[21'32", 2023]

곡 설명

바를레타 출신 화가 주세페 데 니티스의 작품 〈나폴리에서 브린디시로 가는 길〉에서 영감을 받은 이 작품은 바를레타시의 시골, 수호성인 축제의 거리, 기차, 바다, 밤의 소리 등 현장에서 채집한 필드 레코딩으로 제작되었다. 나폴리에서 브린디시로 향하는 여정 내내, 작곡가는 화가의 마음속에서 찰나의 섬광처럼 깨어나는 기억의 파편들을 떠올렸다. 길 위에서 마주친 장소들에서 길어 올린 소리들은 화가의 영혼 깊이 뿌리내린 기억과 섞이며, 그를 고향의 순간들로 되돌려 놓는다. 진정한 무의식의 섬광이라 할 수 있다. 그리하여 '목소리의 바다'는 바를레타 서쪽 해안의 실제 바다로 마술처럼 변모하고, 쉼 없이 부딪히는 파도는 나폴리에서 태어난 이탈리아 최초의 철도처럼 기차의 쉼 없는 움직임을 끊임없이 반향한다. 이 기차는 다시 공기와 바람, 밤과 낮의 흐름 속으로 녹아들며 주변 시골의 소리들을 품어낸다. 현재와 기억, 회상은 화가의 창조적 정신 안에서 조화롭게 뒤섞여 하나의 연상 작용을 이룬다. 이 작품에서 청취 경험은 기억을 통과하는 내적 여정으로 구상되었다. 환경음은 점차 단순한 다큐멘터리적 기록의 기능을 넘어 회상을 자극하는 상징적 요소로 거듭난다. 작품은 일련의 사건을 순차적으로 서술하기보다, 청자가 기억을 하나의 무의식적 과정으로 직접 경험하도록 이끈다. 기술적으로는 Csound로 구현되었으며, 악보 생성 및 작곡 과정 제어를 위해 작곡가가 직접 개발한 알고리즘 소프트웨어 환경인 ALkatMIST를 활용해 악보를 생성했다.

This work was created using field recordings from the city of Barletta: the countryside, the streets during the patronal feast, the train, the sea, and the sounds of the night. It is inspired by the painting The Road from Naples to Brindisi by the Barletta-born painter. Throughout the journey from Naples to Brindisi, I imagined fragments of memories—like sudden flashes—awakening in the painter's mind. These sounds, drawn from the places encountered along the way, blend with the memories deeply rooted in the artist's soul, leading him to relive moments from his hometown. True unconscious flashes. Thus, a sea of voices magically transforms into the actual sea along the western coast of Barletta, with the lapping of waves constantly echoing the relentless motion of the train (just like the first Italian railway, born in Naples). This train, in turn, merges with the air, the wind, the night and the day, capturing the sounds of the surrounding countryside. The present, memory, and recollection harmoniously blend within the artist's creative mind, forming a stream of associations. The listening experience is conceived as an inner journey through memory. Environmental sounds gradually lose their documentary function and become symbolic elements that activate recollection. Rather than narrating a sequence of events, the work invites the listener to experience memory as an unconscious process. The work was realized in Csound, with the score generation carried out using ALkatMIST, a software environment developed by the composer for algorithmic score generation and the control of compositional processes.

작가 프로필

Nicola Monopoli는 1991년 바를레타에서 태어난 이탈리아 작곡가다. 바리 'N. 피치니' 음악원에서 음악·신기술 학사(우등), 전자음악 석사(우등), 작곡 학위(만점)를 받았다. 런던 왕립음악원(RCM)에서 작곡 아티스트 디플로마를 최초로 취득했으며 클리프턴 파커 상과 Giovani Artisti Italiani/DE.MO. 장학금의 지원을 받았다. 그의 작품은 이탈리아·프랑스·독일·호주·영국·아일랜드·노르웨이·그리스·러시아·미국·스페인·일본에서 De Montfort University SSSP, SICMF, NYCEMF, Stanford LAC, Emufest 등 주요 페스티벌에서 연주됐다. 2015년 Golden Key 작곡 콩쿠르(미국) 1위. 현재 이탈리아 포자의 'U. Giordano' 음악원에서 전자음악 작곡을 가르치며 전자음악 작곡·소닉아트·인터미디어 응용 박사 과정을 총괄한다.

Nicola Monopoli is an Italian composer born in Barletta in 1991. He holds a Bachelor's in Music and New Technologies with honors, a Master's in Electronic Music with honors, and a degree in Composition with full marks from the 'N. Piccinni' Conservatory in Bari. He was the first to earn the Artist Diploma in Composition from the Royal College of Music in London, supported by a Clifton Parker Award and a Giovani Artisti Italiani/DE.MO. scholarship. His works have been performed internationally — Italy, France, Germany, Australia, England, Ireland, Norway, Greece, Russia, USA, Spain, Japan — at major festivals including De Montfort University SSSP, SICMF, NYCEMF, Stanford LAC, and Emufest. He won first prize at the Golden Key Composition Competition 2015 (USA). He currently teaches Electroacoustic Composition and coordinates the PhD programme in Electroacoustic Composition, Sonic Arts, and Intermedia Applications at the 'U. Giordano' Conservatory in Foggia.

[9'04", 2024]

곡 설명

이 작품은 런던(색소폰 연주 소리)에서 시작해 시카고(드럼 연주 소리)를 거쳐 미켈란젤로의 다비드상을 감상하는 피렌체(가이드의 목소리)로 이어지는 여정을 담고 있다. 예술을 감상하기 위해 떠나는 여행의 기쁨, 예술을 창작하는 기쁨, 그리고 예술을 논하는 기쁨을 함께 담았다. 주요 음향 재료는 런던 지하철, 시카고의 거리 음악가들, 피렌체 아카데미아 미술관에서 수집한 녹음이다. 두 번째로는 예술에 관한 명언들(앙리 마티스의 "창의성에는 용기가 필요하다", 미켈란젤로의 "나는 대리석 안에서 천사를 보았고, 그를 해방시킬 때까지 깎아냈다", 그리고 자코메티의 "예술의 목적은 현실을 재현하는 것이 아니라, 같은 강도의 현실을 창조하는 것이다")을 탐구한 결과물이 음향의 재료가 되었다. 작품 중간부에는 녹음된 소리들을 변용하여 창작한 사운드 아트가 배치되어 있으며, 마지막 음향 재료는 소리를 보간(interpolation)하여 제작했다. 이 작품의 목적은 개인의 긍정적인 성장을 이끌어내는 예술의 아름다움과 긍정적 가치에 대해 깊이 있게 성찰해 보도록 하는 것이다.

This work is a journey that starts from London (sax player sounds), goes to Chicago (drums players sounds) and takes you to Florence to see Michelangelo's David (guides's voice). The work includes the joy of traveling to see art, the joy of creating art, the joy of talking about art. The sound material is composed of recordings collected by: London underground, Chicago street musicians, Galleria dell'Accademia in Florence. The second sound material is a research about sentences on art. Among these sentences H.Matisse's ("Creativity takes courage") sentence, Michelangelo's sentence ("I saw the angel in the marble and carved until I set him free") and Giacometti's sentence ("The object of art is not to reproduce reality, but to create a reality of the same intensity") has been chosen. In the middle part of the work there is a sound art creation made by the manipulation of recorded sounds. The last sound material has been made interpolating sounds. The aim of the work is to generate a reflection on the beauty and positivity of art as something that creates personal growth in a positive way.

작가 프로필

Daria Baiocchi는 피아노 석사, 클래식 작곡 석사, 전자음악 석사를 취득했다. 볼로냐 대학교에서 고전문학 학위를 받았다. 페르모 'G.B. Pergolesi' 음악원 화성학·음악분석 주임교수이며, 마체라타 미술아카데미 및 우한 미술아카데미 사운드디자인 교수이다. 2023년부터 쾰른에서 사운드 마스터클래스의 교수로도 활동하고 있다.

Daria achieved an MA in piano, an MA in classical composition and an MA in electronic music. She earned her degree in Classical Literature from the University of Bologna (Italy). She's main Professor of Harmony and Music Analysis at "G.B.Pergolesi" Fermo Conservatory of Music, Sound Design Professor in Macerata Academy of Fine Arts and Sound Design Professor in Wuhan Academy of Fine Arts. Since 2023 she's Professor for Sound Masterclasses in Koln.

[12'53", 2026]

곡 설명

인도네시아의 칼룸팡 언덕에 머무는 동안, 유독 마무주 시의 역사에 관한 대화는 언제나 삼파가 해안의 부두로 귀결되곤 했다. 마침내 그곳에 도착해 한 노인을 만났을 때, 그는 칼룸팡 고지대와 마무주 해안 사이에서 이주와 교역, 그리고 세계주의적 교류가 일어났던 옛 삼파가 마을이 해안 침식으로 서서히 잠식되어 사라졌다고 전해 주었다. 이 사운드 작품은 칼룸팡 고지대, 삼파가 해안, 그리고 카람푸앙섬을 오가며 진행한 레지던시 기간 동안 수집한 녹음으로 구성되었다.

Conversations about the history of Mamuju—especially during my time in the hills of Kalumpang—almost always led to one place: the pier on the coast of Sampaga. When I finally arrived there and met an elderly man, he told me that Old Sampaga Village, once a site of migration, trade, and cosmopolitan encounters between the Kalumpang highlands and the coast of Mamuju, had disappeared, gradually claimed by coastal erosion. This sound composition is constructed from recordings collected during my residency across the Kalumpang highlands, the coast of Sampaga, and Karampuang Island.

작가 프로필

Helmi Yusron은 영화감독이자 오디오비주얼 아티스트다. 2022년부터 고교·대학 동료들과 단편영화를 만들어 왔으며 작품활동으로는 드라마 Ketoprak Jepang(2023), 다큐멘터리 KUDA(2023) 등이 있다. 2023년 인도네시아의 Milisifilem에서 오디오비주얼 이론과 실기를 깊게 연구하였으며, 2023 Arkipel(자카르타 국제 다큐멘터리 실험영화 페스티벌)초연 후 RWD Festival Bandung(2024), Painting With Light Festival at the National Gallery Singapore(2025)에서 상영된 Kulihat Kau Lihat Dia(I Watch You Watch Them)를 발표했다.  2024년 Sigisora의 일원으로 인도네시아 Festival Bangsal Menggawe, Festival Sintas Loka에서 레지던시에 참여했다. 현재 영국학술원 지원 프로젝트 Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities(자카르타–이스탄불)의 공동연구자이자 아티스트이며, 최신 단편 A Saucerful of Secrets(2025)는 Festival Film Tengah(인도네시아)에서 초연되었다.

Helmi Yusron is a filmmaker and audiovisual artist. Since 2022, he has produced short films with his high school and college peers, including the drama Ketoprak Jepang (2023) and the documentary KUDA (2023). In 2023, he deepened his study of audiovisual theory and practice at Milisifilem and released Kulihat Kau Lihat Dia (I Watch You Watch Them), which premiered at Arkipel – Jakarta International Documentary & Experimental Film Festival (2023), and later screened at RWD Festival Bandung (2024) and Painting With Light Festival at the National Gallery Singapore (2025). In 2024, he participated in artist residencies as part of Sigisora at Festival Bangsal Menggawe (North Lombok) and Festival Sintas Loka (Palu, Central Sulawesi). He is currently a co-researcher and artist in Futures of Listening: Water Knowledge from Two Cities (Jakarta–Istanbul), funded by the British Academy. His latest short film, A Saucerful of Secrets (2025), premiered at Festival Film Tengah in Palu.

