[6'42", 2023]

곡 설명

2023년 4월 어느 이른 저녁, 나는 마을 근처 올리브 밭 사이 흙길을 걷다가 난생처음 이상한 새소리를 들었다. 올리브 나무 사이로 소리를 따라 더 깊이 들어가다 우물 하나를 발견했다. 놀랍게도 그것은 새소리가 전혀 아니라 개구리들의 합창이었다. 믿을 수 없었다. 라헤스(Raches)라 불리는 이 마을은 그리스 펠로폰네소스의 시골 지역에 있다. 예기치 못하게 벌어진 일이라 녹음은 우물 가까이에서 아이폰으로 이루어졌고, 개와 닭을 비롯한 배경 소음이 들릴 수 있다.

I was walking along a dirt road through the olive groves near my village one early evening in April 2023 when, for the very first time, I heard a sound like a strange birdsong. I followed it deeper among the olive trees until I discovered a well. To my surprise, it was not birdsong at all, but an incredible chorus of frogs. The village, called Raches, is located in the rural region of the Peloponnese in Greece. As it happened unexpectedly, the recording was made with my iPhone near the open well (approximately 1–2 meters away), and you may hear background noises, including dogs and chickens.

작가 프로필

Magda Lampropoulou(1977)는 그리스 아테네를 기반으로 활동하는 조각가이자 사운드 아티스트다. 오디오, 퍼포먼스, 조각, 설치, 영상 등 다양한 표현 매체를 아우르며 작업한다. 아테네 미술학교에서 조각을 전공했다. 여러 전시와 페스티벌(On Air-On Site / Sonorities Festival / Radiophrenia / Subset Festival / The Lake Radio / Tectonics Athens) 참여를 통해 자신의 작업 방법론을 정립해 왔다. 〈When in kitchen〉은 《The Wire》 매거진 차트 페이지(493호, 2025년 3월)에 소개되었고 'Ars Electronica Forum Wallis 2026'에서 스페셜 멘션을 받았다.

Magda Lampropoulou (1977) is a sculptress and sound artist based in Athens, Greece. Her artwork engages with diverse, expressive media including audio, performance, sculpture, installations, and video. She holds a degree in Sculpture from the Athens School of Fine Arts. Her participation in exhibitions, and festivals has resulted in her identifying her work methodology (On Air-On Site / Sonorities Festival / Radiophrenia / Subset Festival / The Lake Radio / Tectonics Athens). "When in kitchen" composition included in The Wire's magazine charts page (issue 493 - March 2025) and was given a special mention at the "Ars Electronica Forum Wallis 2026".

[8'22"]

곡 설명

이 사운드스케이프는 인도네시아 서자바주 보고르 바바칸 마당의 센툴 언덕에서 채집한 다양한 매미 소리 필드 레코딩으로 구성한 작품이다. 트레일 러닝과 하이킹을 하며 반복해서 귀 기울이는 과정에서 소리를 모았고, 그 활동 자체가 지속적인 청취 실천으로 이어졌다. 이 작업은 빠르게 변화하는 풍경 속에서 매미(Tonggeret)가 남기는 소리의 존재감을 추적한다. 이 프로젝트는 신체적 경험이자 환경 변화를 관찰하는 방식으로서의 청취에서 출발한다. 센툴 언덕은 새로운 기반시설과 위락시설, 정비된 산책로가 들어서며 점점 더 집약적인 개발을 겪었고, 한때 생태적 유대로 규정되던 풍경을 바꿔 놓았다. 이 사운드스케이프는 이러한 변화를 직접 기록하기보다 매미의 목소리를 변화의 목격자이자 참여자로 마주하도록 이끈다. 매미의 끈질긴 울음은 인간과 풍경, 비인간 생명 사이에서 변해가는 관계를 성찰하게 하며, 환경 변화가 우리의 듣는 방식을 어떻게 재구성하는지 되짚어보게 한다.

I composed this soundscape using field recordings of various cicada sounds collected in the hills of Sentul, Babakan Madang, Bogor, West Java, Indonesia. The recordings were gathered through repeated listening while trail running and hiking, transforming these activities into an ongoing listening practice. The work presents a sound composition that traces the sonic presence of tonggeret (cicadas) within a rapidly changing landscape. The project emerges from listening as both an embodied experience and a method of observing environmental transformation. The hills of Sentul have undergone increasingly intensive development, with new infrastructure, recreational facilities, and beautified trails reshaping a landscape once defined by ecological relationships. Rather than documenting these changes directly, the soundscape invites listeners to encounter the voices of cicadas as witnesses to (and participants in) this transformation. Their persistent calls become a means of reflecting on shifting relationships between humans, landscapes, and non-human life, while speculating on how environmental change reconfigures ways of listening.

작가 프로필

Ali Satri Efendi는 인도네시아 서자바 카라왕에서 태어나 현재 Bekasi에 거주한다. 그의 작업은 영화 제작, 실험적 시각 예술, 사운드에 걸쳐 있다. Milisifilem Collective를 통해 시각 예술 실험을 탐구하며 여러 전시와 영화제에 참여해 왔다. 그의 청취·사운드 실천은 주로 Sigisora와 함께 발전시켜 왔다. 다큐멘터리·실험 영화, 비디오 아트, 드로잉, 사운드를 넘나드는 다분야 예술가이자 강사로, 풍경이 특정한 사회적·역사적 맥락 속에서 시각적·청각적으로 어떻게 경험되고 서술되고 기억되는지를 탐구한다.

Ali Satri Efendi was born in Karawang and currently lives in Bekasi, West Java, Indonesia. His artistic practice spans filmmaking, experimental visual art, and sound. He explores visual art experimentation through Milisifilem Collective and has participated in various visual art exhibitions and film festivals. His listening and sound practices are primarily developed with Sigisora. I am a multidisciplinary artist and lecturer working across documentary film, experimental film, video art, drawing, and sound. My practice explores how landscapes are experienced, narrated, and remembered through visual and sonic approaches grounded in specific social and historical contexts.

[5'04"]

곡 설명

이 작품은 오랫동안 마음속에 남을 만큼 기이한 사실 하나에서 출발했다. 반딧불이는 날아다닐 때 초음파 클릭음을 내지만 정작 자신이 내는 소리를 들을 수 없다는 점이다. 결코 들을 수 없는 소리를 만들어 내는 생명체인 셈이다. 이 작업은 크세니아 크리보루치코의 연구를 접한 뒤 그와의 서신 교환을 통해 탄생했다. 연구자는 원본 필드 레코딩, 공개 데이터셋, MATLAB 분석 스크립트, 상세한 녹음 방식을 기꺼이 공유해 주었다. 속도를 낮춘 이 초음파 녹음과 전자 악기 음향을 결합한 이 곡은 인간 청각의 한계 너머에 존재하는 소리를 듣는 의미를 탐구한다. 이 작품은 고정된 템포의 트랙이 아니라, 하나의 장면이 펼쳐지듯 반딧불이와 박쥐의 가상적 만남을 연출한다. 작곡가는 의도적으로 BPM을 설정하지 않고 작곡했다. 자연에는 리듬이 존재하지만 인간이 만든 박자 격자는 없기에, 소리 녹음을 그러한 틀에 강제로 맞추고 싶지 않았기 때문이다. 대신 관객이 미술 작품을 감상하듯 마디 단위로 세어지는 음악이 아닌 끊임없이 펼쳐지는 소리 풍경으로 이 작품을 마주하도록 유도한다. 반딧불이와 박쥐를 상징하는 두 개의 신호음이 소리의 화폭 속으로 천천히 들어선다. 절정에 이르러 둘은 직접적인 주고받음 없이 동일한 음향 공간을 공유한다. 이러한 공존은 힌두스탄 고전음악의 'jugalbandi' 개념에서 영감을 얻은 것으로, 서로 응답하는 이중주가 아니라 각자의 정체성을 유지한 채 시공간을 나누는 두 개의 독립된 목소리를 뜻한다. 궁극적으로 이 작품은 애초에 들리기 위해 존재한 것이 아닌, 메시지가 아닌 움직임의 흔적으로 남은 소리로 작곡한다는 것이 무엇인지를 묻는다.

This piece began with a fact that struck me as strange enough to sit with: fireflies produce ultrasonic clicks during flight, yet the firefly cannot hear the sound it produces. A creature producing sound it will never hear. The work emerged after reading Ksenia Krivoruchko's research, followed by a correspondence in which she generously shared the original field recordings, publicly available datasets, MATLAB analysis scripts, and details of how the recordings were made. Composed from these slowed ultrasonic recordings alongside electronic instrumentation, the composition explores what it means to listen to sounds that exist beyond the threshold of human hearing. The composition stages an imagined encounter between firefly and bat as a single unfolding scene rather than a fixed-tempo track. I deliberately avoided composing to a BPM. Nature has rhythm, but not a human metric grid, and I did not want to force the recordings into one. Instead, the listener is invited to encounter the work the way one encounters a painting: as a continuously unfolding sonic landscape rather than music counted in bars. Two "blips"—firefly and bat—gradually enter the sonic canvas. At the climax, the two occupy the same acoustic space without becoming a literal call-and-response. Their coexistence is inspired by the concept of jugalbandi in Hindustani classical music—not as a responsive duet, but as two independent voices sharing time and space while retaining their own identities. Ultimately, the piece asks what it means to compose with sounds that were never intended to be heard: sounds that exist not as messages, but as traces of movement.

작가 프로필

Yazika Sharma는 인도 수라트를 기반으로 활동하는 성악가이자 음악가-연구자로, 힌두스탄 고전음악을 수련했다. 그의 예술적 연구는 숨겨진 과학적·환경적·체현적 현상을 전자음향 청취 경험으로 옮긴다. 프로젝트 〈Sound Mining〉은 우주론적·현장 데이터와 인도 고전음악 철학의 교차점에서 작업한다. 작품 〈Orbit of Becoming〉은 35개국 141개 작품을 담은 국제 사운드 아트 컴필레이션 Microtopies 2026에 선정되었다. 현재 유럽 여러 기관의 예술 연구 박사 과정 지원을 준비하고 있다.

