곡 설명

나는 보스니아의 올드 브리지(스타리 모스트)에 대해 많은 것을 알지 못했다. 그러나 2025년 초, 영국 단체인 Cities and Memories가 내가 참여한 프로젝트의 일환으로 그곳에서 녹음한 현장음을 보내주었고, 다리의 역사는 곧바로 나에게 큰 호기심을 불러일으켰다. 나는 현장음과 함께 나의 합성음을 재료로 삼아 20분 길이의 작품을 완성하였다. 이 곡은 그 다리에 봉인된 복잡한 감정을 환기시키기를 바란다. 본 작품은 아쿠스마틱 32채널(멀티채널) 작품이며, 제출된 파일은 스테레오 축약본이다. 작품의 제목 <CONCERTINO>는 이미 세상을 떠난 나의 작곡 스승 스에요시 야스오의 작품에서 빌려왔다.

I did not know much about the Old Bridge in Bosnia. Early 2025, however, the UK organisation Cities and Memories gave me a field recording of the place due to my participation to one of their projects. The bridge was an obvious intrigue as it contains rich history of the region. I created materials from the field recording in addition to other synthetic sounds of mine, and used them fully in this 20 mins piece. Hopefully, it can evoke complexities of emotions sealed in that particular bridge. This is an acousmatic 32 (multichannel) composition, so the submission file is a stereo reduction. I have borrowed the tiltle CONCERTINO from the work of my late composition professor, Yasuo Sueyoshi, who is no longer with us.

작가 프로필

유코 카토리 보게는 일본 도쿄 출신으로 도호 음악학교(TOHO Gakuen School of Music, 학사)와 런던의 길드홀 음악연극학교(Guildhall School of Music and Drama, 석사)에서 작곡을 전공하였다. 그녀는 스에요시 야스오, 마미야 미치오, 다이애나 버렐, 페테르 에외트뵈시 등에게 사사하였다. 2006년부터 2009년까지 런던 로열 오페라 하우스의 OperaGenesis 프로그램에 창작팀으로 참여하여 두 편의 음악극을 개발했으며, 2009년 로열 발레단 신작 프로그램에 위촉되어 린버리 스튜디오 극장에서 작품을 선보였다. 2013년에는 부다페스트에서 열린 오페라 작곡 마스터클래스에 참가하였다. 2014년 이후에는 장 보게(Jean Voguet)와 함께 CRANE 연구소에서 아쿠스마틱 음악 창작에 전념하고 있다.

She studied composition at TOHO Gakuen school of Music (BMus) at her native Tokyo, Japan, and at Guildhall School of Music and Drama (MMus) in London, UK. Her composition teachers include Y. Sueyoshi, M. Mamiya, Diana Burrell & Peter Eotvos. She was one of the creative teams in residence at OperaGenesis, Royal Opera House in London, UK from 2006 to 2009, where she developed two Theatre pieces. She was also commissioned for the Royal Ballet’s new works programme, held at the Linbury Studio Theatre, ROH (2009). In 2013, she was accepted to participate in a masterclass for opera composition held in Budapest.

Since 2014, she has been concentrating on the creation of acousmatic music at CRANE lab with Jean Voguet.

곡 설명

이 작품은 두 개의 소리 세계에서 출발한다. 하나는 런던 동부 도크 지역을 따라 이어지는 상상의 강 순찰이고, 다른 하나는 가사 노동의 거친 충돌음이다. <Cockney>는 산업적 기억과 친밀한 폭력을 엮어내며, 금속성의 질감과 습한 공기가 섬유가 흔들리며 터져 나오는 소리와 맞부딪힌다. 강은 귀 기울이고, 카펫은 반격한다.

작품은 추상적이고 금속성의 변화무쌍한 템즈강의 소리로 시작하여 직물에서 먼지를 털어내는 박동으로 이어진다. 이어지는 부분에서는 녹음된 소리들이 늘어나고, 부서지고, 겹쳐지면서 몸짓과 지리의 경계가 흐려진다.

여기에는 목소리도, 말도 없지만, 동부 런던의 동네 특유의 억양은 리듬, 질감, 음압 속에 살아 숨쉰다. <Cockney>는 언어가 아닌 힘과 잔여물을 통해 장소를 소환하며, 질감과 소음 속에 각인된 문화를 드러낸다. 기억과 발명 사이를 오가며, 언제나 움직인다.

Composed from two sonic worlds—an imagined river patrol along the East London docks and the raw thud of domestic labour—Cockney brings together industrial memory and intimate violence. Metallic textures and wet air meet the crack and rasp of shaken fibres. A river listens; a carpet fights back.

The piece begins with the sounds of the Thames—abstracted, metallic, shifting—and moves into the beat of dust shaken from woven fabric. What follows is a collision and a merging: recordings stretched, fractured, and layered until the lines between gesture and geography blur.

There is no voice here—no spoken accent—but the East End resonates in the rhythm, the grain, the pressure of sound. Cockney conjures place not through language, but through force and residue, a culture embedded in texture and noise.

Part memory, part invention. Always moving.

작가 프로필

바이올렛 프란시스 카토는 런던을 기반으로 활동하는 아티스트로, 드로잉, 모노프린트, 비디오, 사운드를 통해 취약성, 기억, 그리고 신체를 탐구한다.

Violet Frances Cato is a London-based artist exploring vulnerability, memory, and the body through drawing, monoprint, video and sound.

곡 설명

<Ahuexote>는 Cities and Memory – remixing the world, one sound at a time 프로젝트의 위촉으로 제작된 아쿠스마틱 작품이다. 이 작품은 멕시코 소치밀코(Xochimilco)의 수로에서 들려오는 소리를 탐구한다. 트라히네라(trajinera)의 노 젓는 소리, 나무의 숨결, 생태계의 심장박동이 겹쳐지며, 그 고요한 수면 위에는 소치밀코의 고대적 맥박이 울린다. 이곳의 운하는 땅의 동맥처럼 흐르며, 아홀로틀(axolotl)의 속삭임과 꽃들의 침묵의 기억을 간직한다.

사운드스케이프는 각각의 음색적, 시간적 궤적을 지닌 개별 음향 요소들로 분해된다. 나우아(Nahua)족의 신성한 나무이자 물가의 거주자인 아우에호테(Ahuexote)처럼, 작품은 그 영적 해부학과 영토적 울림을 환기시키는 음향적 차원으로 펼쳐진다.

— 물을 듣고 변형하는 나무, — 노처럼 팔을 저으며 걷는 나무, — 바람을 따라 숨 쉬는 나무, — 바람 위로 수놓아지는 새들의 소리.

이 작품은 스펙트럴 프로세스를 통해 제작되었으며, 사운드스케이프를 음색, 음조, 잡음의 요소로 분해하여 시간, 피치, 공간적 역동성 속에서 변형시켰다. 이는 재합성되고 변형된 소리들과 공존하며, 자연의 풍경을 예상치 못한 새로운 풍경으로 바꾸어낸다.

