에 있는 사운드 아트 랩에서 인턴으로 일하는 동안 녹음한 소리만으로 창작한 고정 매체 작곡 작품이다. 이 작업은 과거 방음 처리되었던 실험실에서 마이크로 녹음한 소리와 수제 EMF 마이크를 사용해 건물 곳곳에서 포착한 전자기장 녹음을 결합한다. 악기나 외부에서 생성된 음원은 전혀 사용하지 않았다. 날것의 전자기 소리 재료 상당수가 디지털 음향 처리를 거쳐 편집되고 쌓이고 변형되긴 했지만, 모든 소리는 건물 내부에서 비롯되었다. 사운드 아트 랩과 사운드 허브 덴마크는 스트루어에 있던 옛 뱅앤올룹슨 시설을 사용하고 있다. 이 장소는 덴마크가 독일에 점령당했던 역사와도 닿아 있다. 당시 몇몇 뱅앤올룹슨 직원들은 덴마크 저항 운동에 적극적으로 참여했다. 1945년 1월 14일 밤, 회사의 공장은 나치에 동조한 테러로 파괴되었다. 오늘날 파괴된 공장에서 수습한 휘어진 강철 빔 하나가 사운드 아트 랩 앞에 기념비로 서 있다. 소리 재료 대부분은 직접 만든 전자기장 마이크를 사용해 녹음했다. 이 마이크는 공기 중의 소리를 잡아내는 대신, 전력이 공급되는 물체와 전기 인프라에서 발생하는 전자기 활동을 감지한다. 나는 낡은 배전반, 프린터, 납땜 기기, 냉난방 및 환기 시스템, 전력 계전기, 발진기, 변압기를 녹음했다. 이 작품에서 일반 마이크를 사용한 유일한 녹음은 예전에 방음 테스트실로 쓰였던 공간에서 이루어졌다. 흡음 처리가 사라진 탓에 이 방은 원래 지어진 목적과는 거의 정반대의 상태가 되어 있었다. 소리를 흡수하기는커녕 소리가 강하게 반사되고 공명했다. '함께 듣기'라는 주제와 관련하여 이 작품은 단순히 건물의 소리를 듣는 것을 넘어 건물과 함께 듣기를 제안한다. 나는 건물의 전류, 쓸모없어진 기계, 용도가 바뀐 방들, 역사적 흔적, 그리고 남아 있는 인프라와 함께 듣는다. 건물은 작품의 주제가 되는 동시에 능동적인 협력자가 된다.

If Only It Could Speak… is a fixed-media composition created entirely from recordings made during my internship at Sound Art Lab in Struer, Denmark. The work combines a microphone recording from a former sound-deadened chamber with electromagnetic recordings captured throughout the building using a homemade EMF microphone. No instruments or externally generated sound sources are used. Every sound originates from within the building, although much of the raw electromagnetic material has been edited, layered and transformed through digital sound processing. Sound Art Lab and Sound Hub Denmark occupy former Bang & Olufsen facilities in Struer. The site also carries a history connected to the German occupation of Denmark. Several Bang & Olufsen employees were active in the Danish resistance movement. During the night of 14 January 1945, the company's factory was destroyed in an act of Schalburgtage. Today, a bent steel beam recovered from the destroyed factory stands as a memorial in front of Sound Art Lab. Most of the source material was recorded using a homemade electromagnetic microphone. Rather than capturing airborne sound, the microphone detects electromagnetic activity produced by powered objects and electrical infrastructure. I recorded old electrical panels, printers, soldering stations, air-conditioning and ventilation systems, power relays, oscillators, transformers. The only conventional microphone recording in the work was made inside a former sound-deadened test chamber. As a result, the chamber had become almost the opposite of what it was built to be. Instead of absorbing sound, it was highly reflective and resonant. In relation to the theme "listen with," the work proposes listening with the building rather than simply listening to it. I listen with its electrical currents, obsolete machinery, altered rooms, historical traces and remaining infrastructure. The building becomes both the subject of the work and an active collaborator.

작가 프로필

Behrang Hakami는 덴마크 콜딩을 기반으로 활동하는 사운드 아티스트, 사운드 디자이너, 작곡가다. 남덴마크 대학교 Sonic College의 사운드 디자인 학사 3학년에 재학 중이다. 그의 작업은 실험 사운드 아트, 노이즈, 앰비언트 음악, 필드 레코딩, DIY 전자공학을 탐구한다.