[7'40", 2026]

곡 설명

이 작품을 위해 나는 프랑스 동부 쥐라산맥에 자리한 빈집의 정적에 귀를 기울였다. 시골에서 자랐지만 수년간 도시에서 살아온 나는 새로운 아쿠스마틱 작품을 위한 다양한 음원을 녹음하고자 고요함을 찾아 이 외딴집을 방문했다. 그러나 나를 둘러싼 고요해 보이는 환경이 당초 녹음하려 했던 소리들보다 훨씬 더 풍부하고 매혹적이라는 사실을 이내 깨달았다. 마치 자연이 얼마나 생생하게 살아 숨 쉬는지를 잊고 살았던 것처럼 말이다. 작품의 일부 대목은 손대지 않은 필드 레코딩 그대로 제시되어 장소 스스로가 이야기하도록 놓아둔다. 다른 녹음들은 원형의 성격을 깊이 존중하면서 세심하게 편집되었으며, 그 봄날 일주일 동안 집에서 느낀 감정과 나의 존재감으로부터 비롯된 서사를 부드럽게 형성한다. 그 며칠간 나는 아르테미스와 파프리카라는 고양이 두 마리와 집을 공유했고, 이들의 움직임과 호기심, 주변에 대한 주의 깊은 시선은 나 자신의 청취 과정을 조용히 이끌어 주었다. 또한 집에 남아 있던 악기들도 만날 수 있었다. 나는 이를 연주용 악기로 다루기보다 인간의 온기가 남긴 공명의 흔적으로 접근하여, 집이 가진 음향적 기억의 일부로서 기억을 환기하는 방식으로만 활용했다. 일부 구간에서는 방 자체를 공명체로 삼아 어쿠스틱 피드백을 탐색함으로써 건축물 자체가 하나의 악기가 되도록 유도했다. 이 작품은 청자가 장소 고유의 미묘한 공명, 비인간 존재들, 그리고 공간이 품은 기억과 함께 그 장소 자체를 감상하도록 이끈다.

For this piece, I listened to the silence of an empty house nestled in the Jura mountains of eastern France. Although I grew up in the countryside, I have lived in the city for several years. I came to this isolated house seeking quiet, intending to record various sound sources for a new acousmatic composition. Very quickly, I realized that the seemingly silent environment surrounding me was far richer and more compelling than the sounds I had originally planned to capture, as though I had forgotten how alive the natural world is. Some passages of the work are presented as unaltered field recordings, allowing the place to speak for itself. Others recordings have been edited with great care and respect for their original character, while gently shaping a narrative informed by my own presence and by the feelings that emerged during that spring week in the house. During these few days, I shared the house with two cats, Atremis and Paprika, whose movements, curiosity, and attention to the surroundings quietly guided my own listening. I also encountered musical instruments left in the house. Rather than treating them as instruments to be performed, I approached them as resonant traces of human presence, using them only in an evocative way, as part of the house's sonic memory. In a few moments, I also explored acoustic feedback, using the rooms themselves as resonant bodies and allowing the architecture to become an instrument. The piece invites the listener to listen with the place itself—with its subtle resonances, its non-human inhabitants, and the memories carried by its spaces.

작가 프로필

Victor Outters는 아쿠스마틱 음악, 필드레코딩, 디지털 음악을 탐구하는 벨기에-프랑스 작곡가이자 사운드 아티스트다. 벨기에 몽스 왕립음악원에서 전자음악 작곡을, 캐나다 몬트리올 대학교에서 디지털 음악을 공부했고 현재 몽스 왕립음악원에서 학생들을 가르친다. 최근작은 장소·기억·청취의 관계를 탐구하며, 흔히 필드레코딩을 활용해 일상 환경의 표현적 풍부함을 드러내는 몰입형 음향 서사를 만든다.

Victor Outters is a Belgian-French composer and sound artist whose practice explores acousmatic music, field recording, and digital music. He studied electroacoustic composition at the Royal Conservatory of Mons (Belgium), where he currently teaches, and digital music at the Université de Montréal (Canada). His recent works investigate the relationships between place, memory, and listening, often drawing on field recordings to create immersive sonic narratives that reveal the expressive richness of everyday environments.

[7'38", 2026]

곡 설명

〈The Formosan Nacirema〉는 대만 가오슝과 타이난에서 모국어가 아닌 언어로 소통하며 겪은 낯섦을 담은 필드 레코딩 기반 사운드 작품이다. 작품의 전반부는 발걸음 소리로 시작하여 구도심의 골목을 지나며 들려오는 자동차와 스쿠터, 우연히 옆에 앉은 현지인의 목소리, 도교 사원에서의 선풍기 소리와 점괘 패를 던지는 소리로 이어진다. 낯선 장소에 들어선 사람이 무엇을 먼저 듣고, 장소를 어떻게 인식해 가는지 보여주고자 했다. 이윽고 작품의 초점은 장소의 환경음에서 사람의 목소리로 옮겨가며, 낯선 공간에 대한 감각은 이해할 수 없는 언어를 마주하는 경험으로 좁혀진다. 지하철의 도착 안내 방송에서는 중국어, 대만의 지역 언어, 영어와 일본어 등 여러 언어가 차례로 들린다. 현지 시민과 진행한 인터뷰에는 알아듣지 못하는 상대의 모국어와 대화 사이의 머뭇거림, 멋쩍은 웃음, 상대의 말을 충분히 이해하지 못한 채 ‘아-’ 하고 반응하는 순간들이 담겨 있다. 말의 의미가 온전히 전달되지 않더라도 목소리의 높낮이와 속도, 머뭇거림 등과 웃음과 같은 비언어적 단서를 통해 소통은 중단되지 않고 이어진다. 이 작품은 낯섦에 대한 감각을 그린다. 낯선 곳에 도착해, 읽을 수 없는 문자를 마주하며 발걸음을 옮기고, 이해하지 못하는 언어로 소통하는 타자로서의 위치와 이로 인한 불완전한 듣기의 경험을 드러내고자 했다. 여기서 듣는다는 것은 상대의 말을 논리적으로 온전히 이해하는 일이라기보다는, 이해되지 않는 부분을 남겨 둔 채, 목소리의 높낮이와 속도 변화, 손짓과 눈맞춤, 웃음과 같은 비언어적 요소에 주의를 기울이며 타인과 장소, 거리와 기억에 함께 머무는 일이다. 제목은 과거 서구에서 대만을 지칭하던 명칭인 ‘Formosa’에서 파생된 ‘Formosan’과, ‘American’을 거꾸로 쓴 ‘Nacirema’를 결합한 것이다. ‘Nacirema’는 인류학자 호레이스 마이너 (Horace Miner)가 익숙한 미국의 생활양식을 외부자의 시선으로 낯설게 서술한 글에서 가져왔다. 제목은 익숙함과 낯섦이 대상 자체에 고정된 성질이 아니라, 그것을 바라보고 듣는 사람의 위치에 따라 달라질 수 있음을 가리킨다. 〈The Formosan Nacirema〉는 타인의 언어를 이해했다고 섣불리 단정하지 않은 채, 이해되지 않는 상태에서도 어떻게 서로의 존재를 듣고 관계를 이어 갈 수 있는지 묻는다.

필드레코딩: 대만 가오슝·타이난, 2025.8.31–9.2

〈The Formosan Nacirema〉 is a field recording–based sound work that captures the sense of unfamiliarity experienced while communicating in non-native languages in Kaohsiung and Tainan, Taiwan. The first half of the work opens with the sound of footsteps and moves through the alleyways of the old city, accompanied by cars, scooters, the voices of locals seated nearby, the humming of electric fans in Taoist temples, and the clatter of fortune-telling blocks. It seeks to show what a newcomer hears first upon entering an unfamiliar place and how they gradually come to perceive the environment. Soon, the focus shifts from the ambient sounds of the location to human voices, narrowing the sensation of unfamiliar space down to the experience of confronting an incomprehensible language. In the subway arrival announcements, multiple languages are heard in succession, including Mandarin, regional Taiwanese languages, English, and Japanese. Interviews conducted with local residents capture the sound of an unintelligible native language, hesitations in conversation, self-conscious laughter, and moments of reacting with an "ah-" without fully understanding what was said. Even when literal meaning is not fully conveyed, communication continues without interruption through non-verbal cues such as pitch, tempo, hesitation, and laughter. This work portrays the sensation of unfamiliarity. It seeks to reveal the position of the "other": arriving in a foreign place, navigating amidst unreadable scripts, and communicating in an unfamiliar language—and the resulting experience of incomplete listening. Here, listening is not about logically and fully comprehending another's words; rather, it is about leaving the incomprehensible unparsed while paying attention to non-verbal elements like pitch, pacing, gestures, eye contact, and laughter, ultimately remaining present together with others, places, distances, and memories. The title combines "Formosan," derived from Formosa, a name historically used by Westerners to refer to Taiwan, and "Nacirema," which is "American" spelled backward. "Nacirema" is drawn from the work of anthropologist Horace Miner, who famously defamiliarized everyday American customs by describing them from an outsider's perspective. The title highlights that familiarity and strangeness are not fixed properties inherent in an object itself, but qualities that shift depending on the position of the person observing and listening.

작가 프로필

학부에서의 외국어와 문학 전공 등 인문학 베이스를 바탕으로, 점차 청각 언어로 세계를 확장하고 있다. 영상과 미디어 음악을 중심으로 활동하며, 문화 재현과 오리엔탈리즘, 문화상대주의 등의 테마에 관심을 두고 있다.

Grounded in a humanities background with an undergraduate focus on foreign languages and literature, the artist gradually expands their world into auditory language. Working primarily across film and media music, they center their practice on themes such as cultural representation, orientalism, and cultural relativism.

[8'29", 2024]

곡 설명

〈Naples To Dublin, Then Dublin To Naples, Is It Over (Overament)?〉는 2026년 5월 12일에 발매된 데뷔 앨범 《The Electro Obsessive-Compulsive Collection》의 마지막 트랙이다. 이 앨범은 강박장애(OCD)의 발병을 겪던 시기에 만들어졌으며, 이 질환이 준 정서적 충격은 작품 전체를 관통하는 핵심 영감이 되었다. 앨범은 강박적 집착이 점차 지배력을 넓혀 결국 개인을 압도하고, 그 결과 발생하는 불안을 해소하기 위해 특정 의식을 수행할 수밖에 없게 되는 정신적 상태를 탐구한다. 음악 속에서 강박이 유발하는 고통은 어두운 사운드스케이프, 조밀한 텍스처, 그리고 공격적인 음향 제스처로 변모한다. 반대로 의식을 마친 후 느끼는 일시적 해방감은 서정적인 선율, 화성적 협화음, 넓은 잔향 공간을 특징으로 하는 확장되고 거의 낙원과도 같은 음향 환경으로 표현된다. 2024년 3월에 작곡된 이 곡은 학업을 이어가기 위해 아일랜드로 이주했던 삶의 전환기를 반영한다. 두 대립하는 음악적 세계는 미래에 대한 불확실성과 새로운 시작을 맞이하는 설렘 사이의 정서적 긴장감으로 더욱 극대화된다. 그러나 이러한 삶의 큰 변화가 질환의 경과에서도 긍정적인 전환점이 될 수 있다는 희망에 힘입어 결국 낙관적인 태도가 승리하게 된다. 제목의 'overament'는 "정말로" 또는 "실은"을 뜻하는 나폴리 방언으로, 영어 단어 'over'와의 언어유희로 포함되었다. 기술적 관점에서 이 곡은 개인 필드 레코딩과 저작권 프리 오디오 샘플로 구성된 구체음(musique concrète) 재료를 바탕으로 개발되었으며, 수동 편집과 레이어링, 멀티밴드 디스토션, 그레뉼러 에코, 리버브, 시머 프로세싱, 하모나이제이션을 통해 다각도로 변형되었다.

〈Naples To Dublin, Then Dublin To Naples, Is It Over (Overament)?〉is the final track of my debut album, The Electro Obsessive-Compulsive Collection, released on May 12, 2026. The album was written over a period during which I experienced the onset of obsessive-compulsive disorder (OCD), making the emotional impact of this condition the central source of inspiration throughout the work. The album explores a mental state in which an obsession gradually gains increasing control, eventually overwhelming the individual, who then feels compelled to perform a specific ritual in order to relieve the resulting anxiety. Within the music, the distress generated by the obsession is transformed into dark soundscapes, dense textures, and aggressive sonic gestures. In contrast, the temporary relief experienced after completing the ritual is expressed through expansive, almost paradisiacal sonic environments characterized by lyrical melodies, harmonic consonance, and large reverberant spaces. Composed in March 2024, this particular piece reflects a transitional period in my life, marked by my move to Ireland to continue my studies. The two opposing musical worlds are further intensified by the emotional tension between uncertainty about the future and the excitement of embracing a new chapter. However, optimism ultimately prevails, fueled by the hope that this major life change might also mark a positive turning point in the course of the disorder. The word overament is a Neapolitan expression meaning "really" or "actually", included here as a pun on the English word over. From a technical perspective, the piece was developed primarily from concrete sound material, consisting of both personal field recordings and royalty-free audio samples, then extensively transformed through manual editing and layering, multiband distortion, granular echoes, reverberation, shimmer processing, and harmonization.