청취는 육체적 경험으로 전환되고, 육체성은 수중의 파종으로 확장된다. <Ahuexote>는 풍경의 진동하는 기억을 구현하며, 우리로 하여금 그것을 거주하도록 초대한다. 그것은 양서적이고, 식물적이며, 살아 있는 진동이다.

Ahuexote is an acousmatic work, commissioned by the “Cities and Memory - remixing the world, one sound at a time” project. The piece explores the sounds of the waterways of Xochimilco (Mexico), the oar of the trajinera, the breathing of the tree, and the heartbeat of the ecosystem. In the still mirror of its waters, an ancestral pulse beats in Xochimilco: its canals are the arteries of this land, where axolotls murmur and the liquid, silent memory of flowers is preserved.

The soundscape is disassembled into distinct acoustic components, each projecting its own timbral and temporal trajectory. Like the ahuexote, a sacred tree of the Nahua people and a natural inhabitant of water bodies, the work unfolds sonic dimensions that evoke its spiritual anatomy and, also, its territorial resonance:

— The tree that hears and mutates water, — the one that walks with its arm like an oar, — the one that breathes downwind, — and the filigree of birds upwind.

The work was created through various spectral processes, dismantling the soundscape into timbral, tonal, and noise components. Each of these elements has been altered in time, pitch, and dynamic spatiality, coexisting with re-synthesized and transfigured sounds, gradually transforming a natural landscape into an unexpected new one.

Listening is transmuted into corporeal experience, and corporality into aquatic sowing. Ahuexote embodies the vibratory memory of the landscape and invites us to inhabit it: an amphibious, vegetal, and living vibration.

작가 프로필

호르헤 마르티네스 발데라마는 사운드 아카이브와 현장 녹음을 활용하여 몰입적 행위와 방법론, 집단적 참여, 협력적 창작을 통해 작업한다. 그의 예술적 관심은 다양한 맥락과 생태계에서의 소리의 함의를 탐구하고, 집단 창작과 사운드-환경적 실천을 반영하는 데 있다.

그는 아쿠스마틱 및 전자음악 작품, 집단적 즉흥 연주, 사운드 개입을 개발했으며, 페루, 포르투갈, 영국박물관, 오스트리아 등지에서 아티스트 레지던시를 진행했다. 그의 작품은 Ecos Urbanos Festival, 영국 런던 UK Mexican Art Gallery, 린츠의 Ars Electronica, 일본 Audio Rocket, 콜롬비아 Transversal Sonora, 미주리 MOXSonic, 투손의 Turn Up, 볼리비아 Sur Aural, 맨체스터 Mantis, 마드리드 In Sonora 등 주요 국제 페스티벌과 갤러리, 포럼에서 발표되었다. 음악가로서의 훈련을 바탕으로 무용, 영화, 연극, 멀티미디어, 설치, 트랜스미디어 프로젝트를 위한 작곡가, 음악 감독, 사운드 디자이너로도 활동해왔다.

His work focuses on the use of sound archives and field recordings obtained through immersive actions and methodologies, collective participation, and collaborative creation. His artistic interest focuses on listening and reflecting on the implications of sound in different contexts and ecosystems, collective creation and sound-environmental activism.

He has developed acousmatic, electroacoustic works, collective improvisations, and sound interventions through artist residencies in Peru, Portugal, the British Museum, and Austria, as well as in socio-environmental projects. His compositions have been presented at major international festivals, galleries, and forums, including the Ecos Urbanos Festival, the UK Mexican Art Gallery (London), Ars Electronica (Linz), Audio Rocket (Japan), Transversal Sonora (Colombia), MOXSonic (Missouri), Turn Up (Tucson), Sur Aural (Bolivia), Mantis (Manchester), and In Sonora (Madrid), among others. Trained as a musician, he has also worked as a composer, music supervisor, and sound designer for dance, film, theater, multimedia, installation, and transmedia projects.

곡 설명

<Where the Bees Buzz>는 사운드스케이프와 전자음향 음악 시리즈의 두 번째 작품으로, 2020년 캐나다 앨버타주 북서부 피스 지역(Peace Region)에서 채집한 앰비소닉 현장 녹음을 기반으로 하고 있다. 작곡가는 그랑프레리(Grande Prairie) 시를 중심으로 동서남북 150km에 걸쳐 이동하며 흥미로운 장소에서 녹음을 진행하였다. 본 작품은 앨버타주 굿페어(Goodfare)에서 수집한 특정 현장 녹음들을 중심으로, 그 소리들에서 영감을 받은 전자음악적 요소와 함께 구성된다. 제목은 피스 지역이 캐나다에서 주요 꿀 생산지 중 하나라는 사실에서 비롯되었다.

Where the Bees Buzz is the second part of a series of soundscape and electroacoustic music works based on ambisonic field recordings I collected at many locations in the Peace Region of northwestern Alberta, Canada in 2020. I travelled up to 150 km the four directions away from the city of Grande Prairie, stopping at interesting locations along the way. Where the Bees Buzz features select field recordings from Goodfare, Alberta with electroacoustic music accompaniments inspired by those recordings. The title refers to the fact that the Peace Region is a primary honey production region in Canada.

작가 프로필

숀 핀치벡은 캐나다 앨버타주 에드먼턴을 기반으로 활동하는 전자음향 음악 작곡가, 미디어 아티스트, 오디오 엔지니어, 퍼포머, 기획자, 교육자다. 다수의 국제적인 상을 수상한 그는 사운드스케이프와 전자음악을 넘나드는 작품 활동을 이어오고 있으며, 창작과 연구, 교육을 통해 전자음악 분야에서 폭넓은 활동을 하고 있다.

Shawn Pinchbeck is an award winning Edmonton, Alberta, Canada based electroacoustic music composer, media artist, audio engineer, performer, curator and educator.

곡 설명

<Water-drought patterns>는 가뭄으로 고통받는 수생 환경의 이야기를 다루는 작품이다. 실제 장소와 그 미래의 조건 사이의 전환이 유기체와 물질의 소리를 통해 허구적 차원으로 탐구된다. 처리된 공기 중, 수중, 그리고 표면 진동은 힘, 흐름, 경쟁하는 요소들을 드러내며, 공간 속에서 다층적인 청취 관점을 가능하게 한다. 미세한 사건과 질감들은 식물과 동물이 가뭄에 반응하는 방식—적응, 투쟁, 달라진 행동—을 전달한다. 청취자는 여러 시간적·공간적 규모와 시나리오를 가로지르며 이 과정을 경험한다.