Behrang Hakami is a sound artist, sound designer and composer based in Kolding, Denmark, currently in my third year of a bachelor's degree in Sound Design at Sonic College, University of Southern Denmark. His work explores experimental sound art, noise, ambient music, field recording and DIY electronics.

[7'33", 2024]

곡 설명

AI가 생성한 오디오가 일상의 사운드스케이프를 가득 채우면서, 스스로를 깔끔하고 매끄러우며 출처가 없는 것처럼 내세운다. 그러나 이 작품은 그 잔여물, 즉 기술이 감추고 있는 노이즈와 결함, 물질적 찌꺼기에 귀를 기울인다. 나는 상업용 시스템에 전기 웅웅거림, 다중음, 확장된 발성 기법 등 학습 범위를 벗어난 소리를 프롬프트로 입력했고, 그 대가로 텅 빈 오디오 파일들을 받았다. 이 침묵의 소리들을 압축하자 기계 자체의 음향적 흔적인 빽빽하고 거친 잔류 노이즈가 드러났다. 이렇게 얻어낸 1시간 분량의 자료를 카세트테이프에 반복해서 입히고, 그렇게 열화된 테이프 소리를 학습한 음색 변환 모델로 가공하여 기술이 버린 것만으로 곡을 완성했다. 〈Generation Loss〉는 아날로그와 디지털 매체를 오가며 재가공된 음향으로 만들어졌으며, 이것이 작곡의 본질이 된 작품이다. 마치 플라스틱 폐기물이 모래, 산호, 바위 조각과 서서히 융합되어 새로운 형태의 음향 화합물인 '플라스티스톤'을 형성하는 것과 같다.

As AI-generated audio saturates our everyday soundscape, it presents itself as clean, seamless, and "source-less". This piece listens instead to its residue, to the noise, failure, and material sediment that the technology conceals. I prompted commercial systems with sounds outside its training such as electric hums, multiphonics, extended vocal techniques and received "empty" audio files in return. Compressing these silences revealed a dense, gritty residual noise, the sonic imprint of the machine itself. From an hour of this material, bounced repeatedly to cassette tape and processed through a timbre-transfer model trained on those same degraded tapes, I composed the piece entirely from what the technology discards. Generation Loss is a piece built from sonic waste recirculated through analog and digital media and becoming the substance of the composition (like a plastistone slowly merging plastic waste with sand, coral, and rock fragments, forming a new form of sonic compound).

작가 프로필

Itzá García (b.1993, 멕시코)는 기술이 매개하는 예술 음악에서 시간, 친밀함, 기계 미학에 초점을 맞추는 작곡가다. 그의 작업은 어쿠스틱 악기가 새로운 기술적 조건 — 증강되거나, 확장되거나, 미정의된 제스처와 데이터 포인트로 용해(기화)되는 — 속으로 밀려날 때의 변형을 다룬다. 최근에는 낡은 악기의 필드 레코딩을 신경망에 입력해 시간과 질감을 AI 생성음의 음색에 새겨 넣었다. 그의 작업은 Ars Electronica Festival, NYCEMF, Mise-En Festival, 마이애미 아트위크 MUD Foundation Sound of Art 프로그램 등에서 연주되었다. 현재 뉴욕을 기반으로 CUNY 대학원센터에서 작곡 박사 과정을 밟고 있으며, 뉴욕 overdrive 전자음악 페스티벌의 공동 창립자이자 공동 조직자다.

Itzá García (b. 1993, México) is a composer focused on time, intimacy, and machine aesthetics in technology-mediated art music. Her work engages the transformations of acoustic instruments when pushed into new technological conditions: augmented, extended, or dissolved (vaporized) into undefined gestures and data points. In recent work, she has fed field recordings of weathered instruments into neural networks, embedding time and texture into the timbre of AI-generated sound. Her work has been performed at the Ars Electronica Festival, the New York City Electroacoustic Music Festival (NYCEMF), the Mise-En Festival, the Miami Art Week MUD Foundation Sound of Art Program, among others. Itzá is currently based in New York City, pursuing a Ph.D. degree in composition at The Graduate Center, CUNY. She is the co-founder and current co-organizer of the overdrive electronic music festival in New York.