작가 프로필

Andrea de Lisio는 전자음악, 사운드 디자인, 기술적 실험을 전문으로 하는 이탈리아 출신의 작곡가이다. 나폴리 음악원에서 전자음악 작곡을, 트리니티 칼리지 더블린에서 음악·미디어 테크놀로지를 공부했다. 음색 탐구, 비관습적 음향 재료, 몰입형 청취 경험에 초점을 둔 채 작업을 이어나가고 있으며, 2025년 전자음악 앨범 The Electro Obsessive-Compulsive Collection로 데뷔했다. 전자음악 작업과 병행해 스튜디오 데스코어 프로젝트에서 작곡·프로듀서·기타·베이스로 참여하며, 광고·상업 미디어 사운드 디자이너로도 활동하고 있다.

Andrea de Lisio is an Italian composer specializing in electroacoustic music, sound design, and technological experimentation. He studied Electroacoustic Composition at the Conservatory of Naples and Music & Media Technologies at Trinity College Dublin. His artistic practice focuses on timbral exploration, unconventional sonic materials, and immersive listening experiences. In 2025, he released his debut electroacoustic album, The Electro Obsessive-Compulsive Collection. Alongside his electroacoustic work, he is involved in a studio deathcore project as composer, producer, and guitarist/bassist, while also working as a freelance sound designer for advertising and commercial media.

[7'17", 2026]

곡 설명

프리츠 노이마이어의 저서 『미스 반 데어 로에: 예술 없는 말(Mies van der Rohe: das kunstlose Wort)』을 읽고, 나는 건축이라는 예술이 단순한 공간 조직을 넘어 삶의 실질적 형태를 형성하고 우리의 일상적 존재를 열어주며 안착시키는 정신적 가치를 지니고 있음을 깨달았다. 

이 통찰은 자연스럽게 두개골 안에 둘러싸인 '뇌'를 떠올리게 했다. 우리 모두는 물리적으로 유사한 형태의 뇌를 지니고 있지만, 미시적 신경망의 발현과 진화에 이끌려 무한한 시간 속에서 삶의 가속과 안정을 끊임없이 순환한다. 

나아가 저마다의 가치관과 미학에 따라 각자 고유한 시간적 리듬을 형성하며 시간을 해체하고 재구성한다. 이러한 깨달음은 뇌의 무한한 잠재력을 재확인시켜 주었으며, 우리의 욕망과 삶에 대한 의지에 이끌려 새로운 정신적 존재가 잉태되는 물질적 전제조건이 바로 육체임을 상기시켜 주었다. 나는 이러한 철학적 성찰을 음악의 언어로 번역하고자 했다. 이 작품의 핵심은 글리치 사운드로, 수퍼콜라이더(SuperCollider)와 신디사이저로 생성한 원음을 다양한 플러그인을 통해 반복적으로 왜곡하고 처리하여 만들었다. 

나는 신경 신호의 덧없는 발현이 과부하되거나 이완되는 모습을 상상하며, 이 글리치 사운드를 살아있는 근육의 미세한 움직임과 뇌의 정밀한 작동에 대한 은유로 사용했다. 여기에 어쿠스틱 사운드를 결합함으로써, 마치 문을 열고 사회로 나아가는 것처럼 내면과 외면의 목소리가 수렴하는 과정을 표현하고자 했다. 또한 폭발적인 파열음과 기계음을 의도적으로 삽입하여 소리의 강렬한 응집성을 나타내고자 했다. 

가까이서 보면 삶은 끊임없이 동요하는 것처럼 보일지 모른다. 그러나 우리 모두는 각자의 속도와 질서에 따라 정적이거나 동적인 존재로서의 삶을 항해해 나간다. 이 곡은 최근 뇌수술을 받은 삼촌이 평온하게 회복하여 일상으로 복귀하기를 바라는 개인적인 염원을 담고 있다. 궁극적으로 이 작품을 통해 세상에 낙관적인 가능성을 제시하고자 한다. 굳건한 의지가 있다면 무엇이든 극복할 수 있다는 가능성 말이다. 

"질서 잡힌 것은 어느 것이든 아름답지 않은 것이 없다(Nihil enim est ordinatum, quod non sit pulchrum)." — 히포의 아우구스티누스

After reading “Mies van der Rohe: das kunstlose Wort” of Fritz Neumeyer, I realized that the art of architecture goes far beyond mere spatial organization; it possesses a spiritual value that shapes practical forms of life, opening up and anchoring our everyday existence. 

This insight naturally brought to mind the "brain" enclosed within the skull. Though we all possess brains of similar physical form, we continuously cycle through the acceleration and stabilization of life within boundless time, driven by the manifestation and evolution of microscopic neural networks. 

Furthermore, guided by our distinct values and aesthetics, we each form our own temporal rhythms, dismantling and reconstructing time. This realization reaffirmed the infinite potential of the brain, reminding me that the physical body is a material prerequisite from which a new spiritual existence is conceived, guided by our desires and will to live. 

I sought to translate these philosophical reflections into the language of music. The core of this work revolves around glitch sounds, born from repeatedly distorting and processing the original tones generated by SuperCollider and synthesizers through various plugins. I used these glitch sounds as metaphors for the micro-movements of living muscles and the precise operations of the brain—imagining the fleeting manifestations of neural signals either overloading or relaxing. By blending these with acoustic sounds, I aimed to represent the convergence of internal and external voices, much like opening a door and stepping out into society. Additionally, the deliberate insertion of explosive bursts and mechanical noises was intended to illustrate the intense cohesiveness of sound. 

Up close, life may seem to fluctuate relentlessly. Yet, we all navigate our static and dynamic existences according to our own speeds and orders. This piece carries a personal wish for my uncle, who recently underwent brain surgery, hoping for his peaceful recovery and return to everyday life. Ultimately, through this work, I wish to offer an optimistic possibility to the world: with a steadfast will, anything can be overcome. 

"Nihil enim est ordinatum, quod non sit pulchrum.” 

Augustine of Hippo

작가 프로필

Hui Kim은 한국에서 피아노와 기악 작곡을 공부한 뒤 전자음악 작곡을 위해 프랑스로 건너갔다. 오디오비주얼·사진 매체를 넘나들며 특히 인간의 신체에 주목해 대상을 다면적으로 탐구한다. 그의 작업은 제36회 국제 콩쿠르 'città di Barletta'(1위), 제1회 Aion Digital Art Prize(3위), der Greif(Annet Dekker & Margriet Schavemaker 큐레이션), Knob Detox 2026, Bienal POSVERSO 2026 등에서 인정받았고 CJSW 90.9 FM 방송, Música i Geografia, 그리고 Martin Hughes Art(아일랜드)·no.35 gallery(런던) 그룹전에서 소개됐다.

Hui Kim — After studying piano and instrumental composition in South Korea, she moved to France to pursue electroacoustic composition. Working across audio-visual and photographic media, she explores objects from multi-faceted angles, with a particular emphasis on the human body. Her work has been recognized by 36th international competition 'città di Barletta' (1st place), 1st Aion Digital Art Prize (3rd), der Greif (curated by Annet Dekker & Margriet Schavemaker), Knob Detox 2026, Bienal POSVERSO 2026, broadcasted on CJSW 90.9 FM, Música i Geografia and showcased in a group exhibition at Martin Hughes Art (Ireland), no.35 gallery (London).

[10'00", 2024]

곡 설명

웨일스에 보내는 엽서. '히라에스(Hiraeth, 다시는 돌아갈 수 없는 고향, 과거의 시절, 또는 존재하지 않는 이상향을 향한 깊고 먹먹한 그리움과 향수를 뜻하는 웨일스어)'는 오직 기억 속에만 존재하는 시간과 장소에 대한 향수로 해석할 수 있다. 이는 뜻밖의 순간에 고개를 들며, 맥락이 바뀌고 기억이 새로운 의미를 형성함에 따라 그 모습을 바꾸는 향수이다. '집'을 히라에스의 알레고리로 삼아, 강렬한 개인적 기억을 끌어내는 능력을 기준으로 소리들을 선정했다. 이 재료들은 우리가 생활 공간을 둘러보는 과정에서 재맥락화되며, 주변 환경이 변화함에 따라 새로운 감정과 연상으로 물들고, 각 변형은 히라에스의 새로운 정서적 뉘앙스를 드러낸다. 나는 유년 시절의 집 내부와 집 밖 웨일스 시골 풍경을 동일한 비중으로 다루며 필드 레코딩을 진행했다. 가족들이 움직이고 생활하는 일상적인 환경의 소리를 담아내기 위해 집 안팎에서 장시간 녹음 작업을 이어갔다. 동반 동물들과 어린아이들이 많아 이 과정은 매우 흥미진진했으며, 작업 중 눈에 띈 사물들을 근접 마이킹(close miking)한 소리와 공간과 장소를 장시간 담아낸 2차 앰비소닉스 앰비언트 녹음을 혼합했다. 이러한 장소들을 레이어링함으로써 집 안을 거니는 사운드워크처럼 공간과 소리, 시점, 하루의 시간대를 넘나드는 미장센을 구축하고자 했으며, 곡을 배치할 때 유년 시절 집에 대한 기억이 나의 작곡적 직관을 이끌었다. 청취 경험은 본질적으로 일련의 방들과 그 안의 사물들, 그리고 가공을 통해 이들을 재맥락화하는 과정으로 구성된다.

A postcard to Wales. Hiraeth can be interpreted as a homesickness for a time and place that exists only in one's memory. A nostalgia that rears its head at unexpected moments, shifting shapes as contexts change and memories form new meanings. Using the home as an allegory for hiraeth, sounds were selected for their capacity to draw forth strong personal memories. These materials are recontextualised as we venture through the living spaces, becoming tinged with new emotions and associations as the environment shifts around them, each transformation revealing new emotional nuances of hiraeth. I approached field recording of the interior of my childhood home, as well as outside in the Welsh countryside equally, recording extended sessions around the house as my family move and live to capture the sounds heard in the day to day environment. A family of animals and many young children made this quite exciting, and I explored the close miking of objects that stood out to me during the process, mixed with more ambient 2nd order ambisonics recordings to capture spaces and places over an extended series of time. By layering these places I aimed to create a mise en scene that moves through the house as a sound walk, transitioning between spaces and sounds, perspectives, and times of day, with my memory of my childhood home drawing my compositional ear when arranging. The listening experience is essentially a series of rooms, their objects, and the recontextualising of them through processing.

작가 프로필

Cameron Naylor는 영화·연극·라디오·전자음악 작곡을 넘나드는 사운드 아티스트다. 소리·음악·구술로 이야기를 전하는 기술과 예술에 관심을 두며, 그의 작업은 전 세계에서 소개됐다. 그의 작품은 이안니스 크세나키스 국제전자음악콩쿠르(그리스), MA/IN(이탈리아), Métamorphoses(벨기에), Ars Electronica Forum Wallis(스위스) 등에서 인정받았다. BBC로부터 여러 차례 커미션을 받았고, 설치작은 Ars Electronica(린츠), G20 정상회의(뉴델리) 등에서 전시됐다.

Cameron Naylor is a sound artist working in film, theatre, radio, and electroacoustic composition. He is interested on the art and technique of storytelling through sound, music, and spoken word and his works have been heard across the globe. His electronic music has been recognised in composition competitions including: Iannis Xenakis International Electronic Music Competition (Greece), MA/IN (Italy), Métamorphoses (Belgium), and the Ars Electronica Forum Wallis (Switzerland). Further afield, he has received several commissions from the BBC, and his installations have been exhibited in notable venues such as the Ars Electronica (Linz), and the G20 Summit (New Delhi).