Water-drought patterns tells the story of an aquatic environment suffering drought. Transitions between real places and their future condition are explored through the fictional dimensions of sounds of organisms and matter. Processed airborne, underwater and surface vibrations express forces, flows and competing elements and reveal multiple listening perspectives in space. Micro events and textures transmit plant and animal reactions to drought; adapting, struggling, behaving differently. Listeners navigate across multiple temporal and spatial scales and scenarios.

작가 프로필

엘레니-이라 파누르기아는 사운드 및 시각 예술가이자 연구자다. 그녀의 작업은 사운드, 오브제, 공간, 환경을 결합하여 새로운 표현 방식과 창의적 방법론을 개발하는 데 초점을 맞춘다. 이러한 복합적 형태가 예술, 디자인, 사회, 생태학적 과정 속에서 지니는 잠재성을 탐구한다. 그녀의 작업은 전 세계의 박물관, 갤러리, 페스티벌, 전시, 라디오 프로그램, 학술 저널, 학술서적, 컨퍼런스 등에서 소개되었다. 파누르기아는 오나시스 재단 장학생으로 영국 에든버러 대학교에서 박사 학위를 취득했으며, 학술지 「Airea: Arts and Interdisciplinary Research」의 공동 창립자이자 편집장으로 활동하고 있다. 현재 프랑스 구스타브 에펠 대학교에서 강의 및 연구 펠로우로 재직 중이다.

Eleni-Ira Panourgia is a sound and visual artist, and researcher. Her work focuses on the development of new forms of expression and creative methods that combine sound, objects, spaces and environments. She explores the potential of such complex morphologies within artistic, design, social and ecological processes. Eleni-Ira’s work has been presented internationally in museums, galleries, festivals, exhibitions, radio shows, academic journals, edited volumes and conferences. Eleni-Ira completed a PhD in Art at the University of Edinburgh as a Scholar of the Onassis Foundation. She is co-founder and managing editor of the journal Airea: Arts and Interdisciplinary Research. Eleni-Ira is currently a Teaching and Research Fellow at Gustave Eiffel University.

토요일, 10월 18일, 13:00 - 17:00 | 참여자 수: 15명

필드 레코딩은 소닉 노마드에게 핵심적인, 체화된 (embodied) 듣기 행위입니다. 많은 사람들이 생각하는 것과는 달리, 필드 레코딩의 궁극적인 목표는 나중에 사용할 수 있는 소리를 수집하는 것이 아니라, 현장에서 몸으로 듣는 법을 배우는 것입니다. 필드 레코딩을 할 때, 우리는 소리를 녹음하는 것이 아니라, 그 소리의 시적 의미를 녹음합니다.

약 4시간 동안 진행되는 이 워크숍에서, Transients 팀과 참가자들은 소형 휴대용 디지털 레코더와 헤드폰을 착용하고 사운드워크를 진행합니다. 소리의 흔적을 따라가면서, 우리는 종종 멈춰 서서 도시 곳곳의 소리에 귀를 기울입니다. 작고 좁고 조용한 골목길과 사람, 자동차, 그리고 다른 도시적 사물들로 북적이는 거리, 그리고 물, 바람, 식물, 곤충, 새, 그리고 다른 동물들이 공존하는 환상적이고 놀라운 비현실적인 장소들 말입니다. 이 모든 사물들이 소리를 만들고, 소리를 듣습니다. 소닉 노마드가 된다는 것은 우리의 청취를 그들의 호기심 많고 열린 청취와 연결한다는 것을 의미합니다.

워크숍 준비물:

3.5mm 잭이 있는 유선 헤드폰(이어폰이나 무선 헤드폰은 불가)

작은 노트와 펜

소형 바람막이가 장착된 Zoom H1n 소형 핸드헬드 디지털 레코더는 Sonic Nomads에서 워크숍 시간동안 제공합니다.

Field Recording Workshop: Soundwalk Route 2

Sat, Oct. 18, 13:00 - 17:00 | Number of participants: 15

Synopsis

Field recording is an act of embodied listening, which is key to sonic nomads. As opposed to what many would think, the ultimate goal of field recording is not to collect sounds that can be used later; rather, it is to learn how to listen on the field, with our body. When we are on a field recording, we are not recording sounds; we are recording the poetics of those sounds.

Each of these workshops, which will take about four hours, the Transients team and the participants will take a soundwalk with a small handheld digital recorder and a set of headphones. As we trace the crumbs of sounds, we will often stop and listen to those that dwell in many corners of the urban contexts - small, narrow, silent alleys on the one hand, and streets bustling with people,cars and other urban objects on the other hand, and also some fantastic and surprising unreal places where water, wind, plants, insects, birds and other animals co-exist. All these objects make, and listen to, sounds. Being a sonic nomad means to connect our listening to theirs inquisitive and openly.

What to prepare for the workshop:

A set of wired headphones with a 3.5 mm jack (not earphones or wireless headphones)

A small notebook and a pen

You will be provided with a Zoom H1n small handheld digital recorder with a small windjammer.

곡 설명

〈doorframes covered in masking tape〉는 타악기, 연쇄 합성(concatenative synthesis), 그리고 목소리의 단편들을 활용하여 비어 있는 공간을 탐구하는 작품이다.

웨어하우징(warehousing)’—기업들이 건물의 전체 층(혹은 건물 전체)을 사들인 뒤 비워둔 채 가격을 올리는 행위이다. 도시 중심에서 이러한 행위는 공허한 진공을 만들어내며, 거의 보이지도 않고, 존재하는 듯 존재하지 않는 듯한 공간을 남긴다.

이 작품은 자연주의적 묘사가 아니라, 이와 같은 경계적 공간(liminal space)이 불러일으키는 주관적 감각을 어렴풋이 왜곡된 거울로 비추어낸다.

doorframes covered in masking tape is a piece that employs percussions, concatenative synthesis and voice fragments to explore an empty space.

Warehousing - corporations buying entire floors (entire buildings) just lo leave them empty and raise the prices. At the center of our cities, this creates a vacuum - a space barely seen, barely existing.

The piece is not a naturalistic description - it’s a vaguely distorted mirror of the subjective feelings this kind of liminal space evokes.

작가 프로필

마티아 베네데티(Mattia Benedetti)는 아쿠스마틱 음악, 악기와 라이브 전자음을 위한 작품, 오디오비주얼(A/V) 작곡을 하고 있다. 그는 조용한 음악, 알고리즘적·우연적 기법, 소리와 단어의 관계에 관심을 두고 있으며, 그의 작품들은 유럽, 남·북아메리카, 아시아에서 발표되었다.

Mattia Benedetti creates acousmatic music, pieces for instrument and live electronics and A/V compositions. He’s interested in quiet music, algorithmic and aleatoric techniques and the relationship between sound and words. His pieces have been presented in Europe, North and South America and Asia.