[12'08"]

곡 설명

〈Post Border〉는 세계 유일의 분단국가인 한반도를 가르는 경계가 사라진 어느 날을 상상하며, 가까운 미래 남쪽의 서울에서 북쪽의 평양까지 이동하는 여정을 그린 사운드스케이프 작품이다. 수십 년 동안 두 지역을 나누어 온 경계인 비무장지대(DMZ)를 통과하며, 그곳에 남아 있는 전쟁의 흔적과 오랜 시간 인간의 손길이 닿지 않은 채 자라난 자연을 소리로 표현한다. 각 도시에서 감지되는 분위기는 차갑지만 동시에 변화해가는 미래의 모습을 담고 있으며, 그 과정에서 발생하는 다양한 소리들을 하나의 음악적 흐름으로 구성했다.

이 작품은 남과 북으로 분단되어 수십 년간 군사적 대치의 공간으로 존재해 온 DMZ에 대한 호기심에서 시작되었다. 특히 인간의 접근이 제한된 시간 동안 그곳에 보존되어 온 자연환경과 야생 생명에 대한 동경과 상상이 출발점이 되었다. DMZ는 인간 사이의 갈등과 적대가 만들어낸, 인류 역사에서도 보기 드문 공간이지만 역설적으로 인간으로부터 격리됨으로써 자연이 보호된 장소이기도 하다. 작품은 서울에서 출발해 DMZ를 지나 평양에 도착하는 하나의 여정으로 구성되었다. 실제 DMZ의 폭은 서울과 평양 사이 거리의 약 10분의 1에 불과하지만, 작품 안에서는 이 구간이 가장 긴 시간 동안 지속된다. 이는 알 수 없는 공간에서는 시간이 더욱 천천히 흐르는 듯한 감각을 표현하기 위한 것으로, 이 작품에서 가장 중요하게 다루고자 한 부분이다. 서울에서 DMZ로 향하는 과정은 일상적인 도시의 소음들을 중심으로 표현되고, 점차 압박감을 주는 공간감은 미지의 영역으로 진입하는 긴장감을 나타낸다. 빗소리와 앰뷸런스 소리가 겹쳐지며 새벽 도시의 차가운 분위기를 만든다. DMZ를 지나 평양으로 향하는 구간에서는 자연과 기계, 사람의 소리가 복잡하게 뒤섞이기 시작하며, 새로운 삶의 터전이 만들어지는 모습을 표현하고 점차 희망적인 분위기로 변화한다.

〈Post Border〉is a soundscape work depicting a journey from Seoul in the south to Pyongyang in the north in the near future, imagining a day when the border dividing the Korean Peninsula, the world's only divided nation, disappears. Passing through the Demilitarized Zone (DMZ), the boundary that has separated the two regions for decades, the piece audibly expresses the traces of war remaining there alongside nature that has grown untouched by human hands for a long time. The atmosphere sensed in each city is cold yet captures a changing future, structuring the various sounds emerging along the way into a single musical flow.

The work began with a curiosity about the DMZ, a space that has existed for decades as a site of military confrontation due to the division between North and South. In particular, longings and imaginings surrounding the natural environment and wildlife preserved during the time human access was restricted served as the starting point. The DMZ is a rare space in human history born of human conflict and hostility, yet paradoxically, it is also a place where nature was protected through isolation from human presence. The piece is structured as a single journey departing from Seoul, passing through the DMZ, and arriving in Pyongyang. Although the actual width of the DMZ is only about one-tenth of the distance between Seoul and Pyongyang, this section lingers for the longest duration within the work. This is intended to express the sensation of time passing more slowly in an unknown space, representing the most vital element the work seeks to address. The progression from Seoul toward the DMZ centers around everyday urban noises, while a gradually pressuring spatial sense reflects the tension of entering an unknown realm. Layered sounds of rain and ambulances create the cold atmosphere of a city at dawn. In the section leading past the DMZ toward Pyongyang, sounds of nature, machinery, and human voices begin to mix intricately, depicting the formation of a new foundation for life and shifting toward a gradually hopeful atmosphere.

작가 프로필

Joon Han은 한국의 사운드 아티스트로 주로 필드레코딩과 Audiovisual 작업을 하고 있다.

2017년부터 런던에서 Sonic Arts 작업을 시작하였으며, Music CONCRETE. Soundscape, Data Sonification, performance music 등 장르 구분없는 다양한 활동을 지속하였다.