Yazika Sharma is a vocalist and musician-researcher trained in Hindustani classical music, based in Surat, India. Her artistic research transforms hidden scientific, environmental, and embodied phenomena into electroacoustic listening experiences. Her project Sound Mining works at the intersection of cosmological/field data and Indian classical music philosophy. Her work Orbit of Becoming was selected for Microtopies 2026, an international sound-art compilation featuring 141 pieces from 35 countries. Currently she is preparing doctoral applications in artistic research across European institutions.

[8'46", 2025]

곡 설명

〈Entomology#2〉(2025)는 곤충의 비밀스러운 삶을 다룬 아쿠스마틱 작품이다. 매미 소리에서 영감을 얻은 〈<Tettix-A'〉(2022)와 상상 속 곤충의 목소리를 바탕으로 한 아쿠스마틱 소품 〈Entomology#1〉(2024)의 연장선에 있다. 이 작품은 상상의 연못과 극도로 사실적인 울창한 숲, 수많은 미세한 비행음이 저마다의 세계를 엮어내는 분주한 풍경으로 청중을 안내한다. 작품의 음향 재료는 피아노에 연상되는 단어가 '날개'라는 의미를 지닌 것(독일어 Flügel, 네덜란드어 Vleugelpiano)에서 착안하여 변형된 피아노 녹음에서 얻었다. 피아노라는 연상이 드러나지 않도록 원본 음원을 대대적으로 가공했으며, 상징적으로 '날개'라는 개념만을 남겨두었다. 변형된 소리들의 모음은 다층적이고 다차원적인 음향 공간으로 펼쳐지며, 마치 필드 레코딩에서 느껴지는 공간 음향 탐구와 유사한 경험을 제공한다. 그 결과 수많은 비행 생명체가 떼를 지어 공존하는 듯 밀도 높은 사운드스케이프가 완성된다. 이 작품은 다수성과 공존, 군집의 질감에 집중하며, 소통과 경쟁, 적응이 끝없는 춤처럼 펼쳐지는 미생물 세계의 생동감을 소리로 접근한다.

Entomology#2 (2025) is an acousmatic work dedicated to the secret life of insects. It follows on Tettix-A' (2022 – inspired by the song of cicadas) and Entomology#1 (2024 – an acousmatic miniature based on the voice of a single imaginary insect). Entomology#2 invites the ear to a bustling landscape: an imaginary pond, a hyper-realistic dense forest, a place where countless microscopic flying voices weave their own world. The material of Entomology#2 derives from recordings of a prepared grand piano (in German Flügel, in Dutch Vleugelpiano: i.e. piano with wings). The piece is based on the navigation of a corpus made of these recordings, processed to such extent as to be stripped from any obvious piano connotation: metaphysically the notion of "wings" is the only association kept from those original prepared piano recordings. The corpus of these processed sounds unfolded into a layered and multi-dimensional field, inspiring an exploration similar to that of spatial-sonic explorations of a filed-recording. The result of such explorations is a soundscape filled with densities, like countless flying beings swarming and coexisting. The focus shifts to multiplicity, coexistence, and swarm-like textures; A sonic approach to a living universe of microscopic organisms, where communication, competition, and adaptation unfold collectively, like an endless dance.

작가 프로필

Thanos Polymeneas-Liontiris는 아테네를 기반으로 활동하는 예술가이자 연구자로, 사운드·피드백 시스템·인터미디어 퍼포먼스의 교차점에서 작업한다. 그는 피드백을 단순한 기술적 현상이 아니라 형태와 현존, 불안정성을 생성하는 방법으로 다루며, 그 결과 음악 작곡, 지속성 퍼포먼스, 인터랙티브 설치, 협업 작업을 만들어 낸다. 2018년 그리스로 돌아오기 전 네덜란드, 스페인, 영국에서 공부하고 활동했다. 음악·음향·기술 연구소(LabMAT)의 일원이며 아테네 국립카포디스트리아 대학교에서 음악 창작 및 인터랙티브 미디어 조교수로 재직 중이다. 그의 연구는 사이버네틱 이론, 생성 시스템, 퍼포먼스에서의 응답성의 시학에 뿌리를 둔다.

Thanos Polymeneas-Liontiris is an Athens-based artist and researcher working at the intersection of sound, feedback systems, and intermedia performance. His practice engages feedback not merely as a technical phenomenon, but as a method for generating form, presence, and instability—resulting in music compositions, durational performances, interactive installations, and collaborative works. Before returning to Greece in 2018, he studied and worked in the Netherlands, Spain and the UK. He is a member of the Music, Acoustics and Technology Lab (LabMAT) and Assistant Professor in Music-Making and Interactive Media at the National and Kapodistrian University of Athens. His research is rooted in cybernetic theory, generative systems, and the poetics of responsiveness in performance.

[7'02", 2026]

곡 설명

〈Sardinian Woods〉는 가속의 구조적·시간적 역동성을 다루는 몰입형 사운드스케이프를 통해 직선적인 시간의 흐름을 벗어난다. 이 작품은 소나무 숲의 바스락거림, 바람에 의한 공명, 미세한 소리들의 원본 필드 레코딩을 분리하고 자율적인 음향 개체로 변형하여 지중해 자연의 야생적 형태를 추상화한다. 끊임없이 변형하는 연속체로서 작동하는 이 곡은 숲의 유기적인 심장박동과 입자 형태의 합성 펄스가 맞물리는 가상의 인과관계를 형성하며, 이를 통해 에너지 상태가 점진적으로 축적된다. 곡이 전개됨에 따라 인간의 존재는 가속을 유발하는 촉매로 작용하여 자연 풍경을 불안정하게 만든다. 이렇게 형성된 긴장감은 정보의 흐름을 변형시키고 미세한 시간적 변주와 밀도 높은 음향 층의 포개짐을 이끌어낸다. 역동적인 스펙트럼 처리와 공간 음향 설계를 통해 길들여지지 않은 자연과 인간 건축 구조 사이의 청각적 대립이 더욱 깊어진다. 축적된 밀도는 결국 의도적인 형태의 해체로 이어지며, 유기적 소리와 합성음 사이의 경계는 초가속 운동 상태 속에서 완전히 무너진다.

"Sardinian Woods" transcends linear time through an immersive soundscape that engages directly with the structural and temporal dynamics of acceleration. The work abstracts the wild morphology of the Mediterranean environment—transforming raw field recordings of rustling pines, aeolian resonance, and macro-details into decoupled, autonomous sonic entities. Operating as a continuous morphological continuum, the piece constructs a virtual causality where the organic heartbeat of the forest interlocks with granular, synthetic pulses. This relationship triggers a progressive accumulation of energetic states. As the composition unfolds, human presence acts as a catalyst for acceleration, destabilizing the natural landscape. This manifested tension alters the information flow, driving microscopic temporal shifts and a dense superimposition of sonic layers. Through dynamic spectral processing and spatialization, the auditory duality between untamed nature and human architecture intensifies. The accumulation of density to a deliberate dissolution of form, where the boundaries between organic and synthetic completely collapse into a state of hyper-accelerated motion.

작가 프로필

Teresa Virginia Salis(TVS)는 플루트 연주자, 전자음악가, 작곡가, 멀티미디어 예술가다. 칼리아리 음악원(이탈리아)에서 플루트, 음악학, 전자음악을 전공했고, 포르투 ESMAE에서 작곡을 공부했으며, 크라쿠프 펜데레츠키 음악원(폴란드) 전자음향 스튜디오에서 1년간 레지던시를 마쳤다. 고전음악 교육을 받은 뒤 현대음악, 전자음악, 즉흥연주로 작업을 시작했고, 문학 낭독을 위한 사운드 세팅, 사운드트랙, 여러 예술 분야가 결합된 프로젝트를 만들며 이탈리아·포르투갈·프랑스·폴란드·독일·스페인·조지아의 여러 페스티벌에서 공연했다. TVS는 2017년에 시작한 그의 솔로 프로젝트로, 라이브 퍼포먼스와 멀티미디어 프로젝트, 앰비언트·실험·다운템포 작곡을 통해 어쿠스틱 악기와 전자음악의 상호작용을 만드는 것을 목표로 한다. 그의 음악은 필드 레코딩, 악기, 사운드 신시시스를 결합하며, 인간과 자연의 관계를 성찰하는 미학 안에서 작업한다.

Teresa Virginia Salis aka TVS is a flutist, electronic musician, composer and multimedia artist. Graduated in flute, musicology, and electronic music at the Conservatory of Music in Cagliari (Italy), she also studied composition at ESMAE in Porto (Portugal) and completed a one-year residency at the electroacoustic music studio of the Krzysztof Penderecki Academy of Music in Kraków (Poland). After a classical music education she began working with contemporary music, electronic music and instrumental improvisation, through the creation of sound settings for literary readings, soundtracks and projects involving different artistic disciplines, performing in several festivals and events in Italy, Portugal, France, Poland, Germany, Spain, Georgia. TVS is her solo project born in 2017 with the aim of creating interaction between acoustic instruments and electronic music, through live performances, multimedia projects and Ambient, Experimental and Downtempo compositions. Her music combines field recording, instruments, and sound synthesis, within an aesthetic that reflects on the relationship between human and nature.