곡 설명

〈Hwapo III〉는 4부작 전자음향 작품 중 세 번째 파트로, 한국의 작은 어항인 화포(Hwapo) 를 사운드로 그려낸 음향 초상이다. 이 작품은 스톡홀름의 EMS(Elektronmusikstudion)에서의 레지던시 기간 동안 제작되었으며, 현지에서 녹음한 현장 녹음(field recording) 을 기반으로 Buchla 200 모듈러 신시사이저, AKG BX20 스프링 리버브, GRM Tools DSP를 사용해 작업되었다.

Hwapo III is the third part of a 4 part electroacoustic composition. It is a sound portrait of Hwapo, a tiny fishing port in South Korea. The work consists of a field recording processed and mixed during an artist residency at EMS (Elektronmusikstudion) in Stockholm, using Buchla 200 modular synthesizer, AKG BX20 spring reverb and GRM Tools DSP.

작가 프로필

윌 볼턴(Wil Bolton)은 영국 출신의 아티스트이자 작곡가이다. 그의 작업은 장소, 사이코지오그래피(psychogeography), 폐허와 쇠락, 그리고 일상의 디테일과 질감 속에서 발견되는 아름다움에서 영감을 얻는다. 그는 자연 및 인공 환경을 탐구하며, 사운드·비디오·사진·퍼포먼스·설치 등 다양한 매체를 넘나드는 작업을 이어오고 있다. 볼턴의 오디오 작업은 현장 녹음, 발견된 사물, 모듈러 및 아날로그 신시사이저, 기타, 어쿠스틱 악기, 이펙트 등을 활용하여 따뜻하고 감성적인 멜로디를 만들어내며, 이는 드론 기반의 앰비언트 텍스처와 환경음 속에 분절되고 잠겨 있다.

그의 작품은 Home Normal, Quiet Details, Dronarivm, Laaps 등의 국제 레이블을 통해 발매되었으며, ICA (영국), 리버풀 비엔날레 (영국), Foundation Destellos (아르헨티나), KRiK Festival (크로아티아) 등에서 전시되었다. 또한 Cafe Oto, Iklectik, Focal Point Gallery, Tate Liverpool 등에서 공연했으며, Gapado AiR (한국), EMS (스웨덴), 라디오 베오그라드 전자 스튜디오 (세르비아), 인천 아트 플랫폼 (한국), 에스토니아 아티스트 협회 등 다양한 기관에서 레지던시를 수행했다.

Wil Bolton is a British artist and composer. His work is inspired by place, psychogeography and finding beauty in ruins, decay and the details and textures of everyday scenes.

He explores the natural and built environment through the use of media spanning sound, video, photography, performance and installation.

Wil’s audio work uses field recordings, found objects, modular and analogue synthesizers, guitars, acoustic instruments and effects to create warm and emotive melodies, fragmented and submerged among beds of droning ambient textures and environmental sounds.

He has been published internationally by record labels including Home Normal, Quiet Details, Dronarivm and Laaps and exhibited at venues including ICA (UK), Liverpool Biennial (UK), Foundation Destellos (Argentina) and KRiK Festival (Croatia).

He has performed at venues including Cafe Oto, Iklectik, Focal Point Gallery and Tate Liverpool and has undertaken artist residencies at Gapado AiR (South Korea), Elektronmusikstudion (Sweden), Electronic Studio Radio Belgrade (Serbia), Incheon Art Platform (South Korea) and the Estonian Artists’ Association.

곡 설명

〈Paysage〉는 Festival RE:FLUX ‘16의 위촉으로 작곡되었으며, 2021년 포르투갈 Miso Music이 주최한 Música Viva Festival 국제 전자음향 작곡 콩쿠르에서 우수상(Honourable Mention)을 수상하였다.

데니스 스몰리(Dennis Smalley, b. 1946)는 ‘소스 결합(source bonding)’을 소리와 그 가상의 원인 혹은 출처를 자연스럽게 연결하려는 경향, 그리고 공통의 기원이나 연관성을 가진 듯 보이는 소리들을 서로 이어 붙이려는 지각적 활동으로 정의한다. 따라서 ‘결합 놀이(bonding play)’는 본질적으로 지각에 내재된 행위라 할 수 있다. 이 개념은 내가 ‘소리’와 그 행위에 대해 어떻게 사고할 것인가를 다시 성찰하게 했고, 무엇보다도 ‘소리’를 다르게 듣는 방법을 모색하도록 이끌었다. 나의 신체적 청각 경험(somatic knowledge)에 대한 자기 성찰은 곧 작곡가이자 연구자로서 ‘소리’를 음악으로 고려해야 한다는 더 넓은 관점을 열어주었다.

이러한 과정 속에서 탄생한 〈Paysage〉는 나를 둘러싼 환경의 소리를 가공해 만든 사운드스케이프 작품이다. 특히 팬데믹으로 인한 강제적 제한(격리) 상황은 작업 공간과 생활 공간을 동시에 공유하게 만들었고, 이를 통해 소리가 얼마나 끊임없이, 그리고 본질적으로 음악적인 방식으로 우리를 둘러싸고 있는가를 더욱 강하게 체감하게 되었다.

〈Paysage〉는 2021년 런던 왕립음악원(Royal College of Music) 작곡 박사 과정 중 작업되었으며, The ACTOR Project(캐나다), Calouste Gulbenkian Foundation(포르투갈), 왕립음악원(영국)의 지원을 받았다.

Commissioned by Festival RE:FLUX ‘16

Honourable Mention at the Música Viva Festival 2021 International Electroacoustic Composition Competition by Miso Music Portugal

Dennis Smalley (b. 1946) defines source bonding as the natural tendency to relate sounds to supposed sources and causes and to relate sounds to each other because they appear to have shared or associated origins. Thus, bonding play is an inherent perceptual activity.

Consequently, I began to rethink how and what to think about ‘sound’ and its behaviour, and most importantly, to hear ‘sound’ differently. This self-reflection on my sonic somatic knowledge led to a broader perspective on what I, as a composer and researcher, should consider sound as music. Hence, I wrote Paysage, a soundscape piece based on the processing of the sounds that surrounded me during the writing process. This effect was enhanced by the imposed limitations during confinement, which meant that I had to share the same house to work and to live in, which made me realize how musical sound is constantly all around us.

Written in 2021 as part of my Doctor in Music — Composition at the Royal College of Music, London (EN). With the support of The ACTOR Project (CAN); Calouste Gulbenkian Foundation (PT) & Royal College of Music (EN).

작가 프로필

호르헤 라모스(Jorge Ramos)는 런던을 기반으로 활동하는 포르투갈 출신의 작곡가이자 사운드 아티스트이다. 그는 기술, 오케스트레이션, 그리고 사이코어쿠스틱스(psychoacoustics)를 융합하여 전자음향, 오케스트라, 합창, 멀티미디어 작품 등 다양한 형태의 몰입형 음악을 창작하고있다.