2019년 아일랜드 AVA Festival의 emerging artist 선정을 시작으로 2019 Oram Award(UK). Brighton Fringe fest, UDK Berlin Sonic festival 등의 유럽의 다양한 전시활동을 진행하였고 2020 SXSW2020에 애니메이션 음악을 제작하기도 하였다 (Slug Finger : Short Aniamtion)

한국에 귀국하여 2021년 서울 국제컴퓨터뮤직페스티벌에 Audiovisual, 2022년 국립국악원 음원아카이브 공모의 국악원장 표창, 문래동 술술센터에서 전시 등 다양한 활동을 이어가고 있다. 주로 직접 채집한 음원을 엮어 만드는 Souncscape와 Audiovisual 작업이 가장 주된 작업이다.

Joon Han is a Korean sound artist working primarily with field recording and audiovisual art.

He began his practice in Sonic Arts in London in 2017 and has since worked across genres, including musique concrète, soundscape, data sonification, and performance music. Selected as an emerging artist at Ireland's AVA Festival in 2019, he went on to exhibit widely in Europe, including the 2019 Oram Awards (UK), Brighton Fringe, and the UDK Berlin Sonic Festival. In 2020, he composed music for the animated short Slug Finger, which screened at SXSW 2020.

After returning to Korea, he presented an audiovisual work at the 2021 Seoul International Computer Music Festival, received a commendation from the Director of the National Gugak Center in its 2022 sound archive open call, and exhibited at Sulsul Center in Mullae-dong, among other activities. His work centers on soundscapes woven from his own field recordings, as well as audiovisual pieces.

곡 설명

다른 장소의 혹은 다른 시간의 날씨를 상상해본다. 비오는 후지산의 밤을 들으며 경험했던 잘 알지 못하는 장소에 대한 동경, 아니면 아련함과 비슷한 단어를 연결시킬 수 있을지 분명치 않은 어떤 감정들. 때로는 혹은 언젠가는 그것이 듣는 기계들 사이에 놓인 네트워크 대기 같은 것들에 대해서도 작동할 수 있을까. 이름만 알고 있는, 지도상에 그저 한 점으로는 표시되는 어떤 장소들을 함께 듣다보면 그 곳은 더 이상 하나의 점으로만 남지는 않을 수도 있을 것이다.

I imagine the weather of another place, or another time. A rainy night on Mount Fuji, heard once, left a faint pull toward a place I hardly know. Could that pull also reach the air between listening machines? If we listen together to a place that is only a dot on a map, it may stop being only a dot.

작가 프로필

이강일은 소리를 주 매체로 기술 그리고 매체 자체를 예술적 재료로 다루는 사운드/미디어 아티스트이다. 라이브 스트리밍, 필드레코딩을 기반으로 작업하는 아티스트 듀오 웨더리포트의 멤버로 김지연과 함께 활동하고 있다.

Gangil Yi is a sound/media artist working with sound as his primary medium. He treats technology, and media themselves, as artistic material. He is a member of Weather Report, an artist duo working with live streaming and field recording, together with Ji-yeon Kim.

곡 설명

각 소리는 자신을 발생시킨 운동의 구조를 품고 있다. 우리가 하나의 사건으로 인식하는 것은 수많은 접촉과 진동, 반복과 충돌이 축적되어 미세한 변화가 응축된 결과다.

〈잠류(潛流)〉는 현실에서 포착한 소리를 늘이고, 분해하고, 재합성하는 과정을 통해 인간의 시간 감각으로는 쉽게 인지되지 않는 청취 방식을 드러내며, 이러한 관계를 따라 소리 안에 잠재된 음악적 구조를 발견하고 공연의 형식으로 발전시킨다.

Every sound bears the imprint of the movement from which it emerged. What we perceive as a single event is the condensed result of countless contacts, vibrations, repetitions, and collisions accumulated into subtle transformations.

〈Invisible Currents〉 explores modes of listening that lie beyond ordinary human perception by stretching, dissecting, and resynthesizing sounds captured from the physical world. Through this process, the work traces the relationships embedded within each sound, uncovering latent musical possibilities and developing them into the form of a performance.

작가 프로필

서울을 기반으로 활동하는 작곡가 이동혁은 물리적 경험으로서의 소리에 주목하며, 단순한 것을 돋보이게 만드는 작업에 흥미를 가진다. 이를 바탕으로 청각의 틀 안에서 발생하는 다양한 물리적 현상과 그로부터 비롯되는 충돌과 왜곡을 음악적 서사와 형식으로 다룬다.