[8'08", 2024]

곡 설명

직역하면 '이오니아 도시계획 수술'을 뜻하는 〈Chirurgia dell’urbanistica ionica〉는 내가 태어난 이탈리아 남부 도시 타란토의 구도심인 타란토 베키아에서 진행한 필드 레코딩을 바탕으로 만든 아쿠스마틱 작품이다. 타란토는 지중해를 마주한 아풀리아주의 이오니아 해안에 자리하고 있다. 도시의 지형이 타란토만과 이오니아해를 향해 열려 있는 마르 그란데(큰 바다)와 닫힌 수역인 마르 피콜로(작은 바다)라는 두 수역 사이에 펼쳐져 있어, 이곳은 전통적으로 '두 바다의 도시'라 불린다. 두 바다 사이에는 두 개의 다리로 신도심과 연결된 작은 섬이자 도시의 역사적 중심지인 타란토 베키아가 있다. 좁은 골목, 통로, 계단, 작은 광장이 빽빽하게 들어선 건축 구조는 복잡한 도시의 조직을 이루며, 눈에 보이지 않을 때조차 바다가 늘 물리적으로 가까이 있게 한다. 이러한 독특한 지형은 타란토의 정체성을 깊이 형성해 왔다. 이 섬은 육지와 물, 닫힘과 열림, 역사적 층위와 현대적 삶 사이에 존재한다. 이곳은 도시에서 가장 오래된 공간인 동시에, 일상적인 삶으로 음향적 정체성을 끊임없이 새로 써 내려가는 지역 공동체가 살아가는 터전이기도 하다. 〈Chirurgia dell’urbanistica ionica〉는 타란토 베키아를 하나의 기념비나 그림 같은 지중해의 풍경으로 접근하지 않는다. 이 작품은 이 섬을 삶이 깃든 하나의 음향 유기체로 다룬다. 섬의 사운드스케이프는 목소리, 음악의 파편, 가정과 도시의 소리, 움직임, 환경 소음이 겹겹이 쌓인 층위로 이루어진다. 이 음향 환경 안에서는 타란토의 지역 방언이 중요한 역할을 담당한다. 쉽게 알아챌 수 있는 억양과 악센트, 음성학적 특성은 사람의 목소리에 독특한 음악적 현존감을 부여하며, 단어 하나하나를 이해하지 못하더라도 말소리는 그 자체로 소속감의 표지가 되어 그곳을 살아가는 공동체와 장소의 정체성을 품어낸다. 따라서 이 섬은 단순히 곡의 지리적 배경에 그치지 않는다. 이곳에 거주하는 주민들은 장소 그 자체를 끊임없이 만들어 내는 주체다.

Chirurgia dell’urbanistica ionica — literally, Surgery of Ionian Urbanism — is an acousmatic work developed from field recordings made in Taranto Vecchia, the Old Town of Taranto, the southern Italian city where I was born.

Taranto lies on the Ionian coast of Apulia, facing the Mediterranean. It is traditionally known as the “City of Two Seas”, as its urban geography unfolds between two bodies of water: the Mar Grande (Big Sea), opening towards the Gulf of Taranto and the Ionian Sea, and the enclosed Mar Piccolo (Little Sea). Between them lies Taranto Vecchia, the historical centre of the city, built on a small island connected to the modern town by two bridges. Its dense architecture of narrow alleys, passages, stairways and small squares forms an intricate urban fabric in which the sea is always physically close, even when it is hidden from view.

This particular geography has profoundly shaped the identity of Taranto. The island exists between land and water, enclosure and openness, historical stratification and contemporary life. It is simultaneously the oldest part of the city and a living neighbourhood, inhabited by a community whose everyday presence constantly rewrites its acoustic identity.

Chirurgia dell’urbanistica ionica does not approach Taranto Vecchia as a monument or as a picturesque Mediterranean landscape. The work is concerned with the island as an inhabited sonic organism.

Its soundscape is made of overlapping layers: voices, fragments of music, domestic and urban sounds, movement and environmental noise. The local Tarantino dialect plays an important role within this acoustic environment. Its highly recognisable cadence, accent and phonetic character give the human voice a specific musical presence: even when individual words are not understood, speech remains a marker of belonging, carrying within it the identity of the place and of the community that inhabits it.

The island is therefore not simply the geographical setting of the composition. Its inhabitants are among the forces that continuously produce the place itself.

작가 프로필

1993년 타란토에서 태어난 빈첸초 프로치노(Vincenzo Procino)는 아쿠스마틱 음악, 필드 레코딩, 전자음향 퍼포먼스, 멀티미디어 예술을 넘나들며 활동하는 이탈리아의 작곡가이자 사운드 아티스트다. 그의 작업은 사운드스케이프, 장소, 그리고 듣기의 방식을 탐구하며, 특히 환경음과 기억, 삶이 깃든 공간 사이의 관계에 집중한다. 그의 작품 〈Chirurgia dell’urbanistica ionica〉는 2024년 뤼솔로상에서 명예상을 받았으며 Muslab, ICMC Seoul, 그리고 Sonic Scope Journal에 선정되었다. 아쿠스마틱 연주자로서 그는 브뤼셀에서 열린 제12회 Espace du Son콩쿠르에서 1위를 차지했으며, M.ar.e acusmonium의 멤버이자 예술 감독으로 활동하고 있다.

Vincenzo Procino (Taranto, 1993) is an Italian composer and sound artist working across acousmatic music, field recording, electroacoustic performance and multimedia arts. His practice explores soundscape, place and modes of listening, often focusing on the relationship between environmental sound, memory and inhabited spaces. His work Chirurgia dell’urbanistica ionica received an Honourable Mention at the 2024 Prix Russolo and was selected for Muslab, ICMC Seoul and Sonic Scope Journal. As an acousmatic performer, he won First Prize at the 12th Espace du Son competition in Brussels and is a member and artistic director of the M.ar.e acusmonium.

[6'00"]

곡 설명

〈A Chinese Triptych〉는 작가가 중국의 항저우, 쑤저우, 상하이, 우시, 하얼빈, 베이징에서 진행한 광범위한 사운드 다큐멘터리 녹음 자료를 바탕으로 작곡되었다. 이 곡은 농촌, 산업, 그리고 디지털화된 중국의 음향적 사건들을 하나의 흐르는 음악적 담론 속에 중첩시켜, 중국 내의 극명하게 대조되는 다양한 삶의 방식 전체를 담아내고자 한다. 곡의 연주 시간은 정확히 6분인데, 중국에서 숫자 6은 모든 일이 순조롭게 풀린다는 의미를 지닌다. 각 부분의 형식과 비례는 주제적으로 상호 연결된 세 부분으로 구성되며 가운데 패널이 가장 큰 미술 형식인 삼면화(triptych)에서 영감을 받았다. 사용된 필드 레코딩의 출처 및 방향성: 본 작품에 사용된 음원은 중국 항저우, 쑤저우, 상하이, 우시, 하얼빈, 베이징의 야외 현장에서 채집한 필드 레코딩만으로 구성되어 있다.

"A Chinese Triptych" was composed with recordings from an extensive sound documentary made by the artist in the Chinese cities of Hangzhou, Suzhou, Shanghai, Wuxi, Harbin, and Beijing. The piece overlaps sonic events from the rural, the industrial and the digital China in a single flowing musical discourse, attempting to represent the full range of highly contrasting ways of living in China. The piece lasts exactly 6 minutes, a number that is given in China the connotation of events "flowing smoothly". The form and proportion of the parts are inspired by the triptych, an art format comprised of three thematically-interrelated parts in which the middle panel is usually the largest. Direction or source of the field recordings used: The sources are exclusively field recordings taken in outdoors sites of Hangzhou, Suzhou, Shanghai, Wuxi, Harbin, and Beijing in China.

작가 프로필

작곡가, 비디오게임 연구자, 학자. 공간 음향 작품부터 몰입형 인터랙티브 경험, 게임 아트에 이르는 그의 창작물은 아메리카·유럽·아시아·호주 등 30개국 이상에서 소개됐다. 여러 저명 기관으로부터 기금·커미션·수상을 받았다. 작품이 소개된 행사·장소로는 Ars Electronica(오스트리아), Ateneum Art Museum(핀란드), 예술의전당(한국), Lincoln Center(미국), Hanshan Art Museum(중국), Berklee College of Music(미국), Matera Intermedia Festival(이탈리아) 등이 있다.

Composer, video game researcher, and academic. His creations, ranging from spatial audio works to immersive interactive experiences and game art, have resonated across continents, being featured in over 30 countries spanning the Americas, Europe, Asia, and Australia. Vasquez has received grants, commissions, and/or prizes from numerous esteemed institutions. Events and venues featuring Vasquez's works include Ars Electronica (AU), the Ateneum Art Museum (FI), the Seoul Arts Center (KR), the Lincoln Center (USA), the Hanshan Art Museum (CN), Berklee College of Music (USA), and Matera Intermedia Festival (IT).

[13'35", 2014]

곡 설명

〈Why is why of no stranger〉는 이미지가 없는 1인칭 사운드 필름으로, 시작과 끝이 없는 몰입형 아쿠스마틱 환경 속에서 '영화'가 눈이 아닌 청자의 귀를 통해 그려지는 작품이다. 영화, 라디오극, 1인칭 비디오 게임의 모티프와 양식들이 추상화되어 서사, 공간, 장소, 그리고 심리지리적 아우라의 파편들을 구축하고 해체한다. 이 작품은 존재의 상태와 경험의 공명을 사색하며, 신체화, 매개된 기억, 그리고 하이퍼리얼리티를 다룬다. 작가가 5년에 걸쳐 다양한 장소에서 녹음한 개인 아카이브의 음향 재료로 구성되었다. 특정 순간의 음향적 존재로 기록된 실재하고 체화된 공간과 사건들은 결합되고 병치되며 변형되거나 확장된다. 여기에는 사운드스케이프부터 우연한 소리, 행위 소리, 현장 연주음, 그리고 마이크 조작 소음, 전자기 간섭, 녹음 중 자연 요인에 의해 마이크가 파괴되는 소리 등 장치 자체의 소음까지 포함된다. 인간의 몸, 새의 몸, 동물의 몸, 기계의 몸, 공간의 몸, 매체의 몸은 파편화된 서사들의 순환적 환경을 형성한다. 이는 '매체에 저장되고' 그에 따라 '매체에 의해 변형된' 기억의 종합이며, 경험하는 주체로서의 신체가 지각자이자 생성자로서 중심에 위치한다. 모든 소리는 2008년부터 2013년 사이에 작가가 미국(Mount Rainier, Seattle, Redwood National Forest, Humboldt Redwood Forest, San Francisco, Oahu Hawaii), 오스트리아(Vienna; Kramsach, Tirol), 네덜란드(The Hague; Scheveningen; Ijmuiden WWII bunkers), 그리스(Chrisi Akti, Crete; Kontokynigi, Crete)에서 직접 녹음했다.

〈Why is why of no stranger〉is a first-person sound-film without image; an immersive acousmatic environment with no beginning or end, in which the 'film' emerges through the listeners' ears rather than eyes. Motives and modalities from cinema, radio-play, and first-person videogames are abstracted to develop and destroy fragments of narrative, space, place, and psychogeographic auras. Why is why of no stranger contemplates states of being and the resonance of experience. It is concerned with embodiment, mediated memory, and hyper-reality. The work is composed using sound material from the artist's personal archive, recorded in various sites during the span of five years. Real, lived spaces and real, lived events, represented through recordings of their sonic existence at a specific moment, are combined, juxtaposed, altered, or enhanced: from soundscapes, to incidental sounds, to actions, to sounds performed on-location, and to the noise of the apparatus itself – microphone handling noise, electromagnetic interference, the sounds of microphones being destroyed by the elements as they record. Human bodies, bird bodies, animal bodies, machine bodies, the bodies of spaces, and the bodies of media create a cyclical environment of fragmented narratives – a synthesis of 'media-stored', and thus 'media-altered' memories where the experiencing body occupies the center as perceiver and generator. All sounds were recorded by the artist between 2008-2013 in: USA (Mount Rainier, Seattle, Redwood National Forest, Humboldt Redwood Forest, San Francisco, Oahu Hawaii); Austria (Vienna; Kramsach, Tirol); The Netherlands (The Hague; Scheveningen; Ijmuiden WWII bunkers); Greece (Chrisi Akti, Crete; Kontokynigi, Crete).