Jorge Ramos is a Portuguese composer and sound artist based in London, blending technology, orchestration, and psychoacoustics to create immersive music spanning electroacoustic, orchestral, choral, and multimedia works.

곡 설명

〈Samothraki〉는 그리스 사모트라키(Samothraki) 섬 주민들과 함께한 장기간의 청취, 산책, 대화를 통해 발전한 스테레오 사운드스케이프 작품이다. 이 작업은 부분적으로 소리 민족지(sonic ethnography)이자, 부분적으로 청각적 일기(auditory diary)로서, 체화된 존재감과 관계적 청취에 대해 성찰한다.

작품은 장소와 이주의 긴장, 환경의 정적과 사회적 움직임의 마찰을 담아낸다. 수개월간 채집한 현장 녹음만을 사용하여, 염소 방울 소리, 파도, 시장의 대화, 산길의 발걸음 등 다양한 소리를 통해 사람과 환경이 어떻게 함께 울리고 공명하는지를 층위적으로 드러낸다.

The work, titled “Samothraki” is a stereo soundscape composition developed through an extended period of listening, walking, and conversation with residents of the Greek island of Samothraki. Part sonic ethnography, part auditory diary, the piece reflects on embodied presence and relational listening. It captures the friction between place and displacement, between environmental stillness and social movement. Using only field recordings gathered over several months, from goat bells and waves to market chatter and mountain paths, the work offers a layered reflection on how people and environments sound together.

작가 프로필

조지 에드먼드슨(George Edmondson)은 사운드 아티스트이자 연구자, 교육자이다. 그는 다양한 사운드적 방법론을 활용해 사회적 주제를 협업적으로 탐구하는 작업을 이어가고 있다. 과정과 결과 모두를 중시하며, 사운드 아트를 사회적 성찰과 민주적 담론을 위한 유연한 매개체로 발전시키는 적응적 방법론을 꾸준히 연구한다. 그의 연구, 작곡, 프로젝트는 지역적·국가적·국제적 차원에서 다양한 매체를 통해 발표되고 논의되어 왔다.

George Edmondson is a sonic artist, researcher and educator. His work often investigates societal themes collaboratively, using a variety of sonic methods. Valuing both process and output, George continually seeks to develop adaptive methods which promote sound art as an agile vehicle for social reflection and democratised commentary. His research, compositions and projects have been conducted, disseminated, and discussed regionally, nationally, and internationally, across a number of mediums.

곡 설명

〈An Interrupted Memory〉는 루이스 대학교(Lewis University)의 “Art of Memory” 시리즈를 위해 2009–2010년에 작곡된 작품이다. 이 작품의 모든 소리 재료는 2009년 가을, 루이스 대학교 캠퍼스의 다섯 개 서로 다른 장소에서 동시에 녹음된 각각 2분 길이의 다섯 개 오디오 클립으로부터 가져왔다. 〈An Interrupted Memory〉는 바로 그날, 그 시간, 그 장소에서의 루이스 대학교의 사운드스케이프를 포착하고, 그 ‘2분의 순간’을 지속시키려는 시도이다.

An Interrupted Memory was written in 2009-2010 for Lewis University “Art of Memory” Series. All of the sound sources for this work were taken from five recordings, each two-minutes in length. These audio clips were recorded simultaneously at five different locations on the campus of Lewis University in the fall of 2009. An Interrupted Memory attempts to capture and sustain two minutes of the soundscape of Lewis University on that day at that time.

작가 프로필

마이크 맥페론(Mike McFerron) 은 시카고 지역 루이스 대학교의 음악 교수이자 상주 작곡가로, 현재 음악학과 학과장을 맡고 있으며 작곡과 이론을 가르치고 음악 제작 및 녹음 프로그램을 지도하고 있다. 또한 Electronic Music Midwest 페스티벌의 공동 창립자이자 공동 디렉터로 활동하고 있다.

그는 미주리-캔자스시티 대학교 음악원에서 작곡 박사학위(DMA)를 취득했으며, 제임스 모버리(James Mobberley), 천이(Chen Yi), 제럴드 켐너(Gerald Kemner), 레이 E. 루크(Ray E. Luke)에게 사사했다. 과거 홍콩침례대학교, 미주리-캔자스시티 대학교 음악원, 캔자스시티 커뮤니티 칼리지 등에서 교편을 잡았으며, Chamber Music Conference of the East/Composers’ Forum의 상주 작곡가로도 활동했다. 또한 메트로폴리탄 유스 심포니 오케스트라 이사회 위원과 미국 작곡가 협회(Society of Composers, Inc.) 집행위원회 의장을 역임했다.

맥페론의 작품은 오페라 〈Loving Is〉와 피아노 독주곡 〈Apprehension of the Eternal Will〉의 카네기홀 초연을 비롯해 미국과 유럽 전역에서 연주되었으며, 루이빌 오케스트라 작곡 콩쿠르 1위, 시카고 심포니 오케스트라 “First Hearing” 프로그램, Masterprize 국제 콩쿠르, ASCAP Rudolf Nissim Prize 등 다수의 수상 및 입상 경력을 보유하고 있다.

그의 음악은 전자음악, 오케스트라, 합창, 실내악, 오디오비주얼 등 다양한 장르를 아우르며, ICMC, SEAMUS, NYCEMF 등 국제적인 페스티벌과 학술회의에서 연주 및 방송되었다. 또한 MacDowell Colony, Ucross, June in Buffalo 등 저명한 레지던시에 참가했으며, 세계 각지의 연주자 및 단체와 협업하며 활발한 활동을 이어가고 있다.

Mike McFerron is a professor of music and composer-in-residence at Lewis University in the Chicago area. The chair of the Department of Music at Lewis University, McFerron teaches music composition, theory, and directs the music production and recording program. He is founder and co-director of the Electronic Music Midwest festival. He received a DMA in composition from the Conservatory of Music—University of Missouri at Kansas City where his primary teachers were James Mobberley, Chen Yi, and Gerald Kemner. A native of Oklahoma, McFerron also studied composition with Ray E. Luke. He has been on the faculty of Hong Kong Baptist University, the University of Missouri-Kansas City Conservatory of Music, and Kansas City Kansas Community College. McFerron has served as resident composer at the Chamber Music Conference of the East/Composers’ Forum in Bennington, Vt. McFerron serves on the board of the directors for the Metropolitan Youth Symphony Orchestra and is a past Chair of the Executive Committee for the Society of Composers, Inc.