Bryan Donghyuk Lee is a Seoul-based composer whose work explores sound as a physical phenomenon and a mode of perception. His music begins with close attention to seemingly ordinary sonic events, uncovering the complex relationships of movement, resonance, and material embedded within them.

곡 설명

서리풀공원의 소리로 시작한다. 그 곁으로 풀벌레와 소, 염소와 양의 소리가 차례로 지나간다. 제주와 스위스, 몽골의 풀밭에서 윤지영과 조예본이 담아 온 소리들이다. 그 사이로 어디에도 없는 새 한 마리가 날아든다. 한 번도 울어 본 적 없는 새, 백 종의 새소리를 배운 기계가 꺼내 놓은 소리다.

두 사람은 소리를 서로에게 건넨다. 한 사람이 건넨 소리는 다른 사람의 손을 지나며 조금 낮아지고, 조금 두꺼워지고, 조금 다른 것이 되어 돌아온다. 어떤 소리도 끝까지 제 것으로 남지 않고, 서로를 스치며 서로의 흔적을 묻힌다. 소와 염소와 풀벌레, 그리고 없는 새가 한자리에서 스친다.

소리들이 모두 지나가고 나면 공원의 소리가 다시 남는다. 마지막 1분은 아무도 연주하지 않는다. 그 자리에 모인 사람들과 함께, 방금 스쳐 간 것들이 머물던 자리를 가만히 듣는다. 먼 곳과 없는 곳을 지나 다시 도착하는 곳은 지금 여기다.

It begins with the sounds of Seoripul Park. One after another, insects in the grass, cows, goats and sheep pass through — sounds the two performers gathered in Jeju, Switzerland and Mongolia. Among them flies a bird that exists nowhere: a voice no real bird ever sang, brought out by a machine that learned one hundred kinds of birdsong.

The two pass sound to each other. What one hands over comes back from the other's hands a little lower, a little thicker, a little changed. No sound stays wholly its own; each brushes past the next and carries away a trace of it. Cows, goats, insects and a bird that isn't there brush past one another in a single room.

When everything has passed, the sound of the park remains. For the last minute, no one plays. Together with everyone gathered there, we listen to the place where those sounds have just been. After distant places and places that do not exist, we arrive where we began: now, here.

작가 프로필

트랜지언츠(Transients)는 사운드 아트, 필드 레코딩, 전자음악, 공간 기반 청취를 중심으로 활동하는 사운드 아트 컬렉티브이다. 2023년 국립아시아문화전당(ACC) 사운드랩(Sound Lab)에서의 1년간 공동 연구를 계기로 결성되었으며, 이후 국내외 포럼과 사운드 아트 페스티벌, 전시 프로젝트에 참여하며 작업과 연구를 이어가고 있다. 서울에서 사운드아트 전용 공간 노마드베이스를 운영하며, 2025년부터 사운드아트 페스티벌 소닉 노마드(Sonic Nomads)를 기획하고 주최하고 있다. 입체 음향, 사운드 합성, 필드 레코딩, 사운드워크, 사운드 설치, 라이브 퍼포먼스, 리스닝 세션 등 다양한 형식을 통해 소리와 장소, 이동, 기억, 공동 감각의 관계를 탐구한다. 청취를 단순한 감상의 행위가 아니라 환경과 타인, 비인간 존재와 관계 맺는 감각적 실천으로 바라보며, 이를 통해 현대 사운드 아트의 가능성을 확장하고자 한다.

Transients is a sound art collective working across sound art, field recording, electronic music and spatial listening. Formed through a year of joint research at the Sound Lab of the Asia Culture Center (ACC) in 2023, the collective has since taken part in forums, sound art festivals and exhibition projects in Korea and abroad. Transients runs Nomad Base, a space dedicated to sound art in Seoul, and has organized and hosted the Sonic Nomads festival since 2025. Through spatial audio, sound synthesis, field recording, soundwalks, sound installation, live performance and listening sessions, Transients explores the relationships between sound and place, movement, memory and shared sensing. Approaching listening not as passive appreciation but as a sensory practice of relating to environments, others and non-human beings, the collective seeks to expand the possibilities of contemporary sound art.