작가 프로필

시간·공간·몸·시스템·소리 사이의 관계를 탐구하는 아티스트. 그의 작업은 특히 비가시적인 것과 덧없는 것, 그리고 시간 속에서 감각·지각·경험을 빚는 데 관심을 둔다. 그의 실천은 예술·철학·과학·공학의 수렴 지대에 있으며, 퍼포먼스에서 환경·인터랙티브 설치, 작곡, 고정매체 작품, 무용·영화를 위한 음악까지 아우른다. 그의 작업은 5개 대륙의 공연장·페스티벌에서 소개됐다. 솔로 작업 외에 여러 음악·멀티/인터미디어 그룹과 이니셔티브를 공동 창립했고, Modern Body Festival과 Modulus Foundation의 공동창립 공동디렉터·공동큐레이터다. 워싱턴 대학교 디지털아트·실험미디어 박사학위를 취득했다.

Stelios Manousakis (GR/NL) is an artist exploring relationships between time, space, body, system, and sound. His work is particularly concerned with the invisible and the ephemeral, and with shaping sensation, perception and experience in time. His practice lies in the convergence zones of art, philosophy, science and engineering; it extends from performances, to environments and interactive installations, to compositions, fixed media pieces, and music for dance and film. His work has been presented in venues & festivals across five continents. Besides his solo work, he has co-founded several music and multi-/inter-media groups and initiatives, and is the co-founding co-director and co-curator of Modern Body Festival and Modulus Foundation. He holds a PhD in Digital Arts and Experimental Media from the University of Washington.

[25'43"]

곡 설명

쿠르디스탄은 메소포타미아 북부 및 북동부의 광대한 고원 지대이다. 이라크 쿠르디스탄은 중앙정부로부터 자치권을 행사하며 쿠르디스탄 지역정부(KRG)가 관할하는 이라크 북부 4개 주를 가리킨다. 이 주들은 1991년 봉기 이후 독립적 자치를 이루었으며, 2003년 사담 후세인 정권 퇴진 후 이라크 연방 수립에 따라 그 자치권이 공식적으로 인정되었다. 이처럼 복잡한 역사를 지닌 땅을 여행하는 것은 평화롭게 공존하는 다양한 문화 속으로 깊이 몰입하는 경험이었으며, 나는 움직이는 소리와 정지된 이미지를 통해 이러한 경험에서 얻은 감정들을 하나의 특별한 이야기로 엮어내고 있다. 현지 사람들에게 들은 비극적인 이야기에도 불구하고, 나는 단순히 동정심을 유발하는 이야기가 아니라 현재의 생동감 넘치는 활력, 그리고 나 자신과 모두의 역사적 뿌리를 탐구하는 자아 발견의 연구를 담아내고자 한다. 이 작품은 그 환경, 그 사람들, 그리고 그 날씨의 일부가 되는 것에 초점을 맞춘다. 즉, 누군가가 자신을 말살하려는 의지에 맞서 살아남아 존재하는 것에 관한 이야기이다.

Kurdistan is a vast plateau of northern and northeastern Mesopotamia. Iraqi Kurdistan refers to the four provinces of northern Iraq that are autonomous from the central government and guided by the KRG (Kurdistan Regional Government). These provinces reached independence after the revolts in 1991, and their autonomy is now officially honored by the establishment of federal Iraq after the fall of the Saddam Hussein regime in 2003. Travelling around this land with such a complex history, is an intense deep dive into many different cultures living together in peace, and I am congregating the feelings I got through those experiences in a unique story told through moving sounds and still images. Despite the harsh stories I heard from the people I've met, I don't want to output a compassion story, but a story of the present vitality and a self exploring research into what could be mine and everyone else's historical roots. The work focusses on being part of that environment, with those people, in that weather. It's about being alive against someone else's will to have you annihilated.

작가 프로필

런던을 기반으로 활동하는 사운드 엔지니어로서, 살아가는 환경에 귀를 기울이고 이를 소리로 포착하는 데 특별한 감각을 지니고 있다. 프로젝트에서 최상의 결과를 끌어내기 위해 이용 가능한 모든 기술을 적극적으로 활용하는 작업 방식을 가지고 있으며, 모노부터 다채널 공간 음향에 이르기까지 새로운 시도를 두려워하지 않고 기획과 청취, 녹음을 거쳐 이야기에 풍부한 울림을 더해주는 사운드를 디자인하는 과정을 즐긴다.

London-based Sound Engineer with a knack for listening and capture the environment I am living. My approach is to combine any technology available to get the best for the project. From Mono to multichannel Spatial Sound, I am not scared of trying, I like planning, listening, recording, and design the sound that adds the extra note to the story.

[10'34"]

곡 설명

우리는 때로 사랑과 우정, 가까움과 멂 같은 말로 관계를 구분하고 정의하려 한다. 그러나 그 사이를 정확히 가르는 기준은 없으며, 더 세분화하여나누거나 척도를 계산한다고 해서 감정이 명확해지는 것도 아니다. 관계는 함께하는 시간과 경험에 따라 끊임없이 움직인다. 가까워졌다 멀어지고, 균형을 이루는 듯하다 다시 기울어진다. 매 순간 변화하기에 하나의 정의로 묶기 어렵다. 이처럼 관계는 고정되지 않는다.

그럼에도 관계 안에서 경험했던 감각은 남는다. 함께 걸었던 발걸음, 무언가를 적던 소리, 공간을 지나가던 바람, 반복해서 떨어지던 물방울처럼 당시에는 의식하지 않았던 작은 소리가 때로는 관계에 대한 구체적인 설명보다 선명하게 하나의 시간을 불러오기도 한다.

〈비결정 상태〉는 명확한 언어로 규정되지 않는 관계와 그 안에 남겨진 감각을 소리를 통해 탐색하는 작업이다. 작품은 관계를 하나의 완결된 상태가 아니라 지속적으로 변화하는 궤도와 운동으로 바라본다. 서로 다른 순간에 기록된 소리들은 각자의 감각을 유지한 채 병치되고, 반복되고, 겹쳐지며 서로의 관계를 변화시킨다. 독립적으로 존재하던 소리가 다른 소리와 만나 새로운 맥락을 만들고, 다시 등장했을 때에는 이전과 다른 감각으로 들리기도 한다.

이러한 소리의 움직임을 통해 하나의 이름으로 고정하기 어려운 관계의 상태와 그 안에서 끊임없이 변화하는 거리와 감각을 드러내고자 한다.

We sometimes attempt to categorize and define relationships using terms like love, friendship, closeness, and distance. Yet there is no clear boundary separating them, nor do emotions become any clearer through finer subdivisions or calculated scales. Relationships move constantly alongside shared time and experience. Drawing near and drifting apart, they seem to find balance only to tilt once more. Shifting with every moment, they resist being bound by a single definition. In this way, relationships remain unfixed.

Even so, the sensations experienced within relationships remain. Subtle sounds unnoticed at the time, such as footsteps walked together, the sound of writing something down, wind sweeping through a space, or water repeatedly dripping, can sometimes summon a specific moment far more vividly than any detailed explanation of a relationship.

Indeterminate State is a sound-based work that explores relationships defying definition in explicit language, along with the sensations left within them. The work views relationships not as a complete state, but as continuously shifting orbits and movements. Sounds recorded at different moments maintain their distinct sensations while juxtaposing, repeating, and overlapping, constantly transforming their relationships with one another. A sound that once existed independently creates a new context when meeting another, sounding distinctly different when it reappears. Through these movements of sound, the work seeks to reveal states of relationship that resist being fixed by a single name, along with the ever-shifting distances and sensations within them.

작가 프로필

POCO는 '조금씩', '점차'를 뜻하는 음악 용어에서 출발한 오디오비주얼 팀이다.

언어로 명확히 설명되지 않더라도 분명히 존재하는 감각과 상태에 주목하며, 그 모호한 영역을 사유하고 음악, 영상, 글의 다양한 방식으로 풀어낸다.

2025년 결성 이후 다양한 사운드를 탐색하고 POCO만의 작업 언어를 만들어가고 있다.

POCO is an audiovisual collective derived from the musical term meaning "little by little" or "gradually." 

Focusing on sensations and states that undeniably exist even when they cannot be clearly articulated through language, the group contemplates these ambiguous realms, expressing them through various forms of music, video, and text. 

Since forming in 2025, they have been exploring a diverse spectrum of sounds while developing an artistic language unique to POCO.

[12'04", 2026]

곡 설명

몸은 소리를 통과시키는 장소이다. 소리는 매 순간 몸을 스쳐 지나가고, 때로는 의식하기도 전에 몸 안에 남는다. 〈passage〉는 서로 다른 시기와 장소에서 충동적으로 채집한 소리들을 하나의 시간 안에서 함께, 혹은 겹쳐 듣는 시도이다. 사진 작업을 하고 있다. 사진은 한 장면이 지나갔고 다시 오지 않을 것임을 응시하게 만든다. 반면 소리는 현장감이 지나간 것임을 인식하기도 전에 몸이 받아들이는 것이었다. 어떤 순간에는 셔터보다 녹음 버튼을 먼저 누르곤 했다. 〈passage〉에서 필드 레코딩이라는 방식은 장소를 재현하기 위한 기록이 아니다. 오히려 외부 세계의 소리가 몸을 통과하며 감각으로 남는 과정의 기록이다. 환경의 소리와 몸의 소리는 분리되지 않는다. 반복되는 호흡은 주변의 소리와 이어지고, 말은 의미를 전달하기보다 음절과 리듬으로 분해되어 하나의 음향이 된다. 언어, 혹은 끝내 언어가 되지 못한 음성 또한 환경음처럼 들을 수 있을지 질문하고 싶었다. 〈passage〉는 가까이 녹음된 소리와 멀리 기록된 소리를 함께 겹쳐 놓음으로써, 평소에는 의식하지 못했던 소리들이 다시 전면으로 떠오를 수 있는 청취의 조건을 만들고자 했다. 호흡은 작품 전체를 관통하는 리듬이다. 파스칼 키냐르는 『음악 혐오』에서 "나는 언어 이전부터 존재한, 떠나지 않고 맴도는 소리를 찾는다"고 말한다. 〈passage〉에서 소리는 의미를 전달하기 위한 언어도, 장소를 재현하기 위한 기록도 아니다. 몸을 스쳐 지나갔지만 떠나지 않고 남아 있는 감각의 흔적이며, 서로 다른 시간에 채집된 소리들이 하나의 청취 안에서 다시 만나도록 하는 매개이다.

The body is a place that allows sound to pass through. Sound brushes past the body at every moment, lingering within even before it is consciously perceived. passage is an attempt to listen to sounds impulsively collected from different times and places together, or overlaid within a single expanse of time. Working in photography, I find that a photograph compels us to gaze at the reality that a scene has passed and will never return. Sound, by contrast, is absorbed by the body even before one realizes that the immediacy of the moment has slipped away. In certain moments, I found myself pressing the record button before the shutter.

In passage, field recording is not a method for reproducing a place; rather, it is a record of the process through which sounds from the outer world pass through the body and remain as sensation. Environmental sounds and bodily sounds are inseparable. Recurring breath connects with ambient noise, while spoken words—rather than conveying meaning—are broken down into syllables and rhythms, turning into pure sonic presence. I wanted to ask whether language—or voices that ultimately failed to become language—could also be listened to as environmental sound. By layering close-up recordings with sounds captured from a distance, passage seeks to create conditions for listening where sounds usually unheeded can resurface to the fore. Breath serves as the underlying rhythm coursing through the entire piece. In The Hatred of Music, Pascal Quignard writes, "I am searching for the sound that existed before language, that hovers without leaving." In passage, sound is neither a language meant to convey meaning nor a record meant to reproduce a place. It is a trace of sensation that brushed past the body yet lingered, and a medium through which sounds collected across different moments can meet once more within a shared act of listening.