McFerron’s music has received critical acclaim and recognition. Kristín Jónína Taylor’s recording of his Piano Sonata #2 was a finalist in the 2025 American Prize Ernst Bacon Memorial Award and received two silver medals by Global Music Awards. Loving Is, a chamber opera by McFerron, premiered at Carnegie Hall by the Remarkable Theater Brigade, and his solo piano work, Apprehension of the Eternal Will was premiered at Carnegie Hall by Matthew McCright in 2019. Perspectives for orchestra was awarded first prize in the Louisville Orchestra Composition Competition, was a recipient of the Chicago Symphony Orchestra’s “First Hearing” program, was awarded an honorable distinction in the Masterprize International Composition Competition, and was an honorable mention in the ASCAP Rudolf Nissim Prize. His Torrid Mix: Featuring DJ Jazzy King and Master L.T. was awarded the first prize in the 2006 Forecast Music Composition Competition and has subsequently been performed in concert over 150 times. McFerron was chosen the winner of the Cantus Commissioning/Residency Program, and he was a recipient of the 2021 LYNX Project commissioning project and the 2005 CCF Abelson Art Song Commission. His music was a finalist in the 1st International Electroacoustic Music Contest – CEMJKO, the 2004 Confluencias Electronic Miniatures II International Competition, the 2005 Truman State/MACRO Composition Competition, The 2005 American Modern Ensemble Composition Competition, the 2002 Swan Composition Competition, the 1999 Salvatore Martirano Composition Contest, and the 1997 South Bay Master Chorale Choral Composition Contest. McFerron has been a composers fellow at the MacDowell Colony, Ucross, June in Buffalo, and the Chamber Music Conference of the East/Composers’ Forum in Bennington, Vt. His music has been featured on numerous SCI National Conferences, SEAMUS National Conferences, the International Computer Music Conference (ICMC), Brooklyn College Conservatory’s Electroacoustic Music Festival, the MANTIS (UK) festival, ÉuCue “Plugged Festival” (Montreal), University of Richmond’s 3rd Practice Festival, New York City Electroacoustic Music Festival, Denison University TUTTI Festival, Manchester New Music Festival, Ball State University New Music Festival, Florida State University New Music Festival, Spark Conference, Florida International Electroacoustic Music Festival, Spring in Havanna, the MAVerick Festival, several SCI regional conferences, and concerts and radio broadcasts across the U.S. and throughout Europe. He has written music for many highly acclaimed performers including Kristín Jónína Taylor (piano), Matthew McCright (piano), Linda Chatterton (flute and piano), Adrianne Honnold (saxophone and electronics), LYNX Project (voice and piano), Vox Novus (electronics), Cantus (male chorus), SUNY-Oswego (orchestra and choir), Kristín Taylor (piano), GéNIA (piano and electronics), Andrew Spencer (percussion), Julia Bentley (voice and piano), the Chamber Music Conference of the East/Composers’ Forum (chamber music), Nelson-Atkins Museum of Art in Kansas City (piano and electronics), Lewis University (choir), Sumner Academy of Arts and Science (chamber music), and five times by the Metropolitan Youth Symphony Orchestra among others.

곡 설명

지중해 지역에서 여름을 보낸 이들이라면 누구나 특정한 시간과 장소에 고유한 몰입적 청각 경험을 접했을 것이다. 바로 매미의 노랫소리다. 매미의 끊임없는 울음은 황혼에서 새벽까지 대지를 가득 채우며, 누구도 그 소리에서 자유로울 수 없다.

〈Tettix -A〉는 의도된 작업이라기보다는 일련의 창조적 “우연”에서 비롯된 전자음향 작품이다.

2022년 한여름, 남부 펠로폰네소스에서 현장 녹음을 하던 중, 모든 녹음이 매미 울음에 의해 “망가진 듯” 들렸다. 매미 소리가 너무 집요하게 녹음에 스며들어 결국 그 소리를 배제하기보다, 오히려 매미 자체를 주제로 한 작곡을 해야 한다는 생각에 이르게 되었다. 〈Tettix -A〉는 작곡가가 매미 소리를 다룬 첫 번째 작품으로, 앞으로도 이 특별한 곤충의 울음을 음악적으로 확장해 탐구할 계획을 품게 해 주었다. 이 작품은 단 몇 초간 지속되는 하나의 매미 솔로 샘플에서 출발한다. 이 원재료는 작품의 시작 부분에서 그대로 제시되며, 이후 그 변형과 처리 과정을 통해 방대한 오디오 데이터가 만들어졌다. 이 데이터는 스펙트럼 정보와 같은 특성 분석을 바탕으로 여러 범주로 나뉘었고, 이러한 거대한 자료의 탐색 과정을 통해 최종적인 작품의 구조가 형성되었다.

Whoever has spent their summer in any part of the Mediterranean basin, must have witnessed one of the most immersive aural experiences specific to that place and time, the cicadas’ song. Their pervasive sound runs continuously from dusk to dawn in any part of the land, making no one immune to it. The electroacoustic composition Tettix-‘A was the result of a series of creative “accidents” more than an aimed-for work. It all started in the hot haze of the summer 2022, while doing some field recordings in the south Peloponnese. All the recordings seemed to be “spoiled” (in one way or another) by the obsessive sound of the cicadas. The pervasiveness of the cicada’s sound in the recordings, caused the final submission to the idea of making a composition about cicadas, rather than trying to fight their sound. Tettix-‘A, is the first work of the composer on the sound of cicadas, and it fosters the idea to further explore musically the song of this extraordinary insect in future works. The entire piece is based exclusively on a single sample of one cicada solo, lasting only a few seconds, this material is exposed at the beginning of the work. Out of this small sample and its processed variations, a large corpus of audio content was made. The corpus was split into categories based on an analysis of its characteristics (e.g., spectral information). The navigation through this large corpus of data gave shape to the overall piece into its final form.

작가 프로필

타노스 폴리메네아스-리온티리스(Thanos Polymeneas-Liontiris)는 작곡가이자 사운드 아티스트이며, 그리스 아테네 국립 카포디스트리아스 대학교에서 음악 & 인터랙티브 미디어 부교수로 재직 중이다. 그의 작업은 컴퓨터 기반 작곡, 인터랙티브 오디오비주얼 설치, 몰입형 오디오 워크, 생성 예술, 무용·연극·인터미디어 공연을 위한 인터랙티브 음악 등을 아우른다.

그는 로테르담 음악원에서 더블베이스와 전자음악 작곡 학사를 취득했으며, 헤이그 왕립음악원의 소노로지 연구소(Institute of Sonology)와 IRCAM에서 수학했다. 이후 발렌시아 공과대학교에서 예술과 기술 석사, 팔머스 대학교에서 창의교육 석사 학위를 모두 최우수 성적으로 마쳤다. 2019년에는 영국 서식스 대학교에서 전액 장학금(CHASE-AHRC)을 지원받아 박사 학위를 마쳤다.