[11'01"]

곡 설명

"당신은 개나 고양이, 혹은 가난한 이들의 신이 될 수 있다. 목줄 하나, 약간의 여유, 약간의 재산만 있으면 충분하다. 하지만 당신은 결코 나무의 주인이 될 수는 없다. 그저 언젠가 스스로 나무가 되기를 바라는 것 외에는 할 수 있는 것이 없다." (조르주 페렉, 『잠자는 남자』)

〈relazionarsi con il ragno(거미와 관계 맺기)〉는 자연을 모방하려 시도하다 실패하는 과정을 담은 작품이다. 타악기와 연쇄 합성 기법, 우연성 알고리즘을 활용해 하이브리드 사운드스케이프를 완성했다. 이 작품은 프랑스 크레인 랩 레지던시 참여 기간 중 제작되었다.

"Tu peux être Dieu des chiens, Dieu des chats, Dieu des pauvres, il te suffit d'une laisse, d'un peu de mou, de quelque fortune, mais tu ne seras jamais maître de l'arbre. Tu ne pourras jamais que vouloir devenir arbre à ton tour" (G. Perec, un homme qui dort). 

〈relazionarsi con il ragno〉 is a piece that tries to fake nature and fails. Its employs percussions, concatenative synthesis and aleatoric algorithms to create an hybrid soundscape. The piece was created during a residency at Crane Lab (FR).

작가 프로필

Mattia Benedetti는 아쿠스마틱 음악, 악기와 라이브 일렉트로닉스를 위한 작품, 오디오/비주얼 작곡을 만든다. 고요함, 알고리즘·우연성 기법, 소리와 언어의 관계에 관심이 있다. 베네치아에 거주한다. 그의 작품은 유럽, 남북아메리카, 아시아에서 발표되었다. 페루자 프란체스코 모를라키 음악원에서 전자음악 학사를 마쳤고 파도바 체사레 폴리니 음악원 전자음악 석사 과정에 재학 중이다.

Mattia Benedetti creates acousmatic music, pieces for instrument and live electronics and A/V compositions. He's interested in quietness, algorithmic and aleatoric techniques and the relationship between sound and words. He lives in Venice. His pieces have been presented in Europe, North and South America and Asia. Bachelor in Electronic Music, Conservatorio di Perugia Francesco Morlacchi; enrolled in Master Program of Electronic Music, Conservatorio di Padova Cesare Pollini.

[6'55"]

곡 설명

〈PEACE WIND〉는 필드 레코딩에 기반한 전자음향 곡으로, 한 장소가 지닌 생동하는 역동성을 만나는 방식으로 '듣기'를 탐구한다. 풍경을 단순히 묘사하기보다, 자연의 소리와 전자적으로 변형된 음향이 공존하며 서로를 끊임없이 재형성하는 변화무쌍한 음향 환경을 만들어낸다. 여기서 바람은 공간과 시간, 지각 사이의 미묘한 관계를 드러내는 생생한 존재로 작동한다. 이 과정을 통해 듣는 행위는 음향적 사건을 수동적으로 수용하는 것을 넘어 능동적인 주의 기울임의 실천이 된다. 이 작품은 이탈리아 남부 마키아 발포르토레의 시골 풍경에서 채집한 바람 녹음을 바탕으로 제작되었으며, 이는 곡의 핵심 재료이자 해당 장소 고유의 음향적 정체성을 담고 있다. 전자적 가공은 소리의 출처를 숨기기 위해서가 아니라 일상적인 듣기에서 쉽게 놓치는 미세한 요소들을 드러내기 위해 사용되었다. 스펙트럼 변형, 시간적 척도 변주, 공간적 음영 표현은 원본 환경과의 연계성을 유지하는 동시에 녹음의 표현 가능성을 넓혀준다. '함께 듣기'라는 주제와 연계하여, 이 작품은 풍경과 함께, 공기의 흐름과 함께, 기억과 함께, 그리고 소리가 불러일으키는 상상력과 함께 들을 것을 제안한다.

〈PEACE WIND〉is an electroacoustic composition based on field recordings that investigates listening as a way of encountering the living dynamics of a place. Rather than depicting a landscape, the work creates an evolving sonic environment in which natural and electronically transformed sounds coexist, continuously reshaping one another. The wind becomes more than a sound source: it acts as a living presence that reveals subtle relationships between space, time and perception. Through this process, listening becomes an active practice of attention rather than the passive reception of acoustic events. The work is built from recordings of the wind captured in the rural landscape of Macchia Valfortore, Southern Italy. These recordings constitute the core material of the composition and preserve the acoustic identity of the site from which they originate. Electronic processing is employed not to conceal their origin but to disclose details that often remain hidden during everyday listening. Spectral transformations, changes in temporal scale and spatial articulation extend the expressive potential of the recordings while maintaining a perceptible connection with the original environment. […] In relation to the theme listen with, the work proposes listening with the landscape, with the movement of air, with memory and with the imagination activated by sound.

작가 프로필

Domenico De Simone는 작곡가이자 이탈리아 포자의 Umberto Giordano 음악원의 전자음향 작곡 교수다. 작곡, 전자음악, 피아노, 재즈를 공부했고 Azio Corghi, Giorgio Nottoli, Ennio Morricone, Franco Donatoni를 사사했다. 그의 전자음향·시청각 작업은 환경음, 공간화, 아쿠스마틱 청취를 탐구한다. 그의 작품은 유럽, 아시아, 아메리카, 아프리카, 오스트레일리아를 포함해 이탈리아 안팎에서 100회 이상의 연주회와 페스티벌에서 발표되었다.

Domenico De Simone is a composer and Professor of Electroacoustic Composition at the "Umberto Giordano" Music Conservatory of Foggia, Italy. He studied Composition, Electronic Music, Piano and Jazz, and completed advanced studies with Azio Corghi, Giorgio Nottoli, Ennio Morricone and Franco Donatoni. His electroacoustic and audiovisual works explore environmental sound, spatialisation and acousmatic listening. His compositions have been presented in more than one hundred concerts and festivals in Italy and internationally, including events in Europe, Asia, the Americas, Africa and Australia.

[6'44"]

곡 설명

〈Dull Weather〉는 흐린 하늘 아래 산비탈을 타고 올라가는 활승 안개(upslope fog)의 움직임을 소리로 재현한 전자음향 작품이다. 물이 수증기로 올라가 구름을 형성하고 마침내 비가 되어 땅으로 돌아와 순환을 시작하듯, 인간의 활동 역시 개인이 모여 공동체를 이루고 다시 흩어졌다가 모이는 유사한 과정을 거친다. 이 작품은 필드 레코딩을 통해 각기 다른 환경에서 공통적으로 나타나는 패턴을 탐구하며 안개를 다층적인 음향 현상으로 다룬다. 주요 녹음은 일본 센다이 해안선에서 진행되었으며, 프랑스 크레스트를 비롯한 해외에서 채집한 소리도 함께 엮어 다양한 장소에서 되풀이되는 삶과 활동의 순환을 떠올리게 한다.

Dull Weather is an electroacoustic work that seeks to recreate in sound the movement of upslope fog ascending a mountainside beneath an overcast sky. Water rises as vapor and forms clouds, eventually returning to the earth as rain and beginning the cycle again. Human activity follows a similar process: individuals gather to form communities, disperse, and then assemble once more. Through field recordings, the work explores the common patterns that emerge across otherwise different environments, presenting fog as a multilayered sonic phenomenon. The primary recordings were made along the coastline of Sendai. Sounds recorded outside Japan, including in Crest, France, are also interwoven throughout the work, evoking the recurring cycles of activity found across different places.

작가 프로필

도쿄 출생. 필드 레코딩으로 수집한 소리를 사용해 주로 전자음향 음악을 작곡한다. 2025년 다마가와 대학교 예술대학을 졸업하고 현재 도쿄전기대학교 이공학연구과 석사 과정에 재학 중이다. 2025년 카케하시 문화예술재단 장학생이며, 야기사와 케이스케, 사토 아야코, 시바야마 타쿠로에게 사사했다. 그의 작품은 CCMC 2023에 선정되었고 WOCMAT 2023·2024, Festival Futura 2025에서 발표되었다. Phil Winsor 국제청소년컴퓨터음악경연 수상.

Born in Tokyo he primarily composes electroacoustic music using sounds collected through field recording. He graduated from the College of Arts at Tamagawa University in 2025 and is currently pursuing a master's degree at the Graduate School of Science and Engineering, Tokyo Denki University. He is a 2025 scholarship recipient of the Kakehashi Foundation for Arts and Culture and has studied with Keisuke Yagisawa, Ayako Sato, and Takuro Shibayama. His works have been selected for CCMC 2023 and presented at WOCMAT 2023 and 2024 and Festival Futura 2025. He received the Phil Winsor International Youth Computer Music Competition Award.