작가 프로필

김효영(b.2002)은 미학을 전공했으며 사진을 매개로 시간과 우연 사이에 놓인 빛을 마주하고자 한다. 반복적으로 밀려왔다가 사라지는 감각과 그것에 대한 느낌이 작업의 출발점이 된다. 이미지와 텍스트, 직감과 서사, 일상과 연출의 경계를 가로지르는 방식으로 작업한다. 최근에는 매체의 한계를 인식하고 그것을 우회하거나 마주하고 적극적으로 다른 매체를 가져올 수 있는 방향을 고민하고 있다. 작업 시리즈로는 흩어져있는(2025), Hold ㅁ Breath(2025), Are you still up?(2026) 등이 있다. (B.A. in Aesthetics, Seoul National University, expected Aug 2026.)

Majored in aesthetics and seeks to confront the light situated between time and chance through the medium of photography. Sensations that repeatedly surge and dissipate, along with the feelings they evoke, serve as the point of departure for her work. She operates across the boundaries of image and text, intuition and narrative, the everyday and the staged. Recently, she has been contemplating ways to acknowledge the limitations of a medium, either bypassing or directly confronting them, while actively bringing other media into her practice. Her work series include Scattered (2025), Hold ㅁ Breath (2025), and Are You Still Up? (2026). She is expected to receive her B.A. in Aesthetics from Seoul National University in August 2026.

[18'48", 2026]

곡 설명

밤이 밤에게 안부를 묻는다. 밤은 잠에 들어야 한다. 밤은 잠에 들지 못한다. 밤은 하루를 돌아보고 돌보고 돌아선다. 밤의 얼굴이 달에 가려진다. 달의 얼굴이 지구에 가려진다. 밤은 고개를 돌려 어둠을 응시한다. 어두운 골목을 따라 걷는다. 골목과 골목 사이에는 그늘이 있다. 그늘과 그늘 사이에는 그림자가. 그림자와 그림자 사이에는 사이. 사이의 사이. 사이의 사이의 사이. 밤은 사잇길을 따라 걷는다. 밤들의 행렬에 과거의 밤이 꼬리를 문다.

〈밤 짓기를 위한 마중물〉은 밤의 도시를 함께 통과하며 서로의 안부를 묻는 관객참여형 워크숍 〈밤 짓기〉의 일부에 담긴 사운드 작업이다. 참여자들은 명동역 10번 출구 앞에서 모여 세종호텔, 위안부 기억의 터, 을지로와 청계천을 밤 시간에 함께 걸으며, 자신이 연루된 도시의 '두꺼운 현재'를 몸으로 마주한다. 이 리스닝 버전은 함께 걷는 경로 중 일부 구간에서 참여자들이 청취를 통해 걷는 감각의 확장을 할 수 있도록, 유은과 오로민경이 서로 다른 시간과 장소에서 기록한 소리들을 함께 엮어 하나의 소리 작업으로 옮긴 것이다. 작업에서는 일상의 거리, 광장의 합창과 수요시위의 목소리, 팔레스타인과 방글라데시 콕스바자르의 라디오 방송, 동예루살렘의 새소리, 안녕을 기원하는 설법, 학교 동산의 풀벌레와 새, 섬의 파도가 '밤 짓기'의 밤 한가운데에서 만난다. 〈밤 짓기를 위한 마중물〉은 공동의 청취 행위를 통해 시공간적으로 멀리 떨어져 존재하는 소리들이 교차적으로 연결되는 경험을 제안한다.

소리출처:

(유은)

2026년 2월, <밤 짓기>를 위한 거리에서 들려온 여러 소리들

2025년 8월 23일, 민주화운동기념관, 전시 ⟪재, 꽃잎, 풀림의 의례⟫에서 들은 다여스님의 <땅설법> 연행

2025년 4월 3일, 송현동 광장, 캄캄밴드의 <다시 만난 세계> 연주와 시민들의 합창

2025년 10월, 강신초등학교 해오름동산에서 들은 새와 풀벌레 소리

(오로)

2026년 7월 15일, 세종호텔 농성장의 늦은 밤

2026년 3월 7일,  Radio Alhara <Radio with Palestine, Radio with Iran> 방송을 듣다가 녹음한 소리

2026년 3월 4일, 평화로, 일본군성노예제 문제해결을 위한  수요시위 1742차, 현장의 목소리

2026년 1월 14일, 세종호텔 앞 거리의 시간

2025년 8월 강정마을 인간띠 잇기를 마치고 걷는 길

2025년 3월 1일  거리 집회

2025년 7월 19일, 제주 가파도의 파도소리

2023년 5월 14일, 방글라데시 콕스바자르의 숙소에서 태풍오는 날 라디오에서 들었던 노래

2023년 3월 1일, 동예루살렘에서 들었던 새소리

Commissioned for DCW 2025 Public: Day(s), DOOSAN Gallery.

Night asks night how it is doing. Night must fall asleep. Night cannot fall asleep. Night looks back on the day, cares for it, and turns away. The face of the night is hidden by the moon. The face of the moon is hidden by the Earth. Night turns its head to stare into the darkness. It walks along dark alleyways. Between alleyway and alleyway, there is shade. Between shade and shade, a shadow. Between shadow and shadow, the in-between. The in-between of the in-between. The in-between of the in-between of the in-between. Night walks along the pathways in between. A past night bites the tail of the procession of nights.

A Primer for Night-Making is a sound work drawn from Night-Making, a participatory workshop where participants traverse the nighttime city together and ask after one another. Gathering in front of Exit 10 of Myeongdong Station, participants walk through Sejong Hotel, the Memory Grounds for the Comfort Women, Euljiro, and Cheonggyecheon at night, physically confronting the "thick present" of the city in which they are entangled. This listening version weaves together sounds recorded by Yueun and Orominkyeong at different times and locations into a single sonic piece, designed to expand the sensory experience of walking through listening along selected sections of the route. Within the work, everyday streets, choral singing in public squares, voices from Wednesday Demonstrations, radio broadcasts from Palestine and Cox's Bazar in Bangladesh, birdsong from East Jerusalem, sermons praying for peace, insects and birds on a school hill, and island waves all meet in the middle of the night of Night-Making. A Primer for Night-Making proposes an experience where sounds separated across time and space become cross-connected through the act of collective listening.

Commissioned for DCW 2025 Public: Day(s), DOOSAN Gallery.

작가 프로필

유은

초등학교에서 어린이들과 관계를 맺으며, 그곳에서 매듭짓지 못한 이야기를 작업으로 풀어내는 작가이자 교육자다. 세속적인 얽힘의 과정을 탐색하며 교차성에 기반한 상호연결의 예술 실천을 지향한다. 현재는 예술의 페다고지적 실천의 여러 가능성을 모색하는 동시에, 듣기의 정치적 수행성에 관심을 두고 청취에 관한 리서치를 이어가고 있다. https://u-eun.com/

An artist and educator who builds relationships with children in elementary schools, translating stories left unresolved there into her practice. Exploring processes of worldly entanglement, she pursues artistic practices of interconnection grounded in intersectionality. She is currently exploring various possibilities for pedagogical art practices while conducting research on listening, focused on the political performativity of hearing. 

오로민경

사람들이 소리로 생각하지 않는 고주파소리를 잘 듣는 편이다. 들리지 않는다고 생각되는 소리의 풍경들을 마주하고 들어보는 작업을 하고 있다. 개인의 기억, 흔들리는 잎의 미묘한 떨림 등을 관찰하며 '더 작은 힘'이 할 수 있는 일들에 대해 질문해 보고 있다. https://orominkyung.com/

An artist attuned to high-frequency sounds that people typically do not recognize as sound. She creates work that confronts and listens to soundscapes thought to be inaudible. Observing personal memories and the subtle quivering of leaves, she questions what "smaller forces" are capable of accomplishing.

[7'25"]

곡 설명

《1n mY ro0m》은 가장 주관적이고 사적인 공간이라 할 수 있는 '내 방'에서 나는 소리들을 재료 삼아 제작한 필드 레코딩 기반 작품입니다. 이 작품은 방을 하나의 거대한 악기이자 음향적 환경으로 바라보며, 그 안에서 발견되는 소리들을 수집하고 재구성하여 일상의 공간이 지닌 새로운 청각적 가능성을 탐구합니다. 이러한 의미에서 제목 《1n mY ro0m》은 익숙한 단어를 의도적으로 비튼 표기를 통해, '내 방'이라는 익숙함을 잠시 흔들고 공간을 바라보는 새로운 시선과 청취의 자세를 제안합니다. 작품은 방이라는 공간을 사물의 공간, 심리의 공간, 그리고 존재의 공간으로 확장해 나가는 세 개의 페이즈로 구성됩니다.

Phase 1 – Wandering. 방을 가장 오래 점유하는 존재는 어쩌면 사람이 아니라 그 안의 물건들일지도 모르겠습니다. 업라이트 피아노의 페달을 규칙적으로 밟는 소리로 시작하는 작품은 이를 중심으로 방의 다양한 소리들을 불러 모읍니다. 특히 오랫동안 방 한켠에 놓여 녹슬고 조율되지 않은 기타를 통해 연주한 즉흥적 프레이즈는, 악기라기보다 방을 구성하는 하나의 사물로서 공간의 시간성과 흔적을 드러내는 핵심적인 음향 요소로 사용됩니다.

Phase 2 – Trembling. 방은 가장 사적이고 편안한 공간이지만, 동시에 가장 많은 고민과 불안이 머무는 공간이기도 합니다. 이 페이즈에서는 손톱깎이에서 채집한 소리를 통해 처음으로 뚜렷한 리듬감을 형성합니다. 반복적으로 이어지며 음색적으로 변형하기도 하는 이 리듬은 공간에 긴장감을 부여하며 초조와 불안의 감각을 청각적으로 드러냅니다.

Phase 3 – Breathing. 반복되던 긴장이 잦아든 뒤, 방은 다시 가장 사적인 공간으로 남습니다. 세 번째 페이즈가 담아내고 있는 것은 바로 이러한 '연약함'의 감각입니다. 유리병을 불어 내는 소리와 물을 묻힌 유리잔의 진동, 그리고 어린이 실로폰의 음색은 이전 페이즈와 대비되는 투명하고 섬세한 질감을 형성하며 방 안에 남겨진 내면의 풍경을 그려냅니다. 그리고 마지막에는 모든 소리가 사라지고 오직 나의 숨소리만이 남습니다.

1n mY ro0m is a field recording-based work created using sounds from "my room," arguably the most subjective and private of spaces, as its raw material. Viewing the room as both a giant instrument and an acoustic environment, the piece collects and reconstructs sounds discovered within it to explore new auditory possibilities inherent in everyday spaces. In this sense, the title 1n mY ro0m intentionally warps the spelling of familiar words, gently disturbing the familiarity of "my room" to propose a new perspective on space and a fresh posture of listening. The work consists of three phases that expand the room into a space of objects, a space of psychology, and a space of existence.

Phase 1: Wandering
Perhaps the entities that occupy a room the longest are not people, but the objects within it. Beginning with the rhythmic pressing of an upright piano pedal, the work gathers various sounds of the room around this central motif. In particular, improvised phrases played on a rusty, untuned guitar left in a corner for a long time serve as a key sonic element, revealing the temporal qualities and traces of the space less as a musical instrument and more as an object constituting the room.

Phase 2: Trembling
While the room is the most private and comforting space, it is also a place where anxieties and deep concerns linger most heavily. This phase builds a distinct sense of rhythm for the first time through sounds harvested from fingernail clippers. Repeating and undergoing timbral transformations, this rhythm imparts tension to the space, audibly surfacing sensations of restlessness and anxiety.

Phase 3: Breathing
After the repeated tension subsides, the room returns to being the most private of spaces. The third phase captures precisely this sense of vulnerability. The sound of blowing into a glass bottle, vibrations from a rimmed glass moistened with water, and the timbre of a children's xylophone create transparent, delicate textures that contrast with the previous phase, painting an inner landscape left behind in the room. In the end, all sounds fade away, leaving only the sound of my breath.