2011년부터 고등교육 기관에서 강의해 왔으며, 팔머스 대학교, 서식스 대학교, 브라이턴 대학교, 이오니아 대학교, 아테네 국립 대학교 등에서 학생들을 가르쳤다. 그의 작품은 Tectonics Festival, Modern Body Festival, 아테네 & 에피다우로스 페스티벌, Holland Festival, Todays Arts, 칼라마타 국제 무용 페스티벌, 아테네 콘서트홀, 오나시스 재단, 지중해 청년 비엔날레 등 다양한 무대에서 발표되었다. 또한 그의 연구는 교육학, 기술, 미학을 주제로 한 다수의 출판물로 이어지고 있다.

Thanos Polymeneas-Liontiris is a composer, sound artist and Assistant Professor (Music & Interactive Media), at National & Kapodistrian University of Athens, Greece. His practice comprises computer-aided compositions, interactive audiovisual installations, immersive audiowalks, generative art, interactive music for dance, theatre and intermedia performances.

He has obtained a BA in Double Bass, and a BA in Electronic Music Composition from Rotterdam Conservatoire, while following courses at the Institute of Sonology (Royal Conservatoire of The Hague) and at IRCAM. He completed two MA degrees, both with distinction: in Art and Technology (Polytechnic University of Valencia) and in Creative Education (Falmouth University). In 2019 he concluded his PhD research aided by a fully funded CHASE-AHRC scholarship at University of Sussex.

He has taught in Higher Education since 2011 (Falmouth University, University of Sussex, University of Brighton, Ionian University and National & Kapodistrian University of Athens).

His works have been presented, among others, at Tectonics Festival, Modern Body Festival, Athens and Epidaurus Festival, Holland Festival, Todays Arts, Attenborough Centre, Kalamata International Dance Festival, The Athens Concert Hall, Onassis Foundation, Biennale of Young Artists from Europe and the Mediterranean. His publications encompass subjects related to Pedagogy, Technology and Aesthetics.

곡 설명

〈Untitled #1〉 은 프란시스코 로페스(Francisco López)와 제임스 웹(James Webb)이 주관한 남아프리카 Sonic Mmabolela 워크숍/레지던시에서 작곡된 사운드스케이프 작품이다. 이 작품은 청취자로 하여금 맥락적 연상에서 벗어나 지적인 부정을 요구하는 ‘부정신학적 태도(apophatic attitude)’ 속에서 소리를 경험하도록 초대한다.

작품은 필드 레코딩(field recording) 과 펜스(fence) 녹음(콘택트 마이크 사용) 두 가지 음향 재료를 사용한다. 특히 펜스의 소리를 증폭하고 변형하여 필드 레코딩과 결합하는 방식은 일상적으로는 불가능한 상호작용을 만들어내며, 이를 통해 현실과 상상의 경계에서 새로운 하이브리드 사운드스케이프를 구축한다.

Untitled#1 is a Soundscape Composition composed during the Sonic Mmabolela Workshop/Residency in South Africa, organised by Francisco Lopez and James Webb. It focuses on the listening experience requiring an apophatic attitude from the listener, a type of intellectual negativity that is, which stands away from contextual associations of any sorts. The work uses two types of material, field recording and fence recordings (using contact microphones). By enhancing the recordings of the fence, it creates interplay between the two, something that is not possible otherwise, and by that a hybrid soundscape.

작가 프로필

디미트리스 바카스 (Dimitris Bakas, 1975·카테리니 출생)는 테오도르 안토니우(Theodore Antoniou)에게 작곡을 사사한 후, 런던 골드스미스 대학교에서 로저 레드게이트(Roger Redgate)의 지도 아래 석사(MMus)와 박사(PhD) 학위를 취득하였다. 또한 전자음악 작곡 석사 과정을 수료했으며, 2010–2011년에는 트리스탄 뮤라이(Tristan Murail)와 함께 컬럼비아 대학교에서 방문 연구원으로 활동했다.

그의 음악은 영국, 그리스, 미국에서 연주되었으며, ICMC, SMC, Sonic Mmabolela 등 세계 각지의 콩쿠르, 레지던시, 학술 컨퍼런스에서 소개되었다. 또한 그리스 국립 오페라 등 주요 기관으로부터 작품을 위촉받았다.

사운드 아티스트로서 바카스는 박물관과의 협업을 통해 테살로니키 고고학 박물관, 스페인 레이나 소피아 국립 미술관(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia) 등에서 설치 작품을 선보였다. 2022년에는 룩셈부르크 아트 프라이즈(Luxembourg Art Prize)에서 예술적 성취 증명서(Certificate of Artistic Achievement) 를 수상하였다. 또한 다큐멘터리를 비롯한 영화와 멀티미디어 프로젝트의 음악을 작곡했으며, 알자지라(Al Jazeera) 방영작과 여러 시각예술가들과의 협업 작업을 남겼다. 그는 현재 그리스 작곡가 연맹, HELMCA, KSYME, HSAE, temp’Ora Project의 회원으로 활동하고 있다.

Born in Katerini in 1975, Bakas studied Composition with Theodore Antoniou before earning an MMus and PhD at Goldsmiths, University of London, under Roger Redgate. He also completed a Master in Electroacoustic Composition and was a visiting scholar at Columbia University (2010-2011) under Tristan Murail.

His music has been performed in the UK, Greece, and the USA, featured in competitions, residencies, and conferences worldwide, including ICMC, SMC, and Sonic Mmabolela. He has received commissions from institutions such as the National Greek Opera.

As a sound artist, he collaborates with museums, creating installations for institutions like the Archaeological Museum of Thessaloniki and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. His work was recognized with a Certificate of Artistic Achievement from the Luxembourg Art Prize (2022).

Bakas has also composed for film and multimedia projects, including documentaries aired on Al Jazeera and collaborative works with visual artists. He is a member of the Greek Composers Union, HELMCA, KSYME, HSAE, and the temp’Ora Project.

작품 설명

러닝타임: 약 35분

제작년도 : 2022

나의 작업은 도시의 특정 장소에서 발생하는 소리들을 직접 걷고 체험하며 수집하는 것으로 시작되며 도시의 일상이 가지는 소리를 새로운 언어로 재해석한다. <도시의 소리/을지로> 작업 역시 그곳에 몸을 두고, 귀를 열어두는 시간에서 출발했다. 을지로 지하철에서는 플랫폼 방송음과 사람들의 발걸음, 광장시장에서는 끊임없이 이어지는 상인의 외침과 사람들의 리드미컬한 소리를 기록했다. 인쇄골목에서는 오랜 세월을 함께해 온 인쇄기의 둔탁한 반복음과 금속 활자의 날카로운 마찰음, 세운상가에서는 전자 부품을 고치는 세밀한 납땜 소리와 거리에서 흘러나오는 음악을 채집했다. 청계전에서는 힘찬 물줄기가 흐르고 젊은이들의 대화는 커다란 군중의 에너지를 품어낸다.