[6'07"]

곡 설명

〈El Grito de Keyes, Maine〉은 미국 메인주 해링턴의 키스 부지 레지던시에서 수집한 소리로 작곡한 필드 레코딩 작품이다. 울창한 숲과 바다 사이에 위치한 이 공간은 자연음, 인공음, 먼 소리와 가까운 소리가 끊임없이 겹치는 복합적인 음향 환경을 지니고 있다. 이 작업은 환경을 단순히 구분 가능한 음원들의 집합으로 보지 않고, 지형, 날씨, 식생, 거리, 인간의 활동이 각 소리의 발생과 지각 방식을 조율하는 활성 체계로 접근한다. 녹음은 세심한 탐사의 과정으로 진행되었다. 캠프장, 작은 오두막 주변, 숲길, 해안선, 만 일대를 반복해서 걸으며 다양한 장소와 시간대의 소리를 기록했다. 수집된 재료에는 새, 곤충, 바람, 흐르는 물, 파도, 나뭇가지와 잎, 어선, 모터 등 해안가 삶과 노동에 연관된 기계음이 포함된다. 작업 과정에서 핵심적인 질문은 '무엇이 소리를 내는가'뿐만 아니라 '환경이 그 소리를 어떻게 변형하는가'였다. 숲과 바다는 서로 판이한 음향 특성을 보여준다. 탁 트인 수면은 소리를 멀리까지 전달하여 선박이나 기계의 형체가 보이기 전에 소리를 먼저 들리게 한다. 반면 숲은 나무, 나뭇잎, 불규칙한 표면, 가변적인 밀도의 층 속에 소리를 가둔다. 이러한 조건은 자연스러운 형태의 잔향, 반사, 필터링, 반복, 딜레이 현상을 만들어낸다. 이처럼 자연적으로 발생하는 음향 효과는 작곡의 근본적인 재료가 되었다. 잔향과 딜레이를 디지털로 추가해야 할 효과로 다루기보다 환경 자체에 이미 존재하는 소리에 귀를 기울였다. 작곡 과정에서는 인공적인 디지털 가공을 최소화했다. 작품은 선택, 편집, 층 쌓기, 반복, 밀도 변화, 그리고 대비되거나 연관된 녹음을 배열하는 방식으로 구성되었다. 이 프로젝트는 음원 작품을 넘어 인터랙티브 사운드 맵 형태로도 확장되고 있다. 고정된 음악 작품과 인터랙티브 맵을 통해  〈El Grito de Keyes, Maine〉은 필드 레코딩을 기록이자 작곡의 행위로 다루며, 장소를 마주하고 소리의 발생과 변형을 관찰함으로써 그 장소를 들을 수 있는 새로운 조건을 창출한다.

El Grito de Keyes, Maine is a field-recording composition developed from sounds collected during a residency at the Keyes property in Harrington, Maine. Located between a dense forest and the sea, the site contains a complex acoustic environment in which natural, human-made, distant, and immediate sounds continuously overlap. The work approaches this environment not simply as a collection of identifiable sound sources, but as an active system in which geography, weather, vegetation, distance, and human activity shape how each sound is produced and perceived. The recording process began as a form of attentive exploration. I walked repeatedly through the camp, the areas surrounding the small cabin, the forest paths, the shoreline, and the bay, recording at different locations and times of day. The collected material includes birds, insects, wind, moving water, waves, branches, leaves, fishing boats, motors, and other machinery connected to life and work along the coast. A central question throughout the process was not only what produces a sound, but how the environment changes that sound. The forest and the sea create very different acoustic behaviors. The open water allows sounds to travel across considerable distances, making boats and machinery audible before their sources can be clearly seen. The forest, by contrast, contains the sound within layers of trees, leaves, irregular surfaces, and changing densities. These conditions produce natural forms of reverberation, reflection, filtering, repetition, and delay. These natural acoustic effects became fundamental compositional materials. Rather than treating reverberation and delay as processes that needed to be added digitally, I listened for the versions already present in the environment. The compositional process uses very little additional digital processing. The piece is constructed through selection, editing, layering, repetition, changes in density, and the placement of contrasting or related recordings alongside one another. The project is also developing beyond the fixed composition through an interactive sound map. Through the fixed composition and the interactive map, El Grito de Keyes, Maine considers field recording as both documentation and composition: a process of encountering a place, observing how it produces and transforms sound, and creating new conditions through which that place can be heard.

작가 프로필

Matías Homar는 아르헨티나 살타 출신의 기타리스트, 작곡가, 사운드 디자이너, 인터랙티브 악기 제작자다. 그의 작업은 Imaymana Duo, Ge[r]minaciones와의 앨범부터 Arditti Quartet, Signal Ensemble 같은 앙상블이 연주한 현대음악까지 아우른다. 라이브 퍼포먼스가 그의 실천의 중심으로, 일렉트릭 기타와 사운드 프로세싱, 그리고 MIDI Innovation Award 2024를 수상한 GEP Contraption 같은 직접 제작한 장치를 결합한다. 최근 작업으로는 인터랙티브 장갑을 활용한 〈Vidala〉와 〈Glitch/Bending Sound〉 공연, 리스본 DME 페스티벌에서 선보인 16채널 스피커를 위한 라이브 이펙트 하프시코드 작품이 있다.

Matías Homar is a guitarist, composer, sound designer, and interactive instrument maker from Salta, Argentina. His work spans albums with Imaymana Duo and Ge[r]minaciones to New Music performed by ensembles like Arditti Quartet and Signal Ensemble. Live performance is central to his practice, combining electric guitar, sound processing, and custom-built devices such as his award-winning GEP Contraption (MIDI Innovation Award 2024). Recent projects include performances of Vidala and Glitch/Bending Sound with interactive glove, and a harpsichord piece with live effects for 16 speakers showcased at the DME Festival in Lisbon.

[7'45"]

곡 설명

〈CLIMATE EXPRESSION 3〉은 기후 변화를 주제로 한 나의 세 번째 작품이다. 나는 기후 변화라는 문제를 우리가 어떻게 내면 깊이 체감하고 지각할 수 있는지 고민하고 있으며, 음악이 이를 가능하게 해준다고 믿는다. 나의 모든 작업은 늘 사회적 문제에 질문을 던져왔고, 앞으로도 이러한 작업을 이어갈 것이다. 작품에 사용된 음향 오브제들은 내가 거주하는 이탈리아 바리의 해안가에서 녹음되었다.

CLIMATE EXPRESSION 3 is my third work dedicated to climate change. I'm currently reflecting on how we can perceive the problem of climate change in our souls. I believe music can do this. All my works have always addressed societal issues, and I will continue along this path. The sound objects were recorded on the waterfront in Bari, Italy, where I live.

작가 프로필

Luigi Morleo는 미니멀리즘, 록 크로스오버, 포크-팝, 재즈, 일렉트로니카, DJ 등 다양한 음악·예술 양식을 사용한다. 그의 프로젝트는 사회의 문제들과 인류의 여러 권리에 초점을 맞춘다. 그의 여러 작품은 마라카이보 심포니 오케스트라(베네수엘라), 로마·라치오 오케스트라(이탈리아), 클레르몽페랑 음악원 오케스트라(프랑스), 덴버 청소년 예술가 오케스트라(미국), 우크라이나 국립음악아카데미 신음악 앙상블, 바리 메트로폴리탄 심포니 오케스트라 등이 연주했고, 뉴욕시 전자음향음악제, 멕시코 MUSLAB, Festival Futura(프랑스), Radiophrenia Glasgow(영국) 등에서 소개되었다.

He uses varied musical and artistic styles like minimalism, rock-cross-over, folk-Pop, jazz, electronica and DJ. The focus of his projects is on the problems of society and the various rights of humanity. Many of his works have been played by the Maracaibo Symphony Orchestra-Venezuela, Rome and the Lazio Orchestra-ITALY, Clermont-Ferrand Conservatoire Orchestre-France, Denver Young Artists Orchestra-USA, Ensemble for New Music of National Music Academy of Ukraine; Orchestra Sinfonica Metropolitana di Bari-ITALY, and at the New York City Electroacoustic Music Festival - USA and Festival MUSLAB from Mexico, Festival Futura Electronic – France, Radiophrenia Glasgow in United Kingdom.

[5'07", 2026]

곡 설명

산 공기가 우거진 나무 사이를 떠돌고 잊힌 오솔길이 땅속으로 이어지는 인도네시아 치메냔의 안개 자욱한 타후라 숲에서, 세심한 청취를 바탕으로 한 고정 매체 음향 작품이 탄생했다. 나뭇잎의 바스락거림, 숨은 시냇물, 곤충과 새, 그리고 네덜란드와 일본 점령기 동굴 내부의 울림에서 채집한 필드 레코딩은 다층적인 시간대에 걸쳐 숨 쉬는 풍경의 흔적이 된다. 숲은 살아있는 생태계뿐만 아니라 돌에 가려진 침묵의 역사, 즉 푸른 지붕 아래 성장과 점령의 기억을 동시에 전한다. 이러한 녹음들은 그래뉼러 신시시스와 글리치 기법을 거쳐 기원의 확실성이 해체된다. 물방울 하나는 분쇄된 메아리의 성좌가 되고, 새소리는 반짝이는 파편으로 갈라지며, 바람은 불확실한 화음의 그림자로 늘어난다. 소리는 유기적인 것과 합성적인 것, 현존과 소멸 사이를 오간다. 이 작품은 경탄과 경고 사이의 연약한 경계에 머문다. 환경 위기가 전 세계 생태계를 재편하는 상황에서, 숲은 불확실한 미래의 목격자이자 참여자가 된다. 지하 동굴은 깊은 청취의 방처럼 공명하며 과거의 메아리를 증폭하는 동시에 현재의 불안정성을 정면으로 다룬다. 아름다움과 소음, 단절의 층위가 교차하는 이 작품은 관객을 상상의 숲 속으로 안내하며, 우리를 지탱하는 풍경이 사라지기 시작할 때 무엇이 남는가라는 질문을 던진다.

Within the mist-laden forests of Tahura in Cimenyan, where mountain air drifts through towering trees and forgotten paths descend into the earth, this fixed-media sound work emerges from attentive listening. Field recordings collected among rustling leaves, hidden streams, insects, birds, and the cavernous interiors of the Dutch and Japanese caves become traces of a landscape that breathes across multiple timescales. The forest speaks not only through its living ecologies but also through the silent histories embedded in stone, carrying memories of both growth and occupation beneath its green canopy. These recordings are transformed through granular synthesis and glitch processes, dissolving the certainty of their origins. A single droplet becomes a constellation of fractured echoes; birdsong splinters into shimmering fragments; the wind stretches into restless harmonic shadows. Sounds drift between the organic and the synthetic, between presence and disappearance. The work inhabits the fragile threshold between wonder and warning. As environmental crises reshape ecosystems across the world, the forest becomes both witness and participant in an uncertain future. The subterranean caves resonate like deep listening chambers, amplifying echoes from the past while confronting the instability of the present. Through shifting layers of beauty, noise, and rupture, the piece invites listeners to wander through an imagined forest where every sound carries a question: what remains when the landscapes that sustain us begin to disappear?

작가 프로필

Fahmi Mursyid는 인도네시아를 기반으로 활동하는 현대음악가, 작곡가, 사운드 디자이너, 프로듀서다.

Fahmi Mursyid is a contemporary musician, composer, sound designer and producer based in Indonesia.

[9'46", 2026]

곡 설명

이번 겨울, 배리 트루악스의 사운드스케이프 작곡 과정의 일환으로 8채널 사운드스케이프 작품 작곡을 요청받았다. 2월 몬트리올의 대표적인 소음은 회색 진흙 눈길을 달리는 수천 대의 차량 소리였기에, 나는 지난여름에 녹음한 소리들을 다시 찾아보기로 했다. 모닥불 가에 머물며 채집했던 먼 아비새 커플의 울음소리에 파고들어, 〈Fire Loon〉은 형체를 알아보는 선에서 이 재료를 해체하고 재포장한다. 기존 소리의 특성을 강화하고 소리 풍경에 몇 가지 새로운 아이디어를 덧붙였다. 물가 근처 모닥불 옆에 서 있는 자신을 상상해 보라. 콘코르디아 대학교 Ogo 옥토포닉 스튜디오에서 작곡되었다.

This winter, I was asked to compose a soundscape piece in eight channels as part of Barry Truax’s soundscape composition course. Montreal’s keynote sound in February is thousands of vehicles in grey slush, so I opted to revisit recordings from my summer. Diving into a recording of a distant loon couple I made whilst lingering by the fire, Fire Loon unpacks and repackages this material while maintaining recognizability, augmenting pre-existing qualities of the sounds and painting a few new ideas into the picture. Imagine yourself by the fire, near the water.

Composed at Concordia University. 8.252, Ogo Octophonic studio.

작가 프로필

Eliot Roby는 캐나다 티오티아케(Tiohtià:ke)에서 소리를 매개로 활동하는 캐나다의 뮤지션이자 프로듀서, 아티스트다. 뉴웨이브, 아쿠스마틱, 앰비언트, 대서양 포크 음악을 아우르는 다채로운 배경을 바탕으로, 그는 전통적인 음악성과 전자음향적 실천에서 비롯된 감각을 결합한다. 다양한 기법과 재료를 한데 어우러지게 함으로써 서로 다른 소리의 세계를 잇는 새로운 문을 열어 나가고 있다.

Eliot Roby is a Canadian musician, producer and artist working with sound in Tiohtià:ke Canada. Hailing from an eclectic background of new wave, acousmatic, ambient and Atlantic folk music, Roby employs sensibilities from traditional musicianship and electroacoustic practices, combining techniques and source materials to open doors between worlds of sound.

<Aides… mémoires…> 작품 中

[4'13", 2026]

곡 설명

경제적, 정치적, 문화적 등 다방면에서 무너져 가는 세상의 소음과 마주할수록, 우리는 소음을 차단하고 일상 속 움직임에서 들려오는 소리에 집중하고자 내면으로 시선을 돌리게 된다. 이 작품은 소란스러운 세상 속에서 안식을 찾고자 하는 탐색을 반영하며, 원래 의도된 장소와는 다른 곳으로 우리를 인도한다. 그러나 그곳에서도 소리는 지구와 생명체에게 가해진 상처를 환기하며 현실 세계를 계속해서 상기시킨다. 바람과 도로의 소음으로부터 차단된 샌드헤이븐 항구의 평화로운 분위기는 더 깊은 청취로 나를 안내했다. 수면에 떠 있는 잔교와 항구 내 미세한 물결의 움직임 속에서, 목재와 금속이 내는 부드러운 삐걱임은 때로 고래의 노래처럼, 때로는 다치거나 죽어가는 동물의 마지막 숨소리처럼 울렸다. 나는 이 '동물적인' 신음 소리를 가공하여 새로운 음향적 발화를 만들어냈다. 이 작품은 존티 해리슨과의 공동 프로젝트 <Aides… mémoires…>의 일환으로, 단일 필드 레코딩으로 제작된 3~6분 분량의 소품 중 하나이다. 녹음은 2020년 1월 3일 영국 애버딘셔 샌드헤이븐 항구에서 이루어졌다. 본 작품은 원래 3차 앰비소닉스로 제작되어 콘서트홀이나 단체 감상 시 권장되지만, 스테레오 감상으로도 독특한 공간감을 경험할 수 있다.

As we are faced more and more with the noise of a world which is falling apart - economically, politically, culturally and on many other levels, we might find ourselves turning inwards to shut out that noise and to focus on what we hear around us in our everyday movements. This piece reflect that search for solace in a noisy world, allowing sound to take us to other places from those "intended", but where the real world continues to haunt us with these sounds bringing into focus images which reflect the damage we are doing to the planet and its inhabitants. Protected from the wind and from traffic noise from a nearby road, the peaceful ambience of Sandhaven Harbour invited me in to listen more deeply. As the jetty was floating and the movement of the water in the harbour was minimal, the gentle creaking of wood and metalwork often sounded animalistic, sometimes reminiscent of whale song at other times, of injured or dying animals uttering their last breath. I worked with these "animalistic" groans, transforming them to create further utterances. The piece forms part of the Aides… mémoires… project with Jonty Harrison, consisting of short form pieces (3-6') made from single field recordings. Recording made at Sandhaven Harbour, Sandhaven, Aberdeenshire, UK on 3 January 2020. The work was originally created in third order ambisonics and this is the preferred version for concert hall performance or for listening in a group context. However, it is still possible to experience some of the spatial aspects of the piece by listening in stereo.

작가 프로필

Pete Stollery는 버밍엄 대학교에서 작곡을 공부했으며 1980년대 초 BEAST(Birmingham Electroacoustic Sound Theatre)의 첫 구성원 중 한 명이었다. 콘서트홀 연주를 위한 음악, 특히 스피커를 위한 음악을 작곡하며, 최근에는 사운드 설치와 인터넷 프로젝트를 비롯해 콘서트홀 밖을 위한 작업도 만들어 왔다. 무용과 조각 등 다른 예술 분야의 실천가들과 협업해 왔고, 에든버러의 Our Dynamic Earth를 포함한 여러 영국 관광 명소를 위한 음악과 사운드 디자인을 제작했다. 2022년까지 스코틀랜드 애버딘 대학교에서 작곡 및 전자음악 교수로 재직했다. 그의 주된 창작 관심사는 인간이 바로 주변의 소리에 어떻게 반응하는가, 그리고 소리와의 관계 맺음이 장소·정체성의 관념과 어떻게 연결되는가이다. 그의 음악은 캐나다 레이블 empreintes DIGITALes에서 발매된다.

Pete Stollery studied composition at the University of Birmingham, where he was one of the first members of BEAST (Birmingham Electroacoustic Sound Theatre) in the early '80s. He composes music for concert hall performance, particularly music for loudspeakers and more recently has created work for outside the concert hall, including sound installations and internet projects. He has collaborated with practitioners from other artistic disciplines, particularly dance and sculpture and has produced music and sound design for a number of UK visitor attractions including Our Dynamic Earth in Edinburgh. Until 2022, he was Professor of Composition and Electroacoustic Music at the University of Aberdeen, Scotland. His main creative interest is in how humans respond to sounds in their immediate surroundings and how an engagement with sound relates to a notion of place and identity. His music is published by the Canadian label empreintes DIGITALes.

[12'44", 2025]

곡 설명

〈Pirapitinga Vaz’a Baril〉은 브라질 북동부 지역에서 역사적, 문화적으로 가장 중요한 강 중 하나인 바자바리스(Vaza-Barris)강에서 영감을 받아 제작한 아쿠스마틱 및 필드 레코딩 기반의 사운드 작품이다. 이 작품은 바이아주의 건조한 세르탕(sertão)에서 아라카주의 대서양에 이르는 450km 길이의 수역을 단순한 지리적 대상으로 바라보는 데 그치지 않고, 살아 숨 쉬는 선조의 존재이자 깊은 집단적 기억의 저장소로서 강을 탐구한다.

작품의 제목은 강에 부여되었던 원주민의 이름인 파라피팅가(Parapitinga) 또는 이피랑가(Ipiranga)를 되살려 내며, 강물이 영적이자 물질적인 생명의 근원이었던 식민지 이전 시대를 환기한다. 세심한 환경적 청취를 통해, 작품은 이처럼 깊은 시간의 유산을 삼림 파괴와 부동산 투기로 인한 현대의 생태적 상흔과 마주하게 하며, 환경적 취약성과 역사적 회복력이 공존하는 사운드스케이프를 포착해 낸다.

Pirapitinga Vaz’a Baril is an acousmatic and field-recording-based sound piece inspired by the Vaza-Barris, one of the most historically and culturally significant rivers in the Northeast region of Brazil. The work explores the river not merely as a geographic body of water stretching 450 km from the dry sertão of Bahia to the Atlantic Ocean in Aracaju, but as a living, ancestral entity and a repository of deep collective memory.

The title reclaims the river's indigenous names (Parapitinga or Ipiranga), evoking a pre-colonial era when the waters represented a spiritual and material source of life. Through specialized environmental listening, the piece confronts this deep temporal heritage with the modern ecological scars of deforestation and real estate speculation, capturing a soundscape that balances environmental vulnerability with historical resilience.

작가 프로필

Dudu Prudente는 브라질·벨기에 작곡가이자 드러머, 사운드 엔지니어로 자연·기억·기술의 교차점을 탐구한다. 전자음향 연구와 아쿠스마틱 창작에 집중하며, Musiques et Recherches에서 아네트 반데 고르네(Annette Vande Gorne)를 사사했다. 그의 작품은 BOEM, Electrobelge, Musica Nova, Paysages Composés 등 국제 페스티벌에서 소개되었다. 2024년 작품 〈Calcaire〉로 Festival L'Espace du Son의 Métamorphoses 경연에서 수상했다. 〈Pirapitinga Vaz’a Baril〉은 필드레코딩을 기반으로 한 가장 최신작이다.

Dudu Prudente is a Brazilian-Belgian composer, drummer, and sound engineer exploring the intersection of nature, memory, and technology. Focused on electroacoustic research and acousmatic creations, he studies at Musiques et Recherches under Annette Vande Gorne. His works have been featured at international festivals including BOEM, Electrobelge, Musica Nova, and Paysages Composés. In 2024, his piece Calcaire won the Métamorphoses Competition at Festival L'Espace du Son. His most recent soundscape creation based on field recordings is Pirapitinga Vaz’a Baril.

[6'38"]

곡 설명

나는 늘 곧게 뻗은 기상과 나뭇잎의 섬세한 움직임이 돋보이는 대나무의 우아함에 매료되어 왔다. 송나라 시인 소식이 "고기 없는 식사는 할 수 있어도 대나무 없는 삶은 살 수 없다"고 표현했듯, 대나무는 내게 깊은 예술적 울림을 준다. 내 고향인 대만 신주의 풍경 역시 푸른 대숲으로 아름답게 둘러싸여 있었다. 안타깝게도 최근 몇 년 동안 상업적 이익 때문에 환경 보전은 뒷전으로 밀려났다. 이윤을 좇아 토지 소유주들은 위락시설 조성을 허용했고, 그 결과 사랑하는 대나무숲을 비롯한 인근 산림이 무참히 벌목되고 있다. 지역 단체들의 보존 노력에도 불구하고 파괴는 여전히 계속되고 있다. 이에 예술가로서 나는 사라져가는 고향의 대나무숲 필드 레코딩에 기반한 프로젝트를 시작했다. 음향 생태학이 삶의 중요한 요소임을 인지하며, 대나무숲이 영원히 사라지기 전에 그 사운드스케이프를 포착해 보존하고자 했다. 디지털 기술을 활용해 녹음된 소리에 새로운 화성, 리듬, 공간감, 음색을 더함으로써 대나무의 숨겨진 '들리지 않는' 내면의 소리를 끌어냈다. 가공된 소리와 원본 녹음을 교차하여 완성한 작품이 바로 이다. 이 작품은 자연음의 구체적 실재와 가공된 음향의 영묘함 사이를 유연하게 오가며 진정한 '메타스케이프'를 보여준다. 이러한 상호작용은 동양의 음양 사상을 반영하는 역동적 대비를 이루며 가상과 실재의 경계를 흐린다.

I have always been captivated by the elegance of bamboo—its tall, unyielding posture and the delicate dance of its leaves. It evokes a profound artistic resonance within me, perfectly captured by the Song Dynasty poet Su Shi: "I would rather eat without meat than live without bamboo." In my hometown of Hsinchu, Taiwan, the surrounding landscapes are beautifully defined by these verdant bamboo groves. Tragically, recent years have seen environmental preservation take a backseat to commercial interests. Driven by the allure of profit, landowners have permitted developers to clear these lands for recreational facilities. Consequently, the nearby forests—including my beloved bamboo groves—are being ruthlessly felled. Despite the earnest protests of local organizations striving to protect the area's natural heritage, their efforts have not succeeded, and the destruction continues unabated. In response, as a sound artist, I initiated a creative project rooted in field recordings of my hometown's vanishing bamboo forests. My goal is to capture and preserve the natural soundscape of these groves before they are lost forever, recognizing that acoustic ecology is a vital component of our living environment. Using digital technology, I manipulate these field recordings—introducing new harmonies, rhythms, spatial dimensions, and timbres—to unearth the hidden, "unheard" inner voices of the bamboo. By interweaving these digitally transformed tones with the raw, original field recordings, I created the final sound art piece: Metascape of Bamboo. It exists as a true "metascape," oscillating fluidly between the tangible reality of the natural sounds and the ethereal quality of the processed audio. This interplay creates a dynamic contrast that mirrors the Eastern philosophical concepts of yin and yang, blurring the lines between virtuality and reality.

작가 프로필

Yu-Chung Tseng은 텍사스 UNT에서 음악예술박사(DMA)를 받았으며 대만 국립양명교통대학교(NYCU)에서 컴퓨터음악 작곡 교수이자 Sound Lab 디렉터로 재직 중이다. 그의 작품은 Taiwan-CLAB, ICMC(19회), NYCEMF, Musicacoustica, SICMF, SMC2016, Visiones Sonoras, La Hora Acusmatica, FIME, MUSLAB, Musica Nova 등의 페스티벌과 학회에서 연주되었다. Pierre Schaeffer 국제컴퓨터음악경연(2003년 1등상), Città di Udine 국제현대음악경연(2019년 우승), Musica Nova(2010·2025년 1등상), ICMC 지역 최우수음악상(2011/2015/2022), KLANG 국제아쿠스마틱작곡경연(2023년 2등상), ICMC2025 최우수음악상 등을 수상했다.

Yu-Chung Tseng, receiving his DMA from UNT in Texas, is a professor of computer music composition and the director of Sound Lab at National Yang Ming Chiao Tung University (NYCU) in Taiwan. His works have received performances at festivals and conferences, including Taiwan-CLAB, ICMC (19 times), NYCEMF, Musicacoustica, SICMF, SMC2016, Visiones Sonoras Festiva, La Hora Acusmatica, FIME, MUSLAB, and Musica Nova. His music has been recognized with selection/awards from Pierre Schaeffer International Computer Music Competition (2003 1st Prize), Città di Udine International Contemporary Music Competition (2019 Winner), Musica Nova (2010 First Prize), Metamorphoses (2006-2010 Finalist), ICMC Region Best Music Award (2011/2015/2022), RMN Classical Electroacoustic (2023 Winner), KLANG International Acousmatic Composition Competition (2023 2nd Prize), Musica Nova (2025 1st Prize) and ICMC2025 Best Music Award.

[9'38", 2024]

곡 설명

〈dans la plaine incertaine(불확실한 평원에서)〉는 겉보기에 여백이 많고 미니멀해 보이는 사운드스케이프가 가까이 접근했을 때 드러내는 풍부한 미세 요소 사이의 긴장감을 탐구한다. 어는비가 내려 모든 것이 얼음 층에 갇혔지만 나무들은 여전히 흔들린다. 얼음 알갱이들은 하늘을 채우며 평원에서 발생하는 모든 소리를 회절시킨다. 저 멀리 벽난로 불빛이 따뜻한 담요를 떠올리게 하며 작은 창을 밝힌다. 필드 레코딩은 겨울밤에 진행되었다. 5~7미터 높이의 나무 울타리가 어는비로 덮여 있었고, 바람에 흔들리는 얼음 덮인 나무들은 독특한 소리를 만들어냈다. 녹음은 MKH8040 마이크 한 쌍을 ORTF 방식으로 설치하여 Sonosax Minir82 레코더에 담았다. 마이크는 붐대를 이용해 2~3미터 높이에서 나무에 최대한 가깝게 위치시켰다. 근경이 매우 가깝게 포착되었음에도 나에게 가장 흥미로웠던 부분은 원경이었다. 먼 나무들을 흔드는 바람과 평원 너머에서 드물게 들려오는 인간의 활동음이 배경에서 펼쳐진다. 곡에 사용된 합성음은 이 단순하면서도 밀도 높은 장면의 세부 요소로 관객의 주의를 이끄는 대비이자 거울 역할을 한다.

〈dans la plaine incertaine〉 explores the tension between an apparently sparse, minimal soundscape, and the actual amount of details that appear once one gets closer. Freezing rain has encapsulated all things in a layer of ice. Yet the trees are moving. Ice pellets fill the sky with diffractions of every sound from the plain. Further away, a fireplace keeps a small window lit with the comforting idea of a warm blanket. As hinted in the program notes, the field recording is done on a winter night. A hedge of 5 to 7 meter-high trees were entirely covered in freezing rain. The wind was making the trees sway, and with the ice around them the sound was peculiar. Recording is done with a pair of MKH8040 in ORTF configuration, into a Sonosax Minir82 recorder. The microphones were held on a boom at a height of about 2-3 meters, as close to the trees as possible. Even with such a close foreground, the most interesting thing to me in this sound is the background, where many things happen through the wind in further trees and the sparse human activity in the distant plain. The synthesized sounds in the piece are chosen to provide a contrast and a mirror that leads the attention to all the details in this simple yet dense scene.

작가 프로필

leo magnien(1985)은 고정된 소리와 살아 있는 소리로 작업하는 예술가이다. 라디오 방송국의 야간 근무 중 그는 아쿠스마틱 사운드와 전송(transmission)의 시적 본성을 발견했다. 이후 모든 작업의 기반으로 포노그래피(phonography)를 사용하는 듣기의 실천을 발전시켜 왔다. 그는 소리를 우리를 세계에 짜 넣는 촉각적 매체로 여기며, 미묘한 변주, 희박한 지각, 그리고 그것을 청자에게 어떻게 제시할지에 초점을 맞춘다. 현재 프랑스 북부에 거주한다.

leo magnien (1985) works with sounds, fixed and living as well. During night shifts in a radio station, he discovered the poetic nature of acousmatic sound and transmission. He has since developed a practice of listening that results in the use of phonography as a basis of all his works. He considers sound as a tactile media that weaves us in the world. His focus is on the subtle variations, the tenuous perceptions, and how to present these to the listener. He currently lives in a natural zone in northern france.

[4'47"]

곡 설명

나는 공간의 음향적 특성이 배제된 소리 본연의 날것 상태에 지속적으로 매료되어 왔다. 접촉 마이크를 활용해 표면 진동을 채집한 녹음을 다수 사용했으며, 이후 이 녹음들에 이퀄라이저 처리를 거쳐 특정 음악적 화성을 부여함으로써 음악성을 더했다. 또한 접촉 마이크로 내 심장박동을 녹음하여 전자 합성 음향 형태로 곡에 반영했다. 이 작품은 생기 넘치고 아름다운 생물종의 녹음으로 시작하지만, 전개됨에 따라 맨귀로는 들리지 않는 흙이나 표면의 진동과 같은 새롭고 이색적인 소리들이 도입된다. 이 소리들은 공간 고유의 음향적 잔향에서 탈피되어 있다. 이 곡은 귀의 초점을 공간 전체에서 해당 공간의 공명하는 표면으로 옮겨감에 따라 공간감이 점차 아득해지는 청각적 여정을 선사한다. 나는 이 작업을 직접 구상하고 녹음, 프로듀싱, 믹싱까지 전담했다.

I have been obsessing over sounds, in their raw state, without any acoustic characteristics of a space imbued in them. I have used a lot of surface recordings done with contact mics. All these recordings are then EQ'd later to create specific musical chords to introduce a sense of musicality. I also recorded my own body with a contact mic to record my own heartbeat, which has been used in this work in a more synthesised manner. This piece starts with a recording of lively, beautiful species. However, as we move forward, new, unconventional sounds are introduced—sounds of surface vibrations, soils, etc, which are not audible in bare ears. All these are free from any acoustic characteristics of a space imbibed in them. This composition is basically a journey, where the sense of space gradually gets lost as we move our ear away from the space toward the resonating surface of the same space. I conceptualised, recorded, produced, and mixed this work on my own.

작가 프로필

Prabuddha Mukhopadhyay는 인도 콜카타의 사티야지트 레이 영화텔레비전 학교에서 공부한 사운드 아티스트이자 사운드 디자이너다. 그의 작품은 영화 사운드에 기반을 두지만, 사운드 아트, 필드 레코딩, 그리고 뉴미디어 맥락에서 실제 세계의 소리를 빚어내는 창작적 가능성에도 똑같이 이끌린다. 그의 작업은 공간 음향, 바이노럴 녹음, 앰비소닉스, 그리고 간과된 질감과 음향적 시점을 발굴하기 위한 비관습적 마이크의 사용을 탐구한다. 그의 녹음과 사운드 작업은 Radiophrenia Glasgow, Cities and Memory(옥스퍼드), Resonance FM 등의 플랫폼에서 소개되었다.

I am a sound artist and sound designer trained at the Satyajit Ray Film and Television Institute in Kolkata, India. While my practice is grounded in film sound, I am equally drawn to sound art, field recording, and the creative possibilities of shaping real-world sound in new media contexts. My work explores spatial audio, binaural recording, Ambisonics, and the use of unconventional microphones to uncover overlooked textures and sonic perspectives. Recordings and sound works of mine have been featured on platforms like Radiophrenia Glasgow, Cities and Memories (Oxford), and Resonance FM, among others.

[8'19"]

곡 설명

〈Insektarion〉은 폴란드의 대도시 중 하나인 브로츠와프를 다룬 작품이다. '나의' 브로츠와프는 도시의 음향권이라기보다는 기억을 다듬은 정신적 스케치에 가깝다. 이 작품은 브로츠와프의 여러 상황과 사람들을 떠올리게 하는 분위기, 사운드 로고, 상징, 음향적 엠블럼을 새롭게 구축한다. 나는 직접 녹음한 필드 레코딩과 브로츠와프 대학교 사운드스케이프 연구 스튜디오 아카이브의 녹음 자료를 사용했다.

Insektarion is a piece about Wroclaw - one of the biggest cities in Poland. "My" Wroclaw is not so much the city's audiosphere, but rather a mental sketch of memory. The work established anew the atmosphere, sound logos, symbols and sonic emblems recalling different situations and people in Wroclaw. I used a field recordings made by myself and from the archive of the Soundscape Research Studio of the University of Wroclaw.

작가 프로필

폴란드의 작곡가. 포즈난 음악원 작곡 교수 겸 전자음악 스튜디오 디렉터. 관현악·멀티미디어·전자음악 작품으로 다수 수상. 소리와 음악, 음향 생태학, 폴란드 실험음악, 일본 전통음악 등을 주제로 책·논문·발표·초청강연을 하고, 유럽·남북아메리카·중국·일본·뉴질랜드에서 여름강좌와 워크숍을 진행했다. EMS 스톡홀름, SE PR 바르샤바, IPEM/BRT 겐트, ZKM 카를스루에, SWR 프라이부르크 실험스튜디오 등에서 전자음악을 제작했다. 폴란드 전자음악협회 부회장, 전 폴란드 작곡가연맹 부회장, 'Warsaw Autumn' 페스티벌 프로그램 위원회 위원.

Polish composer, professor of composition and director of the Electroacoustic Music Studio at the Academy of Music in Poznan; numerous awards for orchestral music, multimedia, electroacoustic works; books, articles, papers, guest lectures (topics: sound and music, acoustic ecology, Polish experimental music, traditional Japan music), summer courses, workshops in Europe, both Americas, China, Japan, New Zealand; electroacoustic compositions realised at the EMS Stockholm, SE PR Warsaw, IPEM/BRT Gent, ZKM Karlsruhe, Experimentalstudio des SWR Freiburg; vice-president of the Polish Society for Electroacoustic Music, former vice-president of the Polish Composers' Union, programming committee member of the "Warsaw Autumn" Festival.

[Crushed (Jonty Harrison, 3'31", 2024) / Clermont Horns (Pete Stollery, 4'51", 2020) / At the End of the Tunnel (Jonty Harrison, 5'58", 2020/21)]

곡 설명

〈Aides… mémoires…〉는 Jonty Harrison과 Pete Stollery가 만드는, 진행 중이며 계속 확장되는 프로젝트로, 3~6분 길이의 짧은 아쿠스마틱 작품들로 이루어진다. 각 곡은 특정한 날 특정한 장소에서 이루어진 단일 필드 레코딩에 기반해, 작곡가에게는 장소와 시간에 얽힌 구체적 기억을 불러일으키고, 함께 듣기('listening with')를 통해 다른 이들에게도 비슷한 경험의 기억을 촉발하기를 바란다. 이 프로젝트는 수십 년에 걸쳐 세계 곳곳에서 모은 개인 필드 레코딩 아카이브 — 대개 다른 작품에는 쓰이지 않았던 소리 재료 — 를 다시 찾아보게 한다. 각 곡의 성격은 '르포르타주'에서 '추상'까지 폭넓으며(한 곡 안에서 오가기도 한다), 청자를 있을 법하지 않은, 심지어 불가능한 장소에 놓는 듯한 특징을 자주 띤다. 각 곡은 두 사람 중 한 명이 단독으로 작곡한 것이며 '공동 작곡'이 아니다.

· Crushed — Jonty Harrison 

새로운 소리 재료를 찾기 위해 아이슬란드로 떠난 여행에서 나는 리사 휘슬크로프트와 스티브 베너의 안내로 낡은 분쇄기의 녹슨 잔해를 만났고, 이를 공기 마이크와 컨택트 마이크로 녹음했다. 이 분쇄기는 스나이펠스예퀴들 빙하 근처 스타파펠 산비탈에 방치된 부석 채취장의 일부였다. 그곳 동쪽으로 뻗은 스나이펠스네스 반도 해안선의 아름다움에도 불구하고, 멀리서 들려오는 바닷새 울음소리와 낮고 무거운 아이슬란드의 하늘은 방치됨과 황량함을 더욱 짙게 만들었다.

· Clermont Horns — Pete Stollery 

이 곡은 내가 사진가 존 페리볼라리스, 작가 에드 웰치와 함께할 프로젝트 자료를 모으기 위해 클레르몽페랑에 머물 때 만든 단 하나의 필드 레코딩으로 이루어졌다. 나는 멀리서 들려오는 자동차 경적 소리를 들었고, 끊임없이 번지는 그 화음에 매료되어 곧바로 녹음기를 집어 들었다. 이때 우리 셋 중 누구도 그날이 2018년 11월 프랑스에서 일어난 노란 조끼 시위의 첫 주말이라는 사실을 알지 못했다.

· At the End of the Tunnel — Jonty Harrison

프랑스와 영국 사이 채널 터널을 통과하는 자동차 수송 열차는 차량이 열차 끝까지 달릴 수 있도록 객차들이 겹쳐진 바닥 패널과 고무 개스킷으로 연결되어 있다. 주행 중 이 부품들이 마찰하면서 온갖 삐걱거리는 소리를 만들어내며, 그 밑바탕에는 철로 위를 구르는 바퀴의 끊임없는 규칙적인 소리가 깔려 있다. 객차 사이 공간, 즉 개스킷 안쪽은 소리를 듣고 녹음하기에 훌륭한 장소다! 브렉시트 협상이 이른바 '터널 진입'이라 불리는 긴장된 최종 국면에 접어든 바로 그 시기에, 영국과 유럽을 잇는 주요 연결로를 소재로 곡을 쓴다는 아이러니를 나 역시 깊이 느꼈다.

〈Aides… mémoires…〉is an ongoing, evolving project, comprising short acousmatic pieces (3–6 minutes long) by Jonty Harrison and Pete Stollery. Each piece is based on a field recording made in a particular location on a particular day, evoking specific memories of place and time for the composer, but also hopefully – through shared listening ('listening with') – prompting memories of similar experiences in others. The project allows us to revisit our personal archives of field recordings collected around the world over several decades – sound material that has usually not found its way into our other pieces. The pieces range in nature (sometimes within each one) from 'reportage' to 'abstraction' and are often characterised by seeming to place the listener in unlikely, if not impossible, locations. Each piece is composed by just one or other of us; these are not 'joint compositions'.