작가 프로필

공간과 이미지, 그리고 일상이 품고 있는 감각적 가능성을 포착하고, 이를 음악적 형태로 구체화하는 작업을 하고 있다. 현재 서울대학교 작곡과 이론전공 4학년에 재학 중이며, 서양음악 이론과 작곡을 통해 쌓은 기반 위에서 전자음향과 필드 레코딩 등을 활용해 다양한 소리가 가진 잠재력을 탐구하고 있다. 소리가 이미지 또는 서사와 만나 새로운 감각을 만들어내는 방식에도 관심을 두며 영화와 영상을 위한 음악 작업 또한 이어가고 있다.

Sanghun Chung seeks to capture the sensory possibilities embedded in space, image, and the everyday, and to give them concrete musical form. Currently a fourth-year student in the Theory major of the Department of Composition at Seoul National University, he draws on a foundation in Western music theory and composition while exploring the latent potential of diverse sounds through electroacoustic practices, field recording, and other approaches. He is also interested in how sound can create new sensory experiences when it encounters image or narrative, and continues to compose music for film and visual media.

[7'27"]

곡 설명

이 전자음향 작품은 인도네시아 멘타와이 제도의 마도박 마을에서 채집한 필드 레코딩, 즉 오래된 우물가에서 놀고 있는 현지 아이들의 자연스러운 사운드스케이프에서 출발한다. 개인적인 음향적 기억에 뿌리를 둔 이 곡은 여행이 주는 덧없는 평온함과 일상의 끊임없는 압박감 사이의 극명한 병치를 사색하며, 대조되는 두 가지 음향적·시간적 세계 간의 팽팽한 대화를 펼쳐낸다. 작품은 부드럽게 지속되는 드론과 섬세한 텍스처 그레인이 겹쳐진 고요한 섬의 앰비언스로 시작되어 꿈결 같은 경계 공간을 형성한다. 그러나 이러한 고요한 균형은 침입적이고 날카로운 휴대폰 알람음과 일상의 도시 소음에 의해 갑작스럽게 깨어지며, 이는 현대 삶의 가혹한 가속화를 상징하는 음향적 기호로 작용한다. 이러한 갑작스러운 파열은 명상적인 음향 영역을 해체하며 음향의 밀도, 에너지, 지각적 리듬에 극적인 변화를 만들어낸다. 음향적 구조를 넘어 이 작품은 가속화를 널리 퍼진 사회적·시간적 현상으로 해석한다. 즉, 외딴 시골 삶의 느린 리듬이 현대 일상의 빠르고 압박감 넘치는 템포와 충돌하는 것이다. 작품은 가속화를 단순한 시간적 속도의 변화가 아니라 정지와 불안정, 기억과 즉각적인 현실 사이의 미학적 긴장감으로 탐구한다. 곡은 향수 어린 회상과 벗어날 수 없이 가속화된 현재 사이를 끊임없이 진동하며, 해소되지 않은 서사적 긴장감 속에 마무리된다.

This electroacoustic work originates from a field recording captured in Madobag Village on Indonesia's Mentawai Islands, documenting the natural soundscape of local children playing beside an ancient well. Rooted in personal sonic memory, the piece meditates on the stark juxtaposition between the transient tranquillity of travel and the relentless pressure of mundane daily existence, unfolding a tense dialogue between two contrasting acoustic and temporal worlds. The composition opens with a serene island ambience, layered with soft sustained drones and delicate textural grains to shape a dreamlike liminal space. This calm equilibrium is abruptly disrupted by intrusive, sharp phone alarms and mundane urban noises, which act as sonic symbols of modern life's relentless acceleration. The sudden rupture dismantles the meditative sound realm, creating drastic shifts in sonic density, energy and perceptual rhythm. Beyond sonic structure, the work interprets acceleration as a pervasive social and temporal phenomenon: the slow rhythm of remote rural life collides with the fast-paced, high-pressure tempo of contemporary daily routine. It explores acceleration not merely as a temporal speed change but as an aesthetic tension between stillness and instability, memory and immediate reality. The piece ends with unresolved narrative tension, oscillating perpetually between nostalgic recollection and the inescapable accelerated present.

작가 프로필

Boyi Bai는 필드레코딩, 사운드스케이프 작곡, 인터랙티브 VR 공간 음향을 전문으로 하는 작곡가이자 사운드 아티스트다. 실천 주도의 작업으로 환경음을 몰입형 청각 공간으로 변형하며 장소·기억·매체의 본질적 관계를 탐구한다. 작품은 BBC Radio 6, TagTEAMS 2026, MA/IN Festival, SOUND/IMAGE Festival, MANTRA, PAYSAGES | COMPOSÉS Festival, San Francisco Tape Music Festival 등 국제 페스티벌·전시·라디오 프로그램에서 널리 소개됐다. 제6회 Denny Awards 전자음악 콩쿠르 전자 아쿠스마틱 부문 금상을 수상했으며, Sound of the Year Awards 2024 최종 후보로 노미네이트되었다.

Boyi Bai is a composer and sound artist specialising in field recording, soundscape composition and interactive VR spatial audio, whose practice-led works transform environmental sound into immersive auditory spaces while exploring the intrinsic relationships between place, memory and media. His works have been widely presented at internationally acclaimed festivals, art exhibitions, and radio programmes, including BBC Radio 6, TagTEAMS 2026, MA/IN Festival, SOUND/IMAGE Festival, MANTRA, PAYSAGES | COMPOSÉS Festival, and the San Francisco Tape Music Festival. His distinctive artistic approach has been recognised with the Gold Award in the Electronic Acousmatic Music category at the 6th Denny Awards Electronic Music Competition, a shortlist for the Sound of the Year Awards 2024, and other internationally recognised professional honours.

[7'30", 2015]

곡 설명

"...그림자를 찰나의 아름다움으로 바꾸며." — T.S. 엘리엇

작품 〈Transient Beauty〉는 2015년 8월 취리히 예술대학교 컴퓨터음악 및 사운드 테크놀로지 연구소(ICST ZHdK)에서 진행된 2주간의 예술 연구 기간 동안 창작되었다. 이 작품은 정치적, 경제적으로 불안정했던 시기 그리스가 겪은 심리적, 사회적 영향을 반영한다. 작품의 형태론적 전개는 견고하고 소란스러우며 혼돈으로 가득한 음향 세계에서 여성 목소리의 고요함과 순수함으로 변모하는 과정을 따르는데, 이 목소리는 고통과 불안에서 평화, 희망, 그리고 내면의 아름다움으로 이행하는 감정의 반전을 나타내는 은유로 기능한다. 기술적으로는 고밀도 음향 텍스처, 디지털 프로세싱, 소리의 공간 배치를 통해 전개되며, 문학적이고 실존적인 참조점을 지닌 언어적 파편들을 포함하고 있다.

…Turning shadow into transient beauty." — T.S. Eliot. 

The work "Transient Beauty" was created during two weeks of artistic research at the ICST ZHdK (Institute for Computer Music and Sound Technology – Zurich University of the Arts) in August 2015. It is a work that reflects the psychological and social impact of a politically and economically unstable period in Greece. The morphological course of the work follows a transformation from a solid, noisy and chaotic sound world towards the calmness and purity of a female voice, which functions as a metaphor for the reversal of emotions: from anguish and anxiety towards peace, hope and inner beauty. Technically, the work is developed through high-density sound textures, digital processing and spatial arrangement of sound, while incorporating verbal fragments that refer to literary and existential references.

작가 프로필

Dimitris Maronidis는 어쿠스틱·전자음향·믹스드미디어·인터랙티브 음악을 다루는 그리스 작곡가이다. 다양한 장르를 조합해내고자 하며, 음악적 재료를 조직하기 위한 알고리즘적 과정을 폭넓게 탐구한다. Iannis Xenakis 국제전자음악콩쿠르와 smART의 설립자 겸 디렉터이며 Contemporary Music Lab A.U.Th.의 주요 멤버다. 아리스토텔레스 대학교 음악과 종신 교수(Music Theory·Computer Music). 작품은 Edition Gravis Verlag에서 출판된다. 테살로니키 국립음악원과 아리스토텔레스 대학교에서 작곡·음악학을 마쳤고, IPSA(정신음향학연구소)에서 컴퓨터음악을 공부했다. 요크 대학교에서 Thomas Simaku와 작곡 박사를 마쳤다. 하버드 대학교 풀브라이트 장학생, 취리히 예술대학교(ZHdK) ICST 방문 아티스트. 그의 작품·설치·공연은 Basel Symphony Orchestra, Lorraine Symphony Orchestra, 테살로니키·아테네 국립오케스트라, Nieuw Ensemble, dissonArt ensemble, Diotima String Quartet, Chimera Ensemble 등과, MusLab(멕시코), MusicaViva SoundWalk(포르투갈), 베네치아 비엔날레, Ars Electronica Forum Wallis(스위스), Monaco Electroacoustic Days, MOMus(그리스) 등 페스티벌에서 소개됐다.

Dimitris Maronidis is a Greek composer of acoustic, electroacoustic, mixed media, and interactive music. In his works, he aims to synthesize these fields, and extensively explores algorithmic processes for organizing his musical material. Dimitris is the founder and director of Iannis Xenakis International Electronic Music Competition and smART and also a leading member of Contemporary Music Lab A.U.Th. He is a tenure teaching fellow at the Music Department of the Aristotle University of Thessaloniki where he teaches the courses of Music Theory and Computer Music. His works are published by Edition Gravis Verlag. Dimitris has completed studies in composition and musicology at the State Conservatoire of Thessaloniki and the Aristotle University of Thessaloniki respectively. He has studied Computer Music at the Institute of Psychoacoustics (IPSA). He completed his Ph.D. in composition at the University of York with Thomas Simaku. Dimitris was a Fulbright scholar at Harvard University and has been a visiting artist at the Institute for Computer Music and Sound Technology (ICST) at the University of Zurich (ZHdK). His works, installations, and performances have been presented around the world by many ensembles and orchestras (Basel Symphony Orchestra, Lorraine Symphony Orchestra, State Orchestra of Thessaloniki, State Orchestra of Athens, Nieuw Ensemble, dissonArt ensemble, Diotima String Quartet, Chimera Ensemble, etc.) and at festivals including MusLab (Mexico), MusicaViva SoundWalk (Portugal), Venice Biennale, Ars Electronica Forum Wallis (CH), Monaco Electroacoustic Days, MOMus (GR).

[9'20"]

곡 설명

청자들이 내 음악을 설명할 때 '영화적(filmic)'이라는 단어를 사용하는 경우, 나는 정확히 어떻게 받아들여야 할지 늘 명확하지 않다. 그들은 전자음향 음악과 영화 양쪽에서 비슷하게 느껴지는 어떤 공간감을 가리키는 것일까? 아니면 유사하다고 느끼는 극작술이나 서사 구조를 의미하는 것일까? 확신할 수는 없다. 하지만 이유가 무엇이든 나의 아주 첫 작품부터 '영화적'이라는 평가를 받았고, 그러한 비교는 오늘날까지 이어지고 있다. 〈Between Pictures〉는 내가 의도적으로 영화성을 부여한 첫 번째 작품이다. 이 곡은 내 음악, 나아가 보다 일반적으로 전자음향 음악 속에 존재하는 영화적 연결고리를 깊이 있게 사유해 보려는 시도였다. 또한 이전에 영화용으로 녹음하고 작곡했으나 안타깝게도 사용하지 못했던 특정 소리들을 탐색하는 기회이기도 했다. 이 작품은 청자들에게 아쿠스마틱 음악과 영화 사운드(구체적으로는 폴리, 사운드 디자인, 작곡, 앰비언스 사운드) 간의 관계에 대해 구체적으로 생각해 볼 것을 던진다. 이 작품은 다음과 같은 몇 가지 영화적 아이디어에서 영감을 받았다. 첫째, 미셸 공드리의 영화나 트레버 위샤트의 초기 작곡에서 나타나는 지시적 재료의 변형. 둘째, 데이비드 린치 영화나 《트윈 픽스》의 꿈 장면같은 시리즈 및 김석준의 아쿠스마틱 작품〈꽃문(Kotmun)〉의 공간 전환 같은 것에서 볼 수 있는 공간 간의 전환. 셋째, 서사성. 넷째, 극작술. 이러한 영감들은 〈Between Pictures〉의 재료 선택에 영향을 미쳤을 뿐만 아니라, 그 재료들의 변형과 서사적 구조로의 배치, 그리고 궁극적으로 작품의 전체적인 형식을 형성하는 데 기여했다.