이렇게 수집한 소리들은 하나의 거대한 음향 지도처럼 배열된다. 이것은 소리의 단순한 나열이 아니라, 특정 장소 시간과 공간을 재구성하는 을지로의 정체성을 드러내는 사운드스케이프로 구성하였다. 이는 관객이 단순히 ‘듣는 것’을 넘어 ‘걷고 체험하는 것’처럼 느낄 수 있으며 공간에서 제공되는 스테레오 사운드는 관객이 마치 직접 을지로를 산책하듯, 한 걸음 한 걸음 새로운 청각적 풍경과 마주하도록 유도한다.

이를 통해, 서울의 익숙한 지역, 을지로를 청각적으로 경험하며 도시와 자신 사이의 일상적 관계를 새롭게 체험하게 된다.

작가 프로필

김서량은 사운드 설치와 영상을 비롯한 다양한 매체를 넘나들며, 도시와 산업 공간의 소리를 탐구하는 작가이다. 독일 자르브뤼켄 국립조형예술대학교(Hochschule der Bildenden Künste Saarbrücken)에서 사운드 아트를 전공한 그는 소리를 독립된 매체로 다루는 동시에 시각적·물리적 장치와 결합하여 새로운 감각적 경험을 창출해왔다.

그의 작업은 특정 도시와 장소에서 채집한 소리를 기반으로 한다. 문래동 철강 공단의 쇳소리, 을지로 인쇄 골목의 기계음, 부산 염색 공단의 반복적 리듬, 청주의 일상적 언어와 같은 도시의 현장음을 영상, 설치, 퍼포먼스, 사진, 텍스트와 결합해 재구성한다. 이러한 방식은 단순히 소리를 재현하는 차원을 넘어, 도시가 품고 있는 사회적 맥락과 기억을 관객이 체험하도록 만든다.

김서량은 특히 사운드 설치와 영상 작업을 통해 소리가 가진 물리적 존재감을 확장한다. 공간 전체에 배치된 스피커, 오브제, 프로젝션 영상은 관객을 둘러싸며, 소리와 이미지가 융합된 몰입적 환경을 구성한다. 그는 이를 통해 관객이 도시와 사람의 관계를 청각과 시각, 더 나아가 오감을 통해 경험할 수 있도록 한다.

앞으로도 사운드 설치와 영상, 다양한 매체를 활용하여 도시와 산업의 풍경을 탐구하고, 소리가 지닌 서사적·치유적 가능성을 확장하고자 한다. 그의 작업은 동시대 사회 속에서 예술이 제안할 수 있는 새로운 감각적 경험을 모색하는 실험이자, 잊힌 공간의 이야기를 환기하는 예술적 서사로 자리 잡고 있다.

작품 설명

러닝타임: 약 30분

지금 우리는 어떤 방식으로 놀고, 먼 훗날에는 또 어떻게 놀게 될까?

탑골공원은 서울 도심 한복판에 위치하면서도 마치 다른 시간대에 존재하는 듯한 독특한 장소다. 이곳에서는 매일같이 어르신들의 일상과 여가가 펼쳐진다. 그들만의 고유한 템포와 분위기는 현재와 과거, 그리고 우리가 언젠가 도달하게 될 미래의 한순간이 교차하는 듯한 느낌을 선사한다.

이번 작업은 리스닝 세션과 라이브 퍼포먼스를 통해 선보이며, 이 특별한 공간이 지닌 고유한 리듬과 감각을 관객들이 직접 체험할 수 있도록 구성했다.

《Playground》는 청자로 하여금 일상 속 공유 공간을 새로운 관점에서 듣게 하고, 훗날 마주할지도 모를 감각들을 미리 경험하며 상상하게 하는 프로젝트다. 사라져 가는 놀이 공간에서 수집한 필드 레코딩에 테크노와 실험적 사운드 요소를 결합하여 전혀 새로운 형태의 놀이터를 창조했다. 이는 단순한 현장의 복원이 아닌, 도시 속 공공장소에서의 다채로운 감각들을 미리 듣고 상상하게 만드는 일종의 '청각적 놀이'이다.

작가 프로필

h25는 한양대학교 전자음악작곡과 25학번 학생들이 만든 실험적 전자음악 팀입니다.

우리는 소리의 경계를 새롭게 열고, 청각적 놀이를 탐구합니다.

작품 설명

러닝타임: 35분

2025, 사운드 퍼포먼스, 35분

모음은 한글 자모 체계에서 소리와 숨이 지나는 통로이자 자음을 이어주는 매개입니다. <모음놀이 Missing Voice>는 그 통로의 이미지를 퍼포먼스의 구조로 옮기며, 모음을 잃어가던 몸의 소리가 어떻게 들려 질 수 있는지 상상합니다.

이 작업의 배경에는 엄마의 몸이 있습니다. 다계통위축증으로 인해, 입을 벌려 조음해야 소리 낼 수는 모음 발음을 어려워 하셨습니다. 모음이 없는 단어란 없기에 말할 수 있는 단어가 줄어들었습니다. 엄마와 내가 마주보고 입의 근육을 열고 오므리는 연습을 하던 순간들. 잠시 열렸다가 무너지는 입. 가까스로 새어나오던 작은 모음들.

엄마와 자주 시간을 보냈던 미용실, 놀이터, 병원, 요양원 로비를 다시 찾아가 머무르고, 엄마를 기억하는 이와 대화 나누며, 그곳의 소리를 녹음하는 방식으로 작업을 시작했습니다. 필드레코딩과 오디오 메모들을 재배치하고, 연필, 헤어드라이어, 카메라, 에어 펌프, 도자기 등의 일상 사물들을 퍼포먼스 악기 삼아 컨택 마이크와 라발리에 마이크로 소리를 증폭하고 라이브 샘플링하여 퍼포먼스의 흐름을 구성합니다. 그 과정에서 언어가 비언어로 변형되기도 하고, 어떤 소리가 상황을 은유하기도 합니다. 그리고 모음을 연습하는 그 장면을 ‘엄마’가 되어 재연합니다.

이 퍼포먼스는 책상 위에서 무언가를 쓰는 행위로 시작해 다시 그 행위로 끝나는 액자 구성을 띠고 있습니다. 관객이 보고 듣게 되는 것은 소리와 음으로 전환된 텍스트 라고 볼 수 있습니다. 관객은 오디오 속 행위자와 무대 위 퍼포머의 내밀한 여정에 듣기를 매개로 동행하게 됩니다.

작가 프로필

김지연은 서울을 기반으로 활동하는 사운드 아티스트이자 뮤지션(11) 입니다. 필드레코딩, 피아노, 전자음을 작곡, 샘플링, 즉흥 연주 기법과 결합하는 방식으로 오디오 작업을 합니다. 듣기 행위에 대한 사유를 언어와 번역에 대한 관심사로 확장하고 있습니다.