· Crushed – Jonty Harrison
On a trip to Iceland in search of new sound materials, I was introduced by Lisa Whistlecroft and Steve Benner to the rusting remains of an old crushing machine (part of an abandoned pumice working on the slopes of Stapafell, near Snæfellsjökull) which I recorded with both air and contact microphones. Despite the beauty of the coastline of the Snæfellsnes Peninsula stretching away to the east of the location, the sense of neglect and desolation was emphasised by the distant calls of seabirds and the low, heavy Icelandic sky.

· Clermont Horns – Pete Stollery
This piece is made from one single field recording I made when I was in Clermont Ferrand gathering data for a project with photographer John Perivolaris and writer Ed Welch. I heard the sound of car horns in the distance and immediately reached for my recording device, entranced by the harmonies of the constantly smearing car horn sounds. At this point, all three of us were unaware that this was the first weekend of the Gilets Jaunes demonstrations in France in Nov 2018.

· At the End of the Tunnel – Jonty Harrison
To enable cars to drive the entire length of the transporter train which runs through the Channel Tunnel between France and the UK, the carriages are linked by overlapping floor panels and rubber gaskets. In motion, the friction between these elements creates a wealth of squeaks and squeals, all underpinned by the constant drumming of the wheels on the track. The space between the carriages (i.e. inside the gaskets) is a wonderful place for listening (and recording)! The irony of composing a piece based on a major link between the UK and Europe at the very time that the Brexit negotiations were in their tense final phase (the stage referred to as 'entering the tunnel') was not lost on me.

작가 프로필

Jonty Harrison은 요크 대학교에서 작곡을 공부한 뒤 버밍엄 대학교에서 가르쳤고, 그곳에서 BEAST를 창설하고 이끌었다. 현재 작곡·전자음악 명예교수이며 몽펠리에 MAS/KLANG! Acousmonium의 협력 작곡가(Compositeur Associé)이기도 하다. 그의 (주로 아쿠스마틱) 작업은 소리·공간·기억의 관계를 탐구한다.

Jonty Harrison studied composition at the University of York, before teaching at the University of Birmingham, where he founded and directed BEAST. Now Emeritus Professor of Composition and Electroacoustic Music, he is also Compositeur Associé, MAS/KLANG! Acousmonium, Montpellier. His (predominantly acousmatic) work explores the relationships between sound, space and memory.

Pete Stollery는 버밍엄에서 작곡을 공부했고 1980년대 초 BEAST에 합류했다. 애버딘 대학교에서 음악 프로그램을 다시 도입하는 데 기여했으며 2022년 작곡·전자음악 교수로 은퇴했다. 그의 작업은 인간이 환경음과 장소에 어떻게 반응하는지를 탐구하며 전자음악 작곡, 설치, 기악을 아우른다.

Pete Stollery studied composition at Birmingham, joining BEAST in the early 1980s. He helped re-introduce music programmes at the University of Aberdeen, retiring as Professor of Composition and Electroacoustic Music in 2022. His work explores how humans respond to environmental sound and place, spanning electroacoustic composition, installations and instrumental music.

[9'00", 2018]

곡 설명

〈Nullius in Verba〉는 라틴어로 "누구의 말에도 얽매이지 않고"라는 뜻이다. 이 아쿠스마틱 작곡은 필드 레코딩 및 스튜디오 녹음과 그 소리들의 변형 및 정교화 과정을 포함한다. 음원으로는 목소리, 타악기, 플루트, 첼로 소리를 비롯해 기계음과 환경음이 쓰였다. 이 음악은 일종의 '가사 없는 노래'로 구상되었으며, 나는 작업하는 동안 멘델스존의 말을 떠올렸다. 그는 "내가 사랑하는 음악이 내게 표현하는 바는 말로 나타내기에 너무 모호해서가 아니라 오히려 너무 명확하기 때문에 말로 할 수 없는 것이다."라고 했다. 작품에 사용한 기법으로는 앰비소닉 공간화와 스펙트럴 변형이 있으며, Kyma, Csound, Metasynth, Cecelia, Trajectory, Spat Revolution 등의 도구를 활용했다.

〈Nullius in Verba〉 translates from the Latin as "on the word of no one." This acousmatic composition incorporates field and studio recordings and their transformation and elaboration. Sound sources include vocal, percussion, flute and 'cello sources together with mechanical and environmental sounds. The music is conceived as a kind of "song without words," and in working on it, I was reminded of Mendelssohn: "What the music I love expresses to me, is not thought too indefinite to be put into words, but on the contrary, too definite." Techniques used for the work include ambisonic spatialization and spectral transformation methods. Tools used include Kyma, Csound, Metasynth, Cecelia, Trajectory and Spat Revolution.

작가 프로필

Robert Scott Thompson은 기악·전자음향 음악 작곡가이며 애틀랜타 조지아 주립대학교 음악작곡 명예교수다. 2003년 Musica Nova 경연 1등상, 2001년 Pierre Schaeffer 경연 1등상을 비롯해 The American Prize, Concorso Internazionale "Luigi Russolo", Irino Prize, Bourges 국제전자음악경연(위촉 커미션 포함) 등에서 여러 상을 받았다. 그의 작업은 코리야마 비엔날레, 헬싱키 비엔날레, Sound, Présences, Synthèse, Sonorities, ICMC, SEAMUS, Cabrillo Music Festival 등에서 소개되었고 Radio France, BBC, NHK, ABC, WDR, NPR에서 방송되었다. 캘리포니아 대학교 샌디에이고(UCSD)에서 음악작곡 박사학위를 받았고 그곳 컴퓨터 오디오 연구소(CARL)의 일원이었으며, 덴마크 전자음향음악연구소의 상주 작곡가로 풀브라이트 펠로우를 지냈다. 90종이 넘는 음반을 발표했다.

Robert Scott Thompson is a composer of instrumental and electroacoustic music and is Professor Emeritus of Music Composition at Georgia State University in Atlanta. He is the recipient of several prizes and distinctions for his music including the First Prize in the 2003 Musica Nova Competition, the First Prize in the 2001 Pierre Schaeffer Competition, and awards in Musica Nova, The American Prize, Concorso Internazionale "Luigi Russolo", Irino Prize Foundation Competition for Chamber Music, and Concours International de Musique Electroacoustique de Bourges - including the Commande Commission. His work has been presented in festivals such as the Koriyama Bienalle, Helsinki Bienalle, Sound, Présences, Synthèse, Sonorities, ICMC, SEAMUS and the Cabrillo Music Festival, and broadcast on Radio France, BBC, NHK, ABC, WDR, and NPR. He earned his PhD in music composition from the University of California, San Diego, where he was part of the Center for Music Experiment's Computer Audio Research Laboratory. He was a Fulbright Fellow in Denmark, serving as Composer in Residence at the Danish Institute of Electroacoustic Music. His discography spans over 90 releases.

곡 설명

<지구에서, 지구에게>는 80년대 일본 SF 만화 및 애니메이션에서 영감을 받은 라이브 사운드 컴포지션으로, 청취자를 “지구와 함께 듣는 경험” 안으로 초대한다. 이 라이브셋은 초자본주의적 감각 체계에서 이탈하여 다른 모든 존재들과 공명하고 그 소리를 함께 듣는 지구 환경의 일부로서 듣기를 제안한다. 필드 레코딩 기반의 생성형 오디오 신경망 모델과 지오폰으로 현장의 지면 진동을 녹음하고 송출하는 라이브 필드 레코딩 피드백 루프를 통해 서로 대비되는 2악장의 구조로 연주된다.

From Earth to Earth(지구에서, 지구에게) is a live composition inspired by 1980s Japanese sci-fi anime. The composition invites listeners into "listening with the Earth," moving away from the permanent hyper-capitalist soundscape. It unfolds in two contrasting movements: a generative neural model trained on field recordings, and a live feedback loop of ground vibrations sensed by a geophone on site.

작가 프로필

Kylie Oh(카일리 오)는 서울과 쾰른 기반 사운드 아티스트다. 음악과 소리를 통해 라이브 현장의 사람들 간의 공유된 기억을 만들고자 한다. 공간적 음향을 사용한 전자음악 컴포지션과 필드 레코딩, 사운드 코딩 등을 주로 사용한다. 도시와 환경, 공감각, 그리고 민주적인 연결의 가능성에 관심이 있다.

Kylie Oh is a sound artist based in Seoul and Cologne. She works with music and sound to create shared memories among people gathered in live settings. Her practice centers on electronic composition using spatial sound, field recording, and sound coding. She is interested in cities and the environment, synesthesia, and the possibilities of democratic connection.

곡 설명

낯선 환경, 공간, 집단.

교차하는 경험, 감정, 관계.

자신과 새로운 세계 사이의 차이.

개인과 환경이 서로를 받아들이는 과정에서 발생하는 마찰.

그럼에도 우리는 각자의 낯섦을 지닌 채 서로에게 다가가고, 하나의 공동체를 이룬다.

Unfamiliar environments, spaces, and communities.
Intersecting experiences, emotions, and relationships.

The distance between oneself and a new world.
The friction that arises as individuals and their surroundings learn to accept one another.

Even so, we approach one another while carrying our own sense of unfamiliarity, and form a community together.

작가 프로필

음악가 안은강은 부산과 서울을 교차하며 음악을 작곡한다.

소리 합성, 알고리즘, 필드 레코딩, 어쿠스틱 악기 등 서로 다른 재료들을 충돌시키며, 그 사이에 등장하는 소리의 잠재성을 음악으로 구성해낸다.

언제나 고향 부산을 그리워한다.

Eunkang An is a musician working between Busan and Seoul.

By colliding sound synthesis, algorithms, field recordings, and acoustic instruments, he composes the sonic potential that emerges between them.

Always longing for his hometown, Busan.