I am never quite sure what to think when listeners describe my music using the term 'filmic'. Are they referring to a certain sense of space that is, perhaps, similar in both electroacoustic music and film..? Or perhaps it is a sense of dramaturgy or narrative that they find similar..? I am not sure. But whatever the case, my very first piece was described as 'filmic', and such comparisons continue to this day. Between Pictures is the first of my pieces that is intentionally filmic. It was my attempt to think through filmic connections in my music, and electroacoustic music more generally. It was also an opportunity for me to explore certain sounds that I previously recorded and composed for film but, sadly, never used. This work challenges listeners to think, specifically, about the relationship between acousmatic music and film sound (specifically, Foley, sound design, composition, and ambient sounds). It was inspired by several filmic ideas about: 1. transformation of referential materials (as found in the films of Michel Gondry, or in the early compositions of Trevor Wishart) 2. transitions between spaces (as found in the films/series of David Lynch, for example the dream sequences in Twin Peaks, and in the acousmatic works of Suk Jun Kim, for example the space transitions in Kotmun) 3. narrative 4. dramaturgy. These inspirations informed the choice of materials in Between Pictures. They also informed the transformation of those materials, their placement in a narrative-like structure, and ultimately the global form of the work.

작가 프로필

Adam Stanović는 녹음된 소리로 음악을 작곡하며 musique concrète의 전통을 이어 조각·회화·도예 등의 조형 예술에 비견되는 방식으로 소리를 직접(물리적으로) 조작해 작품을 만든다. 지금까지 50개 이상의 국제 작곡 콩쿠르에서 수상·레지던시·입선했고, 600회 이상의 국제 연주회에서 연주됐으며, 16개의 앨범(Sargasso, Empreintes DIGITALes 레이블의 솔로 앨범 3장 포함)에 작품을 발표했다. 런던 예술대학교(UAL) Screen School 학장.

Adam Stanović composes music with recorded sound, and follows in the traditions of musique concrète; it is created through the direct (physical) manipulation of sound in ways that have been compared to the plastic arts, such as sculpture, painting, and pottery. To date, he has won prizes, residencies, and mentions in over 50 international composition competitions, had his music performed in over 600 international concerts, and published works on 16 different albums, including three solo albums (on the Sargasso and Empreintes DIGITALes record labels). Adam is Dean of the Screen School at the University of the Arts, London.

[5'00", 2026]

곡 설명

세명의 작곡가의 여섯 개의 손으로 함께 창작한 이 사운드 프로젝트는 Coletivo Refluxus가 주최하고 "대지의 외침"을 주제로 한 Chicharra Nomadic Listening 2026 Festival 레지던시에서 시작되었다. 치차라 페스티벌은 2026년 3월 2일부터 8일까지 멕시코 마야 지역의 중심부인 펠리페 카리요 푸에르토에서 개최되었다. 우리의 작품은 레지던시 기간 동안 우리를 둘러싸고 있던 모든 것에 귀를 기울이는 연습을 공유하며, 또 다른 세계들과 만날 수 있도록 돕는 하나의 ‘리추얼’이 되기를 지향한다. 이 곡은 유적지, 호수, 정글, 도시, 성소 및 시장 등 마야 지역 여러 장소의 사운드스케이프를 한데 모았다. 여기에 치차라 페스티벌 기간 동안 이루어진 활동들과 이번 작곡을 위해 특별히 녹음된 보컬 요소들이 더해져 영토와 목소리의 다층적인 레이어를 형성한다. 우리는 세계에 다시 신비로움을 부여하고자 한다. 이는 철학적 여정이자, 이 영토와 관계를 맺고 있는 모든 존재에 대한 깊은 탐구를 통해 우리 자신에게로 돌아가는 과정이다. 이 의식은 상징적 차원으로의 접근을 가능하게 하며 집단적 꿈을 구축하는 데 있어 다각적인 관점을 확장해 준다. 본래의 소리들은 마야어의 음절부터 정글에 서식하는 동물들의 소리, 콜럼버스 이전 시대의 악기, 그리고 마야 문화 전체의 상징적 왕이자 영적 길잡이 동물인 발람(Balam), 즉 재규어에 이르기까지 현대 삶의 소음과 복합적으로 섞여 나타난다.

The project of this sound work, created at six hands, began at the residence of the Chicharra Nomadic Listening 2026 Festival, organized by Coletivo Refluxus and dedicated, in this edition, to "Earth's Shout". The Chicharra Festival was held in Mexico, between March 2 and 8, 2026, in the heart of the Mayan region, in Felipe Carrillo Puerto. Our composition shares an exercise in listening to everything that surrounded us during our residence, and aspires to be a ritual that allows us to encounter other worlds. The composition brings together soundscapes from various locations in Zona Maia, such as the archaeological site of Chacchoben, Balam Nahn Lagoon, the jungle of the region, the city of Felipe Carrillo Puerto, the Maia Sanctuary and the Maia Fair, in addition to the activities carried out during the Chicharra Festival and other vocal elements recorded especially for the composition, which created multiple layers of territories and voices. We want to provide a re-enchantment of the world; It is about a philosophical journey, a return to ourselves through a deep exploration of all beings in relation to this territory. The rite allows access to symbolic dimensions and makes it possible to multiply perspectives in the construction of collective dreams. The original sounds are also mixed with the noises of contemporary life, from the syllables of the Mayan language to the sounds of the two animals that inhabit the jungle, from the pre-Colombian musical instruments to the symbolic King, animal-guide of the entire Mayan culture: Balam, or Jaguar.

작가 프로필

Refluxus Collective(Ebe Giovannini, Malu Hatoum)

Refluxus Collective
2019년부터 사운드 분야의 동시대 예술로 활동해 온 세대·대륙을 아우르는 여성 사운드 아트 콜렉티브이다.

Refluxus Collective is an intergenerational and intercontinental sound art collective of women that have been working since 2019 with contemporary art in the sound field.

Malu Hatoum(브라질)
사운드 아티스트, 보컬 퍼포머, 퍼포머, 프로듀서이다. 바르셀로나 대학교에서 사운드아트 석사학위를, UFF 에서 동시대 예술로 박사학위를 받았다. 청취 장치를 통한 종(種) 간 트랜스커뮤니케이션 과정을 연구한다. Colectivo Refluxus 공동창립자이며, Chicharra Nomadic Listening Festival에서 큐레이터와 프로듀서로 활동하고 있다.

Malu Hatoum is a sound artist, vocal performer, performer and producer. PhD in Contemporary Arts Studies at UFF, Master in Sound Art at the University of Barcelona. Research on transcommunication processes between species through listening devices. Co-founder of Colectivo Refluxus. Curator and producer of the Chicharra Nomadic Listening Festival.

Ebe Giovannini(스위스·이탈리아)
무형문화유산을 보존하는 시각·음성 기록물을 전문으로 하는 민족인류학자이자 사운드 아티스트이다. RAI·Fininvest·RSI와 20년 이상 협업했으며. 바르셀로나 예술대학에서 사운드아트 석사를 취득한 후 음향 생태학과 미술관 사운드 설치 작업에 관심을 가지고 있다. Refluxus Collective의 공동창립자이다.

Ebe Giovannini is an Ethnoanthropologist and Sound Artist, specialized in visual and radio cultural documents that promote Immaterial Cultural Heritage. She has been collaborating for more than 20 years with RAI, Fininvest and RSI. After completing her master's degree in Sound Art at the University of Fine Arts of Barcelona, her interests concentrate on acoustic ecology and sound installations in museums. Co-founder of Coletivo Refluxus.

Donatella Livigni(이탈리아)

15년 이상 통합 기능 발성법의 교육자로 활동하고 있다. 보컬 퍼포머·사운드 아티스트로서 공간과 목소리의 상호작용을 탐구하며 다큐멘터리를 위한 작품(Eresias, Rai Sardegna)도 작업한다. 목소리의 인류학자로서 고대부터 오늘날까지 목소리와 인간의 관계를 연구한다.

Donatella Livigni has been a teacher and trainer in Integrated Functional Singing for more than 15 years. As a vocal performer and sound artist, she explores the interaction between space and voice, also producing pieces for documentaries (Eresias, Rai Sardegna). As an anthropologist of voice, she studies the relationship between voice and human beings.

곡 설명

〈루카〉는 미나와 한쪽 청력을 잃은 할머니 나오, 검은 금붕어 루카를 중심으로 전개되는 사운드 스크립트다. AI 음성, 전자음향, 필드 레코딩으로 구성되며, 일본의 호수와 부산의 계곡 소리를 중첩해 서로 다른 시간과 장소를 연결한다. 시우와 가족들의 대화는 액자식 구조로 삽입되어 미나의 유년기 서사와 교차하고, 아직 만나지 않은 미나와 시우가 이후 접속하게 될 사건을 청각적으로 암시한다.

Luka is a sound script centered on Mina, her grandmother Nao, who has lost hearing in one ear, and a black goldfish named Luka. AI voice, electronic sound, and field recordings layer lakes in Japan with a stream in Busan, connecting different times and places. Framed conversations between Siwoo and his family foreshadow his later connection with Mina.

작가 프로필

차민휘는 직접 쓴 텍스트로 작품의 구조를 만들고 AI 음성을 활용하며, 사운드 노벨의 형식을 작곡의 영역으로 가져온다. 이를 바탕으로 직접 쓴 희곡을 음성, 전자음향, 필드 레코딩을 통해 들을 수 있는 형태로 전환하는 ‘사운드 스크립트’라는 새로운 개념을 제안한다. 또한 아날로그 악기의 물리적 구조와 전자음악의 알고리즘 사이에서 발생하는 사운드를 실험하고, 마찰과 압력, 진동이 디지털 처리와 결합해 변화하는 과정에 주목한다. 

Minhwi Cha builds works from self-written texts, AI voices, and the form of sound novels. Through his concept of “sound script,” he transforms plays into listening experiences using voice, electronic sound, and field recordings, while exploring the interaction of acoustic structures and digital processes.

곡 설명

〈보이지 않는, 처절한, 그러나 때로는 아름다운〉은 연인인 강신우와 한현아가 질병과 돌봄의 시간을 지나며 쌓여온 이해와 오해, 연결과 단절의 흔적을 따라간다. 서로를 이해하려 하면서도 때로는 어긋나고, 완전히 이해할 수 없음에도 함께 머물렀던 시간 속에서 말과 침묵 사이에 남겨진 관계와 기억의 감각, 서로의 존재를 함께 듣는다. 이 작업은 2025년 강신우와 한현아가 공동으로 만든 퍼포먼스 《병동의 낯선 침묵》에서 이어졌으며, 제목은 최승자의 시 「아침 햇빛, 코스모스, 다람쥐」의 한 구절에서 가져왔다.

Invisible, Desperate, Yet Sometimes Beautiful follows Sinu and Hyunah through illness and care. Moving between understanding and misunderstanding, connection and disconnection, they fall out of step yet remain together, listening for what passes between words and silences. The work grew out of Mysterious Silence in the Ward, a 2025 performance created together by Sinu and Hyunah. The title comes from a line by poet Choi Seung-ja.

작가 프로필

강신우는 서울을 기반으로 활동하는 사운드 아티스트이자 전자음악가로, 필드 레코딩과 라이브 일렉트로닉스를 중심으로 작업한다. 일상에서 우연히 마주하는 소리들을 채집하고, 이를 엮어 새로운 관계와 맥락으로 재구성한다. 최근에는 소리에 스며 있는 관계와 기억의 흔적, 비언어적 감각에 주목하고 있다.

Sinu Kang is a Seoul-based sound artist and electronic musician working with field recordings and live electronics. He collects sounds he encounters in everyday life and weaves them into new relationships and contexts. His recent work explores traces of relationships, memory, and nonverbal sensations in